KISS. “Destroyer”. (1976, Casablanca)

Kiss es un grupo que va mucho más allá de lo estrictamente musical, todo un fenómeno social y estético, con un sonido que mezcla el hard rock con el glam, con influencias como New York Dolls, Rolling Stones, Alice Cooper, T. Rex, Slade, Black Sabbath, y unos espectaculares conciertos repletos de efectos especiales, de una puesta en escena teatral, extravagante y una estética muy llamativa, con influencia del cómic de superhéroes y del glam-rock, que ha resultado tan importante o más que su música a la hora de convertirlos en superestrellas.

Todo el mundo conoce a los Kiss por sus maquillajes, con los que, como si de superhéroes se tratase, adoptaron diferentes "Identidades": Paul Stanley era "Star Lover", Gene Simmons el "Demon Lizard", Ace Frehley "Space Ace" y Peter Criss "Cat Man".

Pero Kiss no es sólo teatro, pirotecnia y maquillaje, es un buen grupo de Hard Rock. Para mi gusto, no bueno, muy bueno. Uno de los mejores.

Tras tres discos muy aconsejables, llenos de energía guitarrera, con riffs muy potentes, melodías muy logradas y estribillos pegadizos, y un disco en directo de 1975, “Alive!”, que los lanzó al estrellato, este cuarto disco de estudio, “Destroyer”, iba en la misma línea, aunque con una producción más cuidada, obra de Bob Ezrin, y se convertiría en todo un bombazo comercial, con baladas como "Beth", y las clásicas canciones de Hard Rock con toques glam,“marca de la casa” que en este disco son especialmente brillantes, como "Shout it out loud", "Detroit Rock City", "God of thunder", "Do you love me" o "King of the night time world", , y lanzaron al grupo definitivamente al lugar que, todavía hoy, ocupan como superestrellas del rock.

Este superestrellato, así como su estética peculiar, ha sido aprovechado como nadie por Kiss: merchandising por todas partes, comics, muñecos, tazas, sábanas, disfraces, camisetas, todo tipo de productos de lo más variado. Ha terminado representando todo lo que el Rock tiene de negocio.

Pero, independientemente de toda esa parafernalia o, al menos, detrás de ella, hay muy buenas canciones, y este disco es una prueba de ello.

Merece mucho la pena, es uno de mis discos favoritos, y para aquellos que quieran iniciarse en el sonido de Kiss (cosa que yo aconsejo), "Destroyer" es de escucha obligatoria.

Y si, además, se puede uno hacer con algún concierto en vídeo de la época, muchísimo mejor, el grupo gana mucho si se ve uno de sus espectaculares conciertos.

T-REX .”Electric Warrior” (1971, Reprise)

El glam-rock fue un movimiento que, aunque tuvo una vida corta, gozó de gran popularidad y éxito, surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70.

El inicio de este movimiento, musical y estético, se le debe a Marc Bolan, gran cantante y músico, y compositor genial, original e innovador, que inicia este movimiento con su formación T-Rex.

A este movimiento se irían uniendo artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter, o los mismos Queen de sus inicios, y saltaría a los Estados Unidos, con cantantes como el Lou Reed de "Transformer", o Iggy Pop, o con grupos como Kiss o los New York Dolls. Y sería una gran influencia en movimientos como el Punk o la Nueva Ola y hasta el Sleazy de Los Ángeles, de los años 80.

Aparte de lo musical, una mezcla de la fuerza del Rock and Roll clásico, riffs de guitarras potentes y la frescura y la melodía del pop, casi cercana al Bubble Gum, especialmente por los estribillos pegadizos, llamaba la atención la estética, con extravagantes y vistosas vestimentas, calzado y maquillajes.

Nacido en Hackney, Londres, en 1947, Mark Feld se rebautizaría a como Marc Bolan, en homenaje al que era su ídolo, BOb DyLAN.

Inicialmente, formó un dúo Folk, Tyrannosaurus Rex, junto al percusionista Steve "Peregrine" Took, que tuvo cierto seguimiento dentro del movimiento intelectual y underground londinense, con sus enigmáticas melodías acústicas y letras basadas en la mitología medieval y en “El Señor de los Anillos” .

Took abandona, llega un nuevo percusionista, Mickey Finn, y deciden cambiar el estilo, empezando por recortar el nombre a T-Rex.

Ya en los 70, y gracias a sus espectaculares apariciones televisivas, vestido de manera llamativa y provocadora, Marc Bolan se convierte en un icono juvenil.

Nace la estética glam: Botas de plataforma, chaquetas de leopardo, hombreras, sombreros de copa, boas de plumas en el cuello, brillantina en el pelo y maquillaje, ambigüedad sexual y cierto “histrionismo” y sobre actuación.

En 1971 se publica "Electric Warrior", posiblemente, el primer disco de “Glam Rock”, aunque el disco es tan bueno y tan innovador que escapa a cualquier etiqueta.

Un disco con canciones como "Mambo Sun", "Cosmic Dancer", su número 1 en UK, y canción más conocida "Get it on", baladas como "Girl", grandes coros como en "Monolith", o maravillas como "Life's a gas".

Además de las canciones, la voz de Bolan, los coros, muy buenos, a cargo de Howard Kaylan y Mark Volman, (más conocidos como Flo & Eddie) excomponentes del grupo The Turtles, y la brillante producción (de Toni Visconti) con extraños e innovadores arreglos, nada recargados, sintetizadores, cuerdas, guitarras “cósmicas”, riffs muy efectivos, hacen de este disco una obra maestra.

Posteriormente, y tras unos buenos discos, pero cada vez con menos repercusión, T-Rex se separan y Marc Bolan, con escaso éxito en solitario, desaparece del mapa en 1974.

Con la explosión del punk la figura de Marc Bolan parecía que se iba a rescatar: realizó un programa de televisión "Marc", que estaba teniendo éxito, y firmó de un contrato discográfico con la RCA para grabar su siguiente LP, que nunca se grabó debido a la fatalidad: Un accidente de automóvil, que iba conducido por su pareja, la cantante Gloria Jones (compositora del famoso tema “Tainted Love”, número uno en versión de Softcell) le causó su muerte el 16 de septiembre de 1977, con 30 años de edad.

Disco (y grupo) muy, pero que muy recomendables.

THE BYRDS. “Mr. Tambourine Man”. (1965, Columbia)

El fabuloso primer LP del que es, para mi gusto, uno de los mejores grupos de la historia.

Un grupo tremendamente creativo, siempre buscando nuevos sonidos. Cosa que, a lo largo de su carrera, les convertiría en pioneros de muchos estilos musicales, ayudando a crear el Folk Rock, el Country Rock, la psicodelia, ...

En este disco, mezclaban el pop británico de estilo beat y el folk, los Beatles o los Searchers con Bob Dylan o Pete Seeger, pero con un sonido propio y original, