THE YELLOW BALLOON. “Yellow Balloon”. (1967, Canterbury)

Sunshine Pop californiano, con toques Surf, obra del músico, compositor y productor Gary Zeckley. Famoso, sobre todo, por la canción que da nombre al grupo, grabada primero por Jan & Dean en el disco "Save for a rainy day".

En realidad Gary Zeckley tenía un problema, sabía hacer canciones fabulosas, había grabado su propia versión de Yellow Balloon, un single de cierto éxito, pero no tenía banda para cantarla en directo.

Así que organizó una, con músicos y cantantes muy competentes, que sólo sacó un disco, de 1968, “The Yellow Balloon” , una colección de canciones buenísimas, muy cuidadas, con unas preciosas melodías, y una producción cuidadísima y espectacular: armonías vocales, arreglos orquestales,... Una maravilla de las que cada vez que uno la escucha le descubre cosas nuevas.

Incomprensiblemente, el disco no se vendió ni tuvo demasiada repercusión, así que el grupo se separó y nos quedamos sin saber hasta dónde podían haber llegado, pero nos queda el disco como una de esas joyas ocultas del pop de la costa oeste.

Una pena , canciones de pop con mayúsculas, como "How can I be down", "Baby it's you", "Panama red", y sobre todo, las maravillosas "Follow the sunshine" y "Stained glass window", merecían mejor suerte.

Un escándalo de disco. De los mejores que yo he escuchado nunca. Imprescindible sobre todo para fans de Brian Wilson, Gary Usher, los Beach Boys o The Turtles.

BARRENCE WHITFIELD & THE SAVAGES. “Let´s Lose It”. (1990, Stony Plain)

Empezó, cuando sólo era un niño, cantando en una iglesia de Gospel.

Y ahora nos sorprende y apisona con una mezcla de Rockandroll, R&B y Soul primitivo, salvaje, divertido y burro. Entre Little Richard y James Brown, con una banda excelente y que suena como una locomotora.

Este tipo, originario de Boston, sí que canta, grita, silba, aúlla, resopla y hace todo tipo de ruidos, sobre una base rockanrolera y rithmanblusera de las de toda la vida, con una pizca de soul y un toque de rock garagero.

Le sombran pulmones, fuerza y, sobre todo, diversión y entusiasmo contagioso, gran voz y mucha personalidad.

Dicen que en directo es un espectáculo digno de verse, me lo imagino.

Tremendo y muy recomendable. "Method to my madness" (sobre todo), “Dust on my Needle”, “Let´s Lose It”, “I Smell a Rat”, “Girl Gunslinger” y, en general, todo el disco.

No se lo pierdan, dinamita pura .

ALGUNAS JOYAS DE LOS 60 (3)

Tercera entrega de la serie de joyas sesenteras. Unas, muy conocidas, otras, no tanto, pero siempre, para mi gusto, grandísimas canciones.

The Beatles. “Here, There & Everywhere”.

Una de las mejores canciones de uno de los mejores discos de todos los tiempos, “Revolver”, publicado por los Beatles en 1966.
Se trata de una balada sencilla, con una preciosa melodía interpretada maravillosamente por Paul McCartney y con unos coros muy buenos.
Destaca también bastante, entre las muchas versiones que se han hecho de esta canción, la que hace Emmylou Harris.

The Mamas & The Papas. “Twist & Shout”.
En su tercer disco, “Deliver”, de 1967, The Mamas & The Papas incluyen esta espectacular versión de la canción de los Isley Brothers (“prima hermana” de la Bamba) que hicieron famosa los Beatles.
La versión es una auténtica maravilla, The Mamas & The Papas se llevan la canción a su terreno, y la convierten en una canción lenta, con el característico sonido de órgano, y sus maravillosas y elegantes voces.

The Troggs. “With a Girl like You”.
El cuarteto inglés The Troggs, liderado por Reg Presley, alcanzaría el número 1 en Inglaterra el 6 de agosto de 1966, con esta canción, una gran canción pop, bailable y pegadiza, mucho más pop de lo que es habitual en ellos, un grupo de Frat Rock y garage mucho más crudo, salvaje y visceral, pero que también sabían cuidar las melodías, como se puede ver en esta gran canción.

Honeybus. “Do I Still Figure in Your Life”.
Preciosa canción compuesta por Pete Dello y publicada en 1967 por este gran grupo de pop barroco, que nunca alcanzó la fama y el reconocimiento que merecía (aparte de un sigle de éxito, “I Can´t Let Maggie Go”), pero, en especial esta canción, para mi gusto la mejor del grupo, lo tenía todo para triunfar, con unos maravillosos arreglos de cuerda, además de una melodía muy bonita y unas preciosas voces. La canción fue versionada y alcanzó cierta popularidad por Joe Cocker (entre otros).

The Small Faces. “My Minds Eye”.
El grupo “mod” por excelencia, The Small Faces, incluyen esta canción en su último disco para la discográfica Decca, llamado “From the Beginning”.
Una gran canción donde ya The Small Faces demuestran un cierto cambio en su sonido, ya en un estilo más pop y psicodélico que lo que venían haciendo hasta ese momento, cambio que se vería a partir de entonces, ya en sus discos para el sello “Inmediate”.
De la canción destacan, además de la preciosa melodía, los arreglos, ya algo más barrocos, el toque psicodélico y las voces y coros.

REM .”Automatic For The People” (1992, Warner Bros)

Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería) formaron REM, uno de mis grupos favoritos, allá por 1980 en la ciudad de Athens (Georgia) . Un grupo del que me gustan prácticamente todos los discos.

"Automatic for the people", es el primer disco publicado tras el éxito enorme e inesperado de su disco "Out of time", del año anterior, algo que ni siquiera imaginaban al grabar su primer disco, y a lo que nunca habían aspirado, y menos después de haber sacado al mercado ya seis excelentes discos, sin pasar de ser un grupo de culto, con mucho prestigio y grandes críticas, pero relativamente desconocido.

Tras ese gran éxito, REM lanzan un LP muy distinto, muy Folk, mucho más pausado y oscuro. Fundamentalmente acústico, con la facilidad para las melodías marca de la casa, y un sonido basado en guitarras acústicas, armónicas, órgano, y los arreglos de cuerda obra de John Paul Jones, conocido por ser el bajista de Led Zeppelin.

El disco está lleno de canciones excelentes, como “Drive”, Man On The Moon" o “The Sidewinder Sleeps Tonite”, "Ignoreland", "Nightswimming", junto a la que más éxito obtuvo, ”Everybody Hurts”.

Pese al cambio, el disco fue un gran éxito, y consolidó a REM ya definitivamente en el “mainstream”. En parte por la inercia del disco anterior, pero también por canciones de gran éxito como las mencionadas.

En todo caso, "Automatic for the people" es un ejemplo de cómo hacer un disco comercial pero, a la vez, con muy buen gusto, cuidando la calidad de las letras, la música, el sonido y los arreglos y, sobre todo, sin dejar de hacer la música o la producción que el grupo quiere, sin hacer demasiadas concesiones.

CAT STEVENS

Stephen Demetri Georgius, más conocido como Cat Stevens, nacido en Londres en 1948, hijo de madre Sueca y Padre Griego Chipriota, ha sido cantante, escritor, poeta, educador musulmán y estudioso de la religión islámica.

Tras una carrera como músico, en la cual logro vender 25 millones de discos, Cat Stevens se retiró de la vida publica en el año 1979, cambio su nombre por "Yusuf Islam" al convertirse al Islam, abandonando su carrera como autor discográfico y dedicando su vida al estudio espiritual y a la gente más necesitada, subastando gran parte de sus bienes y creando centros de caridad y educativos islámicos.

Antes de su retirada nos deja unos cuantos discos que tuvieron mucho éxito en su momento, entre los que yo destacaría estos dos:

”Tea for the Tillerman” (1970, A&M)

Este disco llegó al puesto 20 en Inglaterra y le abre el mercado de los USA.

En "Tea for the tillerman" Cat Stevens nos deja claro el tipo de artista que es, un compositor de gran gusto y sensibilidad, con una gran voz, un gran talento como músico y como letrista.

Un disco repleto de canciones preciosas como "Where do the children play", "Hard Headed Woman", "Wild World", "Sad Lisa" o "Father & Son".

El disco destaca también por la producción, el sonido y el buen gusto para los arreglos, dentro de un disco muy sencillo, con canciones bastante desnudas.

”Teaser & The Firecat” (1971, A&M)

Fabuloso disco, tal vez el mejor de este artista, un disco pop, con toques folk, con grandes clásicos como "The Wind", "If I Laugh", "Morning has broken" , "Moonshadow" o “Peace Train”.

En el disco, además de la característica voz y guitarra acústica de Cat Stevens, junto a la de un gran guitarrista, Alun Davies , aparecen canciones con instrumentación folk griega (no olvidemos sus ascendientes) "Rubylove", o caribeña, “Changes IV”, “Tuesday Dead’s”, o con los teclados del propio Cat Stevens y del mismísimo Rick Wakeman, o con unos bonitos arreglos de cuerda de Del Newman.

La gran canción oculta del disco es "How can I tell you", una auténtica preciosidad de canción, tremendamente romántica. Para mi gusto una de las mejores canciones de amor que he escuchado.

Los dibujos de la portada son también obra de Cat Stevens.

A partir de aquí, tras su disco, ya algo más flojo, pero todavía con éxito, "Buddah & The Chocolate Box", de 1974, y con la edición de “Cat Stevens' Greatest Hits LP” en junio de 1975, que vende tres millones copias sólo en los Estados Unidos se cierra la etapa de gran creación musical, y aunque seguiría sacando discos, ya nunca volvería a tener tanto éxito (ni canciones de tanto nivel) ni tampoco demasiadod interés en la música, hasta abandonarla definitivamente . Un disco que suena casi a despedida y que podría ser muy buena idea para empezar a conocer la música de este gran compositor, letrista, músico y cantante.

THE WATERBOYS. ”The Fisherman´s Blues” (1988, Chrysalis)

Mike Scott, el líder de los Waterboys, después de unos cuantos discos de gran nivel, quería hacer una obra maestra de raíces célticas, y se lo tomó realmente en serio: Se encerró a preparar, componer, grabar y producir un excelente disco: “The Fisherman´s Blues”.

El disco se publicó más de dos años y medio después de sus primeras grabaciones, supuso el resultado de 303 días en el estudio, en los que el grupo contó con la colaboración de 41 músicos y la utilización de 13 estudios situados en 4 países. En total se interpretaron 159 canciones, de las cuales 60 se grabaron en los masters de aquellas sesiones.

Ese trabajo tuvo su recompensa: Fisherman’s Blues se convirtió en el álbum más vendido en la historia de The Waterboys. Sólo 12 de esas canciones se incluyeron en el disco.

“Me encanta Fisherman's Blues, pero cada vez que lo escucho siento como si sólo contara un pequeño fragmento de toda su historia”, afirma Mike Scott.

Las canciones perdidas de estas sesiones se publicarían más adelante en caras B, o más recientemente en Too Close to Heaven: The Unreleased Fisherman’s Blues Sessions, que se publicó en 2001. y que incluía 10 canciones adicionales.

El disco recogía la tradición celta y las leyendas del Norte de Europa, mezclándola con el rock de autor y con el pop británico de los 80. Las influencias recogidas van desde Van Morrison a los Chieftains, pasando por Capercaillie o el mismo Bob Dylan.

Es un disco muy bien producido, los arreglos son fabulosos, y el sonido es excelente, podemos disfrutar de un grupo formado por grandes músicos, con colaboración de grandes artistas tanto del mundo celta (como Donald Lunny) como del rock , realizando uno de los mejores discos de fusión de la música tradicional con el rock, el pop o incluso el country, algo que se pondría de moda años después, y en lo que profundizarían los mismos Waterboys en su siguiente disco, Room To Roam.

A esto se le une que aquí Mike Scott canta como nunca, con fuerza y sensibilidad, y compone canciones del nivel de “Fisherman´s Blues”, “And a Bang on The Ear” o “Has anybody here seen Hank?”. En resumen: Obra maestra que se publicó en octubre de 1988.

Un disco especial dentro de la muy recomendable discografía de este grupo.

EDDIE COCHRAN . “The EP Collection.” (1991, See For Miles)

De este gran compositor, cantante y guitarrista de rabioso Rock & Roll, llamado Eddie Ray Cochran, nacido en Oklahoma y también fallecido prematuramente, con 21 años (en accidente de Taxi, en 1960, durante una gira por Inglaterra junto a Gene Vincent, que resultó herido) hay que tener también un recopilatorio.

Este disco en concreto lo he escogido porque es una selección muy bien cuidada y objetiva (los EPS), no se echa a faltar ni una sola de las grandísimas y más conocidas canciones, aunque, obviamente, es mucho más que lo que aquí hay.

La presentación también es muy buena, cuidada, y el disco se fija tanto en las canciones de Rock, esas en la que es imposible mantener quietos los pies (C`on Everybody, Something Else, Nervous Breakdown...) como en las baladas (grande sobre todo I Remember, que no viene en demasiados recopilatorios, y es sorprendente, ya que es muy buena, tal vez un poco convencional) y los medios tiempos tipo Three Steps to Heaven, y, por supuesto, su gran éxito y una de las mejores canciones de todos los tiempos: “Summertime Blues.”

Otro de los imprescindibles, vaya.

THE VELVET UNDERGROUND. “The Velvet Underground & Nico“ (1967, Verve)

Este disco pasó casi desapercibido en su época, llegando al máximo del 171 en las listas: Un disco adelantado a su tiempo.

Hoy en día, sin embargo, es reconocido como uno de los discos más influyentes de la historia del rock.

Fue grabado en pocos días, en “la factoría” de Andy Warhol, “padrino” del grupo y productor del disco (excepto de la joya pop “Sunday Morning”), y autor de la famosa portada por la que este disco es mundialmente conocido.

Pese a ser grabado en pocos días, tardó casi un año en publicarse, ya que, a pesar de llevar la firma de Andy Warhol, ninguna discográfica veía la manera de comercializarlo, a pesar del espectáculo en directo de la Velvet Underground por aquella época, que se había hecho bastante famoso (el EPI, Exploding Plastic Inevitable, un espectáculo de luces, bailarinas, imagen y sonido ideado también en la factoría de Andy Warhol por Paul Morryssey.

En lo musical, Andy Warhol daba absoluta libertad creativa y de sonido al grupo, pero “recomendó” (diríamos mejor impuso) a la por entonces modelo estrella de la Factoría, la cantante alemana “Nico” (de nombre real Christie Paffgen), que a mí personalmente me encanta, pero que, curiosamente, no era del total agrado de la banda (tal vez por su imposición).

El disco se compone de letras muy crudas, elaboradas por Lou Reed, acerca del mundillo marginal de Nueva York, con temáticas que giran alrededor de las drogas y el sexo.

En cuanto a la música, es bastante variada, con canciones de pop muy melódico, como “Sunday Morning”, “Femme Fatal”, “I´ll be your Mirror”, o “Venus in Furs” y canciones más garajeras, como “There She Goes Again” o “Waiting for the man”, y experimentos de sonido que van de lo ruidoso y chirriante, como “All Tomorrow Parties” o “Heroine”, al caos de ruido de la “European Son”, donde se les va un poco la mano.

En general el disco a mí me parece una obra maestra, adictivo, lleno de canciones buenísimas y con un sonido casi hipnótico, uno de mis discos favoritos, y me parece imprescindible, para disfrutarlo, pero también para entender muchas de las cosas que vinieron luego, ya que buena parte del rock alternativo de los últimos años reconoce su influencia.

Además, hay una reedición muy bien cuidada, con carpeta doble y en vinilo de 180 gramos, que merece mucho la pena.

El disco se publicó en enero de 1967 en el sello de Jazz “Verve”, que fue el único que, finalmente, se atrevió a hacerlo.

GENESIS. “Selling England by The Pound”. (1973, ATCO)

Pues, por raro que parezca, y aunque, evidentemente, no es que sea un enamorado de este estilo, los sonidos de rock sinfónico, Genesis es uno de mis grupos favoritos, y creo que en lo suyo son los mejores de largo. Me gusta escuchar un poco de todo, y lo que no se le puede discutir a Genesis es su Originalidad y su categoría como músicos y como grupo.

Otra cosa es que "lo suyo" a mucha gente le pueda parecer pesadísimo, cosa que entiendo. Pero tenían un sonido propio, no eran un grupo comercial, y eran grandes músicos. Y Peter Gabriel, un gran líder, carismático, buen cantante, buen músico y buen letrista. Y un genio de la interpretación y la puesta en escena, con sus característicos disfraces e historias.

Los Genesis buenos, para mi gusto, buenos muy buenos, llegan cuando coinciden Peter Gabriel y Steve Hackett, que me parece tan importante como Peter Gabriel en el sonido de Genesis.

El primer disco "From Genesis to Revelation", no está mal, pero es un disco de pop muy de la época, finales de los 60, y todavía tiene muy poco que ver con lo de después.

Los siguientes aunque son buenos discos, son algo irregulares, están definiendo el sonido y a veces les salen canciones muy buenas, como Musical Box que es bestial, y a veces se les va la cabeza.

Lo bueno es que son canciones en las que cuentan una historia y la representan, es una cosa bastante teatral, donde la música y todo el virtuosismo está en función de la historia que va contando Peter Gabriel. Si uno se mete en la historia, nada le parecerá excesivo, si uno no entra, le parecerá un peñazo de primera categoría.

A partir del directo, es un grupo super rodado, y sacan "Selling England by The Pound", que es sencillamente espectacular, la obra cumbre del rock sinfónico, para mi gusto, uno de lo mejores discos de todos los tiempos: la historia es excelente, la música es buenísima y Peter Gabriel está en su mejor momento.

“Vendiendo Inglaterra al peso”, con la formación que reunió a los cinco mejores músicos del rock sinfónico, al mando de un Peter Gabriel en plena forma.

Con toda la imaginación y la teatralidad característica del rock progresivo, pero sin la grandilocuencia que hizo que este estilo muriera por su propio peso.

El disco recoge, desde canciones totalmente sinfónicas (con el piano y los teclados de Tony Banks, un teclista que tocaba aquí en funcion de la música y no para su exclusivo lucimiento, tan normal en este tipo de estilo; la guitarra de Steve Hackett, perfecta en este disco) logrando lo que, para mí, es su obra maestra, publicada en noviembre de 1973.

Las canciones que más destacan son la primera, “Dancing with the Moolight Knight”, o la que posiblemente sea mejor canción de Genesis y de todo el Rock Sinfónico: “Firth of Fifth”, el clásico entre los clásicos.

Después vendría "The Lamb Lies Down on Broadway", que también es un disco realmente bueno, y con una puesta en escena que tuvo que ser tremenda.

Peter Gabriel abandona y mientras sigue Steve Hackett, la cosa no se desmadra del todo, y tienen dos buenos discos, "A Trick of the Tail" y "Wind & Wuthering", que ya es más flojillo pero tiene todavía un pase.

A partir de aquí, ya es 1976, estos dinosaurios ya habían dicho todo lo que tenían que decir y la cosa deja de tener sentido, todo el mundo se recicla, unos en AOR, otros en Metal progresivo, y Hackett se larga (a GTR, un grupo con un sonido mucho más duro) y la cosa queda en manos de Phil Collins que se carga el grupo, cambia el sonido, el grupo se convierte en una cosa insufrible, una especie de pop entre sinfónico y comercial, sin gracia ninguna, sin historia que contar, con letras muy flojas y música comercial.

Eso sí, se forran y consiguen que, en general, se tenga muy mala imagen de Genesis, y casi nadie se acuerde de la primera mitad de los 70, aunque los discos de Genesis que se siguen escuchando y vendiendo son esos, los primeros, y la época de Phill Collins ya no le interesa a nadie (ni a los fans de Phil Collins).

JAMES TAYLOR. “Greatest Hits” (1976, Warner Bros)

Últimamente no se habla demasiado de este gran músico, que se llegó a hacer bastante famoso en la década de los 70, incluso en los 80, y que sigue siendo muy conocido en países como Estados Unidos. Y todavía sigue sacando discos, aunque ya no con la misma frecuencia.

Este es un recopilatorio ideal para acercarse a la música de James Taylor, uno de los grandes compositores del folk americano, con un talento especial para la melodía, mezclando folk, country, pop e incluso Blues, y un gran intérprete, con una voz preciosa y cercana, sensible y dulce, sin llegar a hacerse empalagoso.

Es, además, un buen guitarrista acústico, y tiene muchísimo gusto para los arreglos.

Este "Greatest Hits" recoge sus éxitos de la primera (y, para mi gusto, mejor) etapa del cantautor de Boston, la etapa en la que grababa con la discográfica Warner.

El disco está lleno de grandes canciones, canciones de amor, más pop, como “Something in The Way She Moves” (de la que se dice que tomó la frase George Harrison para la canción “Something”) “How Sweet it is” o “Shower The People”, letras más duras como “Fire & Rain” (para mi gusto, la mejor canción), y otras grandes canciones, más Folk o incluso Country, como “Carolina in My Mind”, “Country Road” o “Sweet Baby James”, una canción de cuna, o su más famosa, “ You´ve got a Friend” (compuesta por Carole King), etc.

En fin, una colección de canciones muy agradable y recomendable para escuchar tranquilamente, que lleva vendidos cerca de 11 millones de discos.

Merece la pena.

THE JESUS & MARY CHAIN. ”Darklands” (1987, Warner Bros)

A mediados de los años 80, en la localidad escocesa de East Kilbride, surge The Jesus and Mary Chain, grupo liderado por los gemelos Jim y William Reid.

Con un sonido influenciado sobre todo por la Velvet Underground o los Stooges y el garage y la psicodelia, de grupos tipo 13th Floor Elevators , pero también por grupos Punk como Ramones, el Glam Rock o el pop/rock oscuro tipo Bauhaus.

Su música se basa en unas melodías bastante cuidadas, más bien pop, pero ensuciadas con capas y capas de feedback y distorsión. Algo así como el muro de sonido de Spector, pero con un “muro de ruido”.

El caso es que el grupo obtuvo bastante éxito, tanto de crítica, que los veía como lo último en experimentación musical y en originalidad, como de público, gracias a un directo bastante convincente (y cafre).

Ya en 1987, y afincados en Londres, el grupo grabó lo que, para mi gusto, es su obra maestra.
Un disco que sorprendió a todos: “Darklands”, mucho más limpio y acústico de lo que en ellos era habitual, con grandes canciones como “April Skies”, “Happy when it rains”, “Darklands”, "About You"o mi favorita, “Down on Me”, que pueden considerarse incluso comerciales.

Habían dejado a un lado buena parte del ruido para dar más protagonismo a sus melodías. Y a mí el resultado me convence bastante. Y lo recomiendo.

Para mi gusto, es uno de los mejores grupos de los 80, y tiene otros grandes discos como “Psycho Candy” o “Automatic”, igualmente recomendables.

THE SUMMER SOUNDS. “Up & Down”. (Laurel, 1969)

Una joya esperando ser descubierta este disco debut de “The Summer Sounds”, Un disco raro de encontrar, publicado por este quinteto de Dartmouth, Massachussets, que permaneció en el olvido hasta su reedición, hace poco, por el sello “Radiactive Records”, en CD y en vinilo de 180 gramos.

Se trata de un buen disco de Garage Beat, en la línea de lo que se estaba haciendo en la época, con un toque “Sunshine Pop”, con una producción muy bien cuidada, y con toques de psicodelia, sobre todo en el órgano, especialmente en la primera canción del disco, “Small World”, o en The Leaves are Turning Brown”.

Pero se trata, sobre todo, de un disco de Pop, muy buen pop, con melodías muy bien elaboradas, pegadizas y, sobre todo, muy bien cantadas. Un disco más bien pausado, tranquilo, pero también con canciones más movidas, más garageras, como “First Date”, “You Told Me” o la versión de “Gimme Some Loving”.

Lo que más destaca del disco son, de hecho, las armonías vocales, como las de canciones como “One Last Kiss”, “Lonely Beach”, “Summer Girl” o “I Love You”.

Un disco muy bonito, para disfrutar tranquilamente. Es una pena que sea tan poco conocido, porque es recomendable entero, muy especialmente la canción “One Last Kiss”. Una preciosidad.

BUDDY HOLLY . “The Buddy Holly Story.” (1959, Coral)

El tejano Charles Hardin Holley, Buddy Holly, es, sin duda, uno de los mayores talentos musicales de la historia del Rock and Roll, como intérprete y como compositor.

En lo más alto de su carrera, y tras una actuación en Clear Lake (Iowa), cansado de la agotadora gira, decide alquilar una avioneta para llegar unas horas antes que el autobús de la gira al lugar del siguiente concierto, y poder descansar un rato. Le acompañan dos prometedores artistas, The Big Bopper y Ritchie Valens.

A la 1:50 de la madrugada del 3 de febrero de 1959 despega la avioneta desde el pequeño aeropuerto de Mason City (Iowa) y, tras recorrer unas 10 millas en medio de una gran tormenta de nieve, se estrella, muriendo todos sus ocupantes en el acto. Buddy Holly tenía 22 años. El día que la música murió, como diría Don McLean en su archiconocido “American Pie”.

Este disco es una recopilación de 12 maravillosas canciones que se publicó a raíz de la muerte de este grande de la música, que le da a su música, rock and roll clásico, un estilo muy personal, casi con un toque popero, festivo y melódico. Además de tener una sensibilidad especial para las baladas y una voz bastante bonita.

Estas canciones son sus ocho entradas en el Top 40 con The Crickets entre 1957 y 1959, y cuatro clásicos de Buddy Holly en solitario.

A pesar de ser un disco cortísimo y de saber que hay mucho más Buddy Holly que el que aquí se recoge, la idea es llamar la atención sobre el artista, del que creo que es imprescindible tener un recopilatorio, y a ser posible doble, porque tiene canciones buenísimas a patadas.

Nunca sabremos hasta dónde podía haber llegado, hacia donde habría evolucionado o como habría influenciado la música posterior, pero desde luego que su influencia se deja sentir, por ejemplo, en los primeros Beatles.

Ya lo decía John Millner, personaje de “American Graffiti”: “El Rock & Roll no ha vuelto a ser lo mismo desde que murió Buddy Holly”. Lo cierto es que el estilo, por esta causa y por otras, empezó un periodo de crisis del que le costó mucho levantarse.

Traigo este recopilatorio por su importancia histórica, y porque está escogido con un gusto espectacular, yo creo que estas 12 canciones son las 12 mejores canciones de Buddy Holly, así que da en la diana de mis gustos.

De este genio es muy recomendable, y hasta imprescindible, hacerse con un recopilatorio, el que sea, hay cientos, y cuantas más canciones traiga mejor. No tiene ni una canción mala.

Este recoge, ni más ni menos, estas doce obras de arte: “Raining in my Heart”, “Early in the Morning”, “Peggy Sue”, “Maybe Baby”, “Everyday”, “Rave On”, “That´ll be The Day”, “Heartbeat”, “Think it Over”, “Oh Boy”, “It´s So Easy” y “It Doesn`t Matter Anymore”.

MARAH. “20.000 Streets Under The Sky”. (2004, Yep Rock/ Phidelity)

Este fantástico grupo, formado en Philadelphia por dos hermanos, David y Serge Bielanko, acompañados de un grupo de músicos muy buenos, y afincado actualmente en Nueva York, es el que más me gusta de los últimos que he ido descubriendo.

No es que sean unos novatos, llevan ya casi 10 años y cinco discos, pero se les ha conocido en España hace relativamente poco (A raiz de su visita para dar unos conciertos, que dejaron un gran sabor de boca: Dicen que son de lo mejorcito que actualmente se puede ver encima de un escenario, yo no he tenido la suerte de verlos).

Este disco ya era su cuarto disco, un disco de rock en la línea de lo que se llamó “Nuevo Rock Americano” de los 80, con toques Folk y Country, pero que también puede recordar a Tom Petty, a Bruce Springsteen (que ha declarado ser "fan" de este grupo, lo mismo que Nick Hornby, el escritor autor de "Alta Fidelidad", o los Jayhawks), o a Graham Parker, o a grupos de rock más clásico tipo The Band, pero todo muy bien mezclado con un toque personal y original: Suenan a Marah.

“20.000 Streets Under the Sky”, un disco excelente, lleno de buenas canciones, con melodías bonitas, estribillos pegadizos y muy bien hechos, y también con fuerza rockera, empieza de una forma arrolladora: con “East” una canción casi perfecta, con fuerza y melodía, con una producción y unos arreglos muy buenos (con armónicas, flautas). Para mí es la mejor canción que he escuchado en los últimos años, un auténtico escándalo, que justifica por sí sola el gasto en el disco.

Otras grandes canciones, son “Freedom Park”, dónde además añaden coros femeninos tipo años 60., "Pigeon Heart", muy buena canción, más marchosa y en la que introducen sonidos de banjo, o “Tame The Tiger”, pero el disco es para disfrutarlo entero.

Porque además, el disco tiene una producción muy buena, sorprendente, con multitud de detalles, instrumentos de viento, coros femeninos, palmas, y eso que ha sido producido por ellos mismos sin apenas presupuesto.

A mí me parece un disco excelente, y aconsejaría, además, seguir la trayectoria de este grupo, porque este disco no es ninguna casualidad, tienen otros dos discos al menos del mismo nivel, "Kids In Philly” (del año 2.000) y su último disco hasta la fecha, “If You Didn’t Laugh, You’d Cry”(de 2.005).

THE JAYHAWKS. ”Tomorrow The Green Grass” (1995, American)

Por desgracia, The Jayhawks, uno de mis grupos favoritos, sigue siendo un grupo muy poco conocido en general.

Y la verdad, es algo que no me explico, porque tiene canciones espectaculares, dentro de un estilo bastante popular y accesible.

El caso es que yo también los conocí de casualidad, en una gira por España que les trajo a Murcia hace unos años.

Fui al concierto porque tocaba con ellos Stephen McCarthy, el ex guitarrista de Long Ryders y porque había oído hablar muy bien de ellos. Y no podía creer lo que estaba escuchando. Qué manera de cantar, qué manera de tocar y qué canciones. De esos conciertos que no quieres que se acaben nunca.

Pero terminó, y empecé a hacerme con los discos.

La verdad es que me gustan todos, pero el que más me llama la atención es este, “Tomorrow the Green Grass”, el cuarto disco de este grupo, formado en 1985 en Minneapolis.

Sigue siendo pop/rock de raices americanas, country y folk, pero el disco suena más pop, más melódico, más accesible, el clásico sonido de The Jayhawks, con guitarras acústicas, pero con arreglos de cuerdas, o la utilización de instrumentos como el acordeón y hasta la introducción de teclados, que no utilizaban en sus discos anteriores.

Canciones muy bien hechas, con mucha sensibilidad en las melodías, y muchísimo gusto a la hora de tocar y de cantar.

Llaman mucho la atención las armonías vocales, entre los dos cantantes del grupo, Gary Louris y Mark Olson (que abandonó tras este disco), dos cantantes excepcionales.

"Tomorrow the green grass", tiene alguna de mis canciones favoritas del grupo, especialmente, "Blue", que es también su canción más conocida.

Pero el disco entero es una obra maestra, y tiene otras joyas, como "I'd run away", “Miss Willian`s Guitar” (con unos preciosos arreglos de cuerda), “Over My Shoulder”, “Nothing Left To Borrow”, y la fantástica versión del “Bad Time” de Grand Funk Railroad.

Una maravilla de disco, que se disfruta de principio a fin. Y que recomiendo muy especialmente.

PETE DELLO & FRIENDS. “Into Your Ears”. (1971, Nepentha)

Aunque no es demasiado conocido en general a día de hoy, Honeybus fue un grupo de pop barroco de los años 60 que llegó a tener cierto éxito, y que merece muchísimo la pena rescatar.

Algún día habrá que hablar de ellos, pero hoy me voy a quedar con Pete Dello, uno de sus componentes, que abandonó el grupo en el momento en que este alcanzó cierta popularidad, debido a que no soportaba la presión de la fama, ni quería salir de gira. Era más un músico de estudio, se sentía más cómodo en el segundo plano, refugiado en el estudio, la composición, los arreglos y la producción.

Y este “Into Your Ears”, es su único disco en solitario, con el nombre de “Pete Dello And Friends”, una joya que se publicó originalmente en 1971, y que pasó desapercibido durante años, a pesar de que, en su momento, la revista Melody Market lo eligió disco del año, y que permaneció descatalogada durante años.

Tras este disco, Pete Dello se retiraría prácticamente de la industria músical, dedicándose a estudiar música.

Se trata de un maravilloso disco, que no cambió la historia del pop, vaya, pero que que es un disco muy bonito, melódico, con influencias de los grupos británicos de los 60: como Beatles, Kinks, Zombies, el pop psicodélico o el Sunshine Pop californiano.

Las canciones son melódicas, dulces, muy bonitas, en formato acústico y con unos arreglos maravillosos (pianos, voces, guitarras, cuerdas,...), y una interpretación muy cuidada, sobre todo en las armonías vocales, realmente preciosas. Unas canciones compuestas e interpretadas con muchísimo gusto y sensibilidad.

Uno de los discos más amables que yo he escuchado. De esos discos que parece que te abrazan en cuanto empiezan a sonar.

Es prácticamente imposible destacar una canción sobre las demás, mi favorita quizá sea “Do I Still Figure In Your Life”, pero hay otras joyas como “It’s What you’ve got”, “There’s Nothing that I Can Do For You”, “It´s The Way”, aunque el LP es de esos que se disfruta de principio a fin.

Muy aconsejable. Además ha sido reeditado hace un año y pico, en formato digipack y con bastantes extras, y con una edición limitada en vinilo.

BRUCE SPRINGSTEEN . “Born to Run” (1975, CBS Records)

Antes de la grabación de esta obra maestra, Bruce Springsteen ya había editado con CBS otros dos excelentes discos, que habían recibido grandes críticas, pero que no acababan de despegar en ventas.

Por esa razón, había recibido el ultimátum de la compañía, y sufrido incluso el abandono de algunos de los miembros de la Banda.

Bruce Springsteen decidió echar el resto, dar lo mejor de sí mismo y exigir el mismo compromiso a cada uno de los miembros de la E. Street Band. Se jugaban continuar en el negocio, o dedicarse a otra cosa. Les sacó todo el jugo en maratonianas y agotadoras sesiones de grabación. Se trataba de hacer una obra maestra y que, encima, se vendiera como churros. Ofrecer lo mejor y, además, tener suerte. (O justicia, según se mire).

Cambió su forma de componer (compuso todas las canciones al piano), la forma de escribir las letras, y trabajó los arreglos hasta el agotamiento, y de hecho parecía que no iba a terminar nunca, hasta el cambio de manager, con la llegada de Jon Landau, que dio el empujón definitivo a esta obra maestra.

El disco es diferente de todo lo hecho por la Banda hasta entonces, todas las canciones tienen introducciones, generalmente a piano, todas las canciones tienen una temática similar (huir, escapar, la amistad, ...) y un tono épico, romántico, cinematográfico.

Recoge, en lo musical, todo tipo de influencias, el Jazz, el Soul, el Rock and Roll más clásico y, en su sonido, el Wall of Sound de Phil Spector.

Se cuenta, como anécdota, que el propio Spector se encontró, poco después de la salida del disco con Bruce Springsteen y le dijo: “Si querías que te produjese tu disco, sólo tenías que decírmelo.”

Para la portada, Bruce eligió salir el sólo junto con Clarence Clemmons, para reforzar la temática de las letras del disco, el valor de la amistad. Desde luego, una de las cosas que llama la atención de este disco es el compromiso, la química entre Bruce Springsteen y su banda.

El 25 de Agosto de 1975 veía la luz esta maravilla, un exitazo de crítica y de público, y primer paso para situar a Bruce Springsteen en el lugar que ocupa actualmente, con canciones como “Thunder Road”, “Tenth Avenue Freeze Out”, “Backstreets”, “Jungle Land” o la propia “Born To Run”, y que es uno de los discos que más veces he escuchado en mi vida.

Me parece un disco maravilloso. Si tuviera que elegir cinco discos, este sería uno de ellos, sin ninguna duda. Y sigue sonando, y me sigue emocionando, como el primer día que lo escuché.

THE KINKS. “Sleepwalker”. (1977, Arista Records)

A pesar de que no se les reconoce apenas, The Kinks siguieron haciendo buenos discos en los 70 y en los 80.

Es una etapa muy infravalorada, en la que parece que a los hermanos Davies y compañía se les exige más que a otros grupos, también porque ellos mismos se habían puesto el listón muy, pero que muy alto.

Aún así, y con ser cierto que son discos muy inferiores a los de su etapa dorada, les falta ese toque “único” y “original” que tenían los Kinks de los 60, y hacen una música mucho más “convencional” me da la impresión de que se les critica mucho pero se les escucha poco los discos a partir de 1972.

Sleepwalker es, para mi gusto, el mejor disco de los Kinks en los 70, con un sonido mucho más rockero, después de una serie de discos “conceptuales”, y que, al fin, entre otras cosas (levantamiento del veto cambio de compañía, etc) les permitió entrar con mayor fuerza en el mercado norteamericano.

Y es que, curiosamente, al revés que en los 60, donde, por diversas circunstancias (no todas musicales, ya que estuvieron vetados para actuar en los USA durante cuatro años 65-69, por motivos que nunca quedaron del todo claros, pero que tienen que ver con el comportamiento del grupo durante la gira de 1964) los Kinks apenas tuvieron éxito en América, comparado con el de otros artistas británicos de su época, los discos de esta década pasarían a tener mayor aceptación en los USA que en Europa.

Es un disco de rock muy setentero, muy en la onda de lo que estaban haciendo los grandes grupos en esa época, como los Rolling Stones, Steve miller band, BTO, T-rex, y compañía.

Un sonido que recuerda un poco lo que se conoce como “Arena Rock”, un rock “Riffero”, de guitarras potentes y estribillos “coreables”. (Rock orientado al Mainstream, himnos rockeros destinados a sonar en grandes estadios) y que derivaría en el AOR de finales de los 70 y de los años 80.

Merece la pena escucharlo, sería una pena quedarse sólo con la época (brillantísima, única) de los 60, de un grupo que en los 70, y aún en los 80, demostraron que les quedaban cosas que decir. Y seguían teniendo mucha clase.

Canciones como “Life on the road” o “Sleepwalker” podrían -y deberían- formar parte de la lista de clásicos de la década. Para mí, lo son sin ninguna duda.

En el disco destacan también otras buenas canciones como “Sleepless Night”, un medio tiempo en tono melancólico, o “Jukebox Music”, otra gran canción de pop/rock.

No es que sea una obra maestra, pero es un buen disco y creo que merece la pena escucharlo.

DEREK & THE DOMINOS . “Layla & Other Assorted Love Songs” (1970, Polydor)

Con este grupo, formado por Eric Clapton, tres miembros de la banda de Delaney and Bonnie: Carl Radle, Bobby Whitlock y Jim Gordon, y la ayuda del guitarrista Duane Allman, Clapton grabó un disco doble que, para mi gusto es, de largo, el mejor disco de toda su carrera: “Layla and Other Assorted Love Songs”.

Para entender este disco, es importante el contexto: Por aquel entonces, Eric Clapton estaba bastante desesperado, ya que se había enamorado de Patti Boyd, la esposa de su mejor amigo, George Harrison, lo que influyó en este disco, de forma especial en la canción “Layla” dedicada a Patti Boyd .

Precisamente, el titulo de "Layla", parece ser que proviene de un poema persa de amor llamado "Layla y Majnum" que relata la obsesión de un hombre hacia una mujer que no le corresponde.

"Layla" es uno de los temas mas emocionantes y potentes escritos por Clapton, y una de las mejores canciones de la historia del Rock, tocada y cantada con mucho sentimiento, casi con rabia, y con un precioso epílogo final en donde predomina la parte de piano escrita por Jim Gordon, y con un espectacular “diálogo de Guitarras” entre Clapton y el Slide de Duanne Allman.

La contundente base rítmica de este disco es excelente, y perfecta para los temas del disco, R&B y Blues-Rock, del bueno, un espectáculo lleno de canciones potentes: “Why Does Love Got To Be So sad”, “Key to The Highway”, “Bell Botton Blues”, medios tiempos como “I Looked away”, la fabulosa canción que abre el disco, y blues como “Have You Ever Loved a Woman”, o “Nobody Knows You When You´re Down & Out”, o versiones de baladas rockeras como “It´s Too Late” o el “Little Wing”, de Jimi Hendrix”.

Después de este disco, The Dominos se volverían a juntar para grabar un segundo álbum, pero no pudieron completarlo, ya que los problemas de salud (y adicción) de Eric Clapton se agudizaron e hicieron que se retirase de la música, hundiéndose en su adicción a la heroína, de la que saldría dos años después gracias a la ayuda de amigos y a la electro- acupuntura.

En ese tiempo, lamentablemente, tiene lugar el accidente de moto en el que pierde la vida Duanne Allman, el 29 de octubre de 1971.

THE PIPETTES. “We are The Pipettes” (2006, Memphis Industries/ Sinnamon Records)

Una de las grandes sorpresas musicales del año me ha llegado con este disco.

Ya me habían dicho que a mí, que me chifla el sonido Spector y los grupos de chicas de los 50 y 60 tipo Shirelles, Crystals , Shangri-Las o Ronettes, el disco me iba a encantar.

Y así es, no puedo parar de escucharlo, tres chicas de Brighton con vestidos retro y que hacen canciones más o menos actualizadas, pero en la línea de los grupos de chicas de los años 50 y 60, y con gotas de la New Wave de los 80, en especial por los teclados, o con un toque del sonido de Abba en las melodías a algunos arreglos.

Pop retro, chicle, con armonías y coros de la época "Spector" o "Motown", una producción cuidada, con arreglos muy a lo Wall of Sound; nada nuevo, pero que, a la vez, no suena antiguo.

Canciones que tienen el encanto de ese sonido, pero que suenan frescas, divertidas y melódicas,
Como "July" o "Why Did You Stay", “Pull Shapes”, “One Night Stand” , “Your Kisses Are Wasted On Me”, “Because is not Love”, ...

En fin, canciones pegadizas, positivas, muy encantadoras y agradables de escuchar, divertidas, bien hechas y bien producidas, que, a pesar de ser un “Remake” del sonido de los “Girl Groups”, suenan originales. Tal vez porque no hay demasiados grupos “revivalistas” de esta época.

Hay quien dice que no son más que un hype, puede ser, el tiempo lo dirá. Y tampoco es que importe demasiado, de lo que se trata es de disfrutar con las canciones, las melodías, los coros, los arreglos, ...

En fin, que tampoco anda el panorama musical popero sobrado de buenos discos como para ponerse a cuestionar a un grupo que, al fin, le pone un poco de gusto y de gracia. Aunque tampoco es que vaya a pasar a la historia, ni creo que lo pretenda. Pero el disco tiene muchísimo encanto.

Muy aconsejable darle una oportunidad a este disco. Al menos te harán sonreir.

THE TRAVELLING WILBURYS .”Volume 1” (1988, Warner Bros)

José Luis Schenone en su biografía de Jeff Lynne y la E.L.O., “Más luz para la Orquesta”, cuenta la historia que, más o menos y con otras palabras, voy a resumir:

A finales de 1987 se publica el anuncio de que un nuevo grupo, los Travelling Wilburys editarían su primer disco con el sello WB, y se dan a conocer los componentes del grupo: Charlie T. Jnr, Lefty, Nelson, Lucky y Otis Wilbury.

¿Por qué se daba tanta promoción a un disco debut de cinco guitarristas vagabundos y desconocidos?. Algo les habrían visto, claro.

El anunciado disco se edita en 1988 con el nombre de “Vol. 1” y es entonces cuando nos encontramos con la sorpresa: La cosa tenía truco, estos tales “Travelling Wilburys”, eran: Tom Petty, Roy Orbison, George Harrison, Bob Dylan y Jeff Lynne.

La idea de reunir a estos “monstruos” surgió cuando George Harrison y Jeff Lynne (El líder y cantante de la E.L.O., entonces su productor) estaban dándole vueltas a hacer algo original para la cara B de un single, y crearon una historia sobre una banda compuesta por amigos, músicos trotamundos, de larga trayectoria musical y personal.

Decidieron llevar esa historia a la práctica, convocando a sus amigos. El primero fue Bob Dylan, que se unió a la idea, más tarde se juntaron y empezaron a pensar nombres para completar lo que sería un nuevo grupo. Alguien hablo de Tom Petty que, una vez consultado, se sumo a la reunión.

En último lugar se pensó en Roy Orbison, como miembro “Wilbury” de mayor edad.
Bob Dylan se encargó de llamarlo, la respuesta fue favorable y se dio luz verde al proyecto “Travelling Wilburys”.

Sólo que, se lo pasaron tan bien, que en vez de una cara B de un single , se atrevieron con un LP entero.

Dicho LP salía a las tiendas el 25 de octubre de 1988, con producción principal del líder de la ELO y es un disco muy agradable, lleno de buenas vibraciones, que intentaba recoger los sonidos del rock'n'roll clásico y del Rockabilly de finales de los 50, con toques country y pop, y actualizados con el sonido ochentero proporcionado por los tradicionales (e inconfundibles) arreglos de Lynne.

Este LP, que alcanzó un doble platino, presenta una serie de canciones muy, pero que muy aprovechables, donde cada uno de los músicos se turna en el protagonismo, o directamente se comparte, como "Congratulations", la maravillosa canción "Handle with care", donde destacan las voces de Roy Orbison y George Harrison y, que iba a ser esa cara B que se planeaba, pero terminó siendo la cara A del primer single de los Travelling Wilburys, "Heading for the light" (una canción que suena a la E.L.O. por todas partes), "End of the line" o "Not alone anymore" (fantástica canción, cantada, como no, por Roy Orbison, y con muy buenos coros a cargo de los demás Wilburys), “Rattled”, entre otras canciones, siempre divertidas, frescas y con una complicidad y un buen humor contagioso.

Los Wilburys, además de grandes músicos, eran amigos divirtiéndose, en un disco sin otras pretensiones y eso se nota; todos los temas son escritos por Traveling Wilburys, sin guerra de egos ni de liderazgos, sólo amistad, diversión y buen clima, es más, en ninguna parte aparecen los nombres originales (aunque sí la fotografía, cosa más que suficiente).

Un disco divertido, agradable, bien tocado (además de estos cinco genios, participan músicos de estudio de la talla de Jim Keltner), bien cantado, bien producido, ...

Irrepetible, además, ya que al año siguiente fallecería Roy Orbison y, aunque los Wilburys continuaron sacando otro buen disco, y dando algún concierto, ya nunca volvería a ser igual.

Una verdadera joya que merece la pena recuperar y disfrutar de vez en cuando.

HOODOO GURUS. ”Electric Soup. The Singles Collection” (1992, RCA)

Gran recopilatorio para introducirse en la música de este grupazo australiano formado en 1981 en Sydney, liderados por Dave Faulkner, un cantante de una voz inconfundible, que hace una música muy personal, diferente, muy fresca y enérgica, un ¿Power Pop garajero?, ¿Garage Power popero?.

Bueno, no sé, y tampoco es que tenga mucha importancia la etiqueta que se les ponga, lo importante son sus canciones, es uno de esos grupos inclasificables, capaces de combinar el Rock garajero y el power pop con otros sonidos, como el surf o rock salvaje y guitarrero, típicamente australiano y hacerlo con éxito, con canciones brillantes, bien construidas, y muy pegadizas.

La característica principal de su sonido y lo que los hace uno de los grupos más grandes y prestigiosos de los muchos que han salido de Australia es la combinación de unas guitarras muy poderosas y contundentes, junto con unos estribillos muy logrados.

Su discografía está llena de discos excelentes, el primero, en 1983, “Stoneage Romeos” de donde proceden canciones como “I want you back”, no menos bueno es el segundo, tal vez el mejor valorado por la crítica, “Mars needs guitars!”, que aporta a este recopilatorio grandes canciones como “Bittersweet” o "Death Defying".

“Blow your cool”, es editado en 1987, y es mi favorito, que cuenta con la colaboración de The Bangles, en singles como “What’s my scene” (una de mis canciones favoritas de todos los tiempos) y “Good times”.

En 1.989 ve la luz “Mágnum cum louder”, con grandes canciones como “Come anytime”, una canción muy pegadiza. El disco parecía que iba a arrancar, pero al final no triunfó y no pasó de escucharse en emisoras alternativas.

Su último disco de la primera época es “Kinky”, de 1991, un disco más popero, y que tiene también buenas canciones como “Miss freelove ‘69” o "A Place in The Sun".

Este recopilatorio recoge sus mejores canciones, las que salieron en formato single, hasta 1991.

A partir de aquí se tomarían un respiro, para volver ya años después, con discos cada dos o tres años, mucho más rockeros como “Crank!”, "Electric Chair", o "In Blue Cave" buenos discos, pero ya alejados del sonido Power Popero de los 80, en una línea mucho más dura, y que les trajo a España a tocar en el Festival Serie Z del año 2003.

En 2004 volvieron a sorprender con un gran disco “Mach Schau”.

Su época dorada a mí me parece imprescindible, no hay demasiados grupos que puedan presumir de tener en su repertorio canciones como “I Want You Back”, “BitterSweet” , “Another World”, “Come Anytime” o, sobre todo, “What´s my Scene” .

Si uno escucha el recopilatorio, antes o después se termina haciendo con todos los discos.

THE POGUES. ”If I Should Fall From Grace With God” (1988, Island)

No es fácil definir el estilo de The Pogues, grupo inglés pero formado por músicos de origen irlandés.

Música de taberna irlandesa, con un toque celta, un toque rockero e incluso un toque y una actitud punk.

Un grupo Folk capaz de abarcar muchos más estilos y gustar a un público de lo más diverso, incluso por personas a las que el folk y la música de raíces celtas no les gusta (público del Punk, etc).

Colaboraron con ellos, a lo largo de su carrera, desde Joe Strummer, de The Clash, hasta Elvis Costello, pasando por leyendas del Folk como The Dubliners.

Son geniales, la instrumentación (sin guitarra eléctrica), el espíritu fiestero, casi de charanga (en especial en “Fiesta”), los arreglos tradicionales, la voz, el ritmo: Muy divertidos.

The Pogues eran: Shane McGowan, cantante y lider, Jem Finer al Banjo y Saxo, James Fearnley al acordeon, el batería Andrew Ranken, el flautista Spider Stacy, el guitarrista Philip Chevron, Terry Woods (concertina) y la bajista Cait O´Riordan, que abandona para unirse a Elvis Costello después de que Costello les produjese el excelente disco “Rum, Sodomy & The Lash” (y alguna alusión poco amistosa a esto, que para los Pogues era una traición, se hace en la canción “fiesta”), y es sustituida por Terry Woods.

Después de hacer un par de discos bastante buenos, les llegó el reconocimiento del público con este “If i Should Fall From Grace With God”, que es, para mí, su mejor disco.

Canciones como la que da titulo al disco, “Fiesta”, “Fairytale of New York”, “Lullaby of London”, “Bottle of Smoke”... algunas de las cuales se hicieron bastante famosas, ya se pueden considerar clásicos.

El grupo tenía además un sensacional y divertidísimo directo.

ALGUNAS JOYAS DE LOS 60 (2)

Bueno, pues continuamos con el segundo capítulo de las joyas sesenteras.

Salt Water Taffy. “Finders Keepers”.

Entre esos muchos grupos americanos de “Bubble Gum”, de esos prácticamente desconocidos y que dejaron sólo un disco, estaban estos Salt Water Taffy. Que editaron su único LP, “Finders Keepers”, en 1968, lleno de canciones de ese estilo, un disco muy de la época, nada especial en principio, pero entre las que destaca muchísimo esta canción, la que da título al LP, con unos arreglos muy trabajados (de viento, especialmente) y, sobre todo, el ritmo, la melodía y las voces. Una gran canción, y de mis canciones favoritas dentro del estilo “chicle”.

The Archies. “Bicycles, Roller Skates & You”.

Una de las mejores canciones de este grupo de dibujos animados, protagonista de una serie de TV de éxito, ideado por Don Kischner (El mismo que se inventó a los Monkees). Bajo estos dibujos se escondían músicos como Ellie Greenwich, Jeff Barry, Andy Kim, Jeannie Thomas, Toni Wine o Ron Dante, que era el cantante principal, y su música entraba dentro del estilo “Bubble Gum” que se llevaba en la época. Canciones frescas, pegadizas y sin demasiadas pretensiones.

Esta canción, apareció en el segundo disco de The Archies, “Everything´s Archie”, de 1969.

The Mindbenders. “Groovy Kind of Love”.

Primer single de este grupo de Manchester una vez que Wayne Fontana abandona la formación, y con Eric Stewart como cantante, que alcanzó el nº 2 de las listas en 1966. Su mayor éxito en esta etapa.

Esta bonita canción se debe a Carole Bayer y Toni Wine, y es una balada con unos arreglos muy buenos, sobre todo los de voces, y que, años después, sería de nuevo un éxito de la mano de Phill Collins, aunque convertida en una balada convencional, bastante sosa.


The Tremeloes. “Silence is Golden”.

Esta versión del grupo británico de beat (de la ciudad de Essex) The Tremeloes, de la canción de The Four Seasons, alcanzó el número 1 en abril de 1967.

En ella demuestran la especialidad de la casa, las armonías vocales, en una canción de amor sin complicaciones, con una melodía muy bonita y que, para mi gusto, mejora al original.


The Hollies. “He Ain´t Heavy, he´s my brother”.

Esta balada muy emotiva, compuesta por Neil Diamond, fue llevada por los Hollies (el fabuloso grupo de Manchester, ya sin Graham Nash) al tercer puesto de las listas en 1969.
Como curiosidad, contó con la participación de Elton John (que era un prestigioso músico de sesión por aquel entonces) al piano.
La ausencia de Nash no impide que las armonías a tres voces características del grupo, sigan teniendo un gran protagonismo, y siguen siendo excepcionales.

Hay también una versión muy bonita, acappella, de esta canción, que hicieron The Housemartins.

GEORGIA SATELLITES. ”Georgia Satellites” (1986, Elektra)

Es curioso lo que me pasó con este grupo, ya que lo descubrí en una entrevista a Joey Ramone en la revista RDL, por el año 1988, o así, dónde decía que era uno de los grupos que más le gustaban en ese momento, que había pensado en producirlos, y tal.

Lo que si hizo fue apadrinarlos, ir a sus conciertos e incluso subir a cantar con ellos.

Al leerlo, me entró la curiosidad y me hice con este disco, que aunque no tenga demasiado que ver con la música de Ramones, aunque sí cierto parecido con las pintas (Camiseta, vaqueros, All Star, ...) sí es cierto que me encantó.

Me pareció un Rock and Roll con toques sureños, aunque difícil de encasillar, muy divertido y cañero, que sonaba al rock and roll clásico, o al típico sonido de “club”, de los Faces, Humble Pie o de los mismísimos Rolling Stones, aunque con un sonido más duro y potente. Una auténtica fiesta.

Además, tuvieron la suerte de que una de sus canciones, “Keep Your Hands To Yourself”, sonara mucho en la MTV, lo que llevó al grupo al número dos de ventas, y a un disco de platino, algo realmente insólito para una banda de rock sureño. Este éxito nunca se volvería a repetir, desgraciadamente.

Este disco, para mí, es un clásico, no le veo desperdicio, todas las canciones me gustan, un rock sureño de sonido fresco, alegre, directo, divertido y muy rockero, sin perderse en punteos superfluos ni en virtuosismos, con canciones como “The Myth of Love” (sobre todo), “Keep Your Hands to Yourself”, “Can´t Stand The Pain”, “Red Light”, ...: Diversión, energía, sencillez... todo lo que se pide a una banda de Rock And Roll.

Por desgracia, Ya que sus dos discos siguientes continuaban en la misma línea y también son muy recomendables, en 1991, Georgia Satellites se disolvieron.

Su cantante y guitarrista Dan Baird ha publicado varios discos en solitario o con su banda, The Yayhoos, mientras que el otro guitarrista, Rich Richards se incorporó a la banda de Izzy Stradlin, los Ju Ju Hounds, en el excelente primer disco, y luego le perdí la pista hasta la reunión del grupo para dar unos conciertos en Atlanta en 2003.

Dan Baird reunió a parte del grupo con el nombre de “The Heart of The Georgia Satellites” y, poco después, volvió a reunirse como Georgia Satellites, para dar algunos conciertos, entre ellos el que ofrecieron en España en el festival Serie Z, en el año 2003.

BOB DYLAN .”Blonde on Blonde” (1966, Columbia)

Este maravilloso disco, uno de los primeros discos dobles de la historia del rock (Se dice que el primero) es la obra maestra del gran Bob Dylan (lo que, para mí, es mucho decir, ... vaya, muchísimo decir).

Para empezar, el disco contó, para su grabación, con una serie de magníficos músicos, empezando por parte de lo que sería The Band, (Robbie Robertson, Rick Danko y Garth Hudson) y otros músicos de primer nivel como Al Kooper, Charlie McCoy o Wayne Moss. Con los que grabó en Nashville 14 canciones.

Se trata de un disco muy variado, que recoge prácticamente todos los estilos que Dylan venía tocando, especialmente en sus dos discos anteriores; el folk, el pop, el blues, el rock... como base para sus letras, en este disco, en general, muy inspiradas, y que, para aquellos que ven en Dylan sólo un “cantautor político”, hay que aclarar que la práctica totalidad de las letras hablan de amor.

Además de la broma “Rainy Day Women Nºs 12 & 35”, con arreglos de metal, en el disco nos podemos encontrar con temas de blues o R&B, como "Leopard-skin pill-box hat", "Pledging My Time" o "Temporary like Achilles", otras canciones son más melódicas, casi poperas, como la preciosidad llamada "I want you" o, con toques más Folks, como en otra gran canción “4th Time Around”.

Y el Folk, la especialidad de la casa, especialmente en aquella época, electrificado y mezclado con Rock, sigue siendo el estilo de la mayor parte del disco, en obras de arte como “Just Like a Woman”( una maravilla de canción, tremendamente romántica), “Absolutely Sweet Mary”, "Stuck inside of mobile with the Memphis blues again", “Sad Eyes Lady of The Lowlands” (una canción que ocupa toda la última cara, sin hacerse larga), o la espectacular canción “Visions of Johanna”, para mi gusto la mejor canción del disco, una de las mejores de Bob Dylan, y una de mis canciones favoritas de todos los tiempos.

En su momento, y durante las giras de esta época, Dylan y su banda soportaron todo tipo de improperios, broncas, silbidos, insultos; pero hoy, Bob Dylan sigue siendo uno de los personajes musicales más admirados e influyentes de todos los tiempos. Estaba cambiando su sonido y el de todo el Folk y el Rock de la época, y el que vendría después.

Yo soy también de los que creo que con discos como este, desde luego, son con los que cambió la historia del Rock, puede gustar o no, pero lo que no se le puede negar es su influencia.

En todo caso, para mí, esta es una de las varias obras maestras imprescindibles que ha publicado este genial compositor, letrista y músico.

ALGUNAS JOYAS DE LOS 60 (1)

Voy a empezar hoy una serie dedicada a las “joyas” de los 60.

Entran aquí unas recomendaciones de canciones de la época que a mí me parecen “redondas”, casi perfectas.

Unas cuantas canciones que me parecen imprescindibles, tal vez la mayoría muy conocidas, otras no tanto. Pero que, en todo caso, son mis favoritas de los 60.

Melodías, coros, arreglos, cada una de ellas tiene, para mi gusto, ese “algo” que convierte a una canción en clásico, en inmortal, esa “magia” que hace que no puedas dejar de escucharlas, que siempre les descubras cosas nuevas, a pesar de haber estado ahí toda la vida.

En esta década hay muchísimas canciones que pueden entrar en esta “selección”.
Por algunas hay que empezar: Espero que os gusten.

The Kinks. "Shangri-La".

Ray Davies es, para mi gusto, uno de los compositores con mayor talento de toda la historia de la música pop.
Esta maravilla se encuentra en el disco “Arthur or the Decline and Fall of The British Empire”, de 1969, disco conceptual centrado en las costumbres y actitudes ante la vida del ciudadano medio británico, simbolizadas por una persona llamada “Arthur”. Un proyecto para lo que iba a ser una serie de TV, que nunca se llegó a realizar.

Esta es mi canción favorita de los Kinks, lo que es mucho decir. Los arreglos son fabulosos, la melodía, los cambios de ritmo, que alternan momentos más tranquilos, nostálgicos, con otros llenos de fuerza, y con una letra bastante ácida.

The Rolling Stones. "Ruby Tuesday".

Del disco “Between The Buttons”, de 1967, un disco muy sorprendente, porque cambia bastante el estilo que hasta entonces venían tocando los Rolling Stones, aproximándose mucho más a lo que hacían grupos como Beatles o Kinks. Un disco muy pop, muy melódico, próximo a la psicodelia que tanto pegaba por entonces, muy bueno. Un disco que, en su día, no fue muy bien entendido, pero que hoy ya se valora en lo que vale.

Aquí nos encontramos en plena forma a Brian Jones, un multi-instrumentista de un talento impresionante, un tipo capaz de tocar casi cualquier tipo de instrumento conocido o por conocer, y hacerlo sonar bien.

Esta canción es una canción de esas de pop con mayúsculas, con una melodía fantástica, y unos arreglos muy trabajados. Los Rolling Stones demostraron que también sabían hacer pop a la altura de los mejores.

The Byrds. "Here Without You".

Aparecida en el fabuloso primer disco de The Byrds, “Mr. Tambourine Man” de 1965, “Here Without you” es obra de otro de los grandes compositores de la época y del pop de todos los tiempos: Gene Clark.

Esta joya es una balada- medio tiempo, de tono melancólico, con una melodía muy bonita, con la clásica mezcla de pop y folk, marca de la casa, y el adorno del sonido, especial y único, de la guitarra de 12 cuerdas de Roger McGuinn, y claro está, las extraordinarias armonías vocales de todo el grupo, destacando la voz de David Crosby.

The Turtles. "Happy Together".

Una de las joyas, la más conocida, del gran disco, del mismo título, publicado por los Turtles en 1967.

Esta canción es la que lleva al grupo a la fama y al número 1.

Realmente pegadiza, con esa mezcla de pop y folk influencia de The Byrds, con un estribillo muy bonito, con unos coros excelentes, y una interpretación, sobre todo en las voces, fabulosa. De las mejores canciones de todos los tiempos, sin duda alguna.

The Searchers. "Needles & Pins".

Otro número uno, este de los Searchers, obtenido en Enero de 1964, con esta gran canción, compuesta por Bono/Niestsze, y que había grabado con anterioridad Jackie DeShannon.

La magnífica interpretación que hacen los Searchers de esta canción se convirtió en el segundo número 1 de este fenomenal grupo, que en esa época era de los pocos que podía competir con los mismísimos Beatles, y que muestra su sonido (adelantado a su tiempo) de guitarras que después se haría con guitarras de doce cuerdas, característico de los Byrds, que reconocen esta influencia.

Esta canción ha sido versionada por muchos grupos, destacando, como no, la gran versión que harían los Ramones en el LP “Road to Ruin”.

VAN MORRISON. “Moondance” (1970, Warner Bros)

Desde sus comienzos, a mediados de los 60 con Them (un sensacional grupo de R&B) y posteriomente en solitario, hasta hoy, Van Morrison se ha dedicado a la sana tarea de publicar discos buenísimos, consiguiendo un sonido propio e inconfundible, a lo que contribuye su maravillosa voz. No tiene ni un solo disco malo.

Además de su voz, Van Morrison es un músico espectacular, un multiinstrumentista, compositor y arreglista capaz de tocar soul o ryhthm & blues, e incluso country o música folk y tradicional de su país, Irlanda.

Lógicamente, y dentro de un nivel altísimo, algunos de sus discos destacan sobre los demás, y en este, Moondance, el conocido como “León de Belfast” está especialmente inspirado.
Es su segundo disco en Warner Brothers, y, ya en su momento, fue un gran éxito, llegando al millón de copias con el single “Come Running”.

El sonido del disco, producido por él mismo, introduce sonidos de soul y de Jazz, con acompañamientos de viento, piano, y hasta con coros femeninos, que le dan un toque gospel: un sonido elegante y tranquilo, como base para su espectacular voz y su forma de cantar, magnética, apasionada y potente.

El resultado: Un disco muy bonito, con un toque de Swing, muy romántico, con canciones preciosas como “Into The Mystic”, “Moondance”, “And it Stoned Me”, “Crazy Love”,... que suena mejor cada vez que uno lo escucha, que engancha y que, para mí, es sin duda uno de los mejores discos de todos los tiempos, de un músico absolutamente imprescindible.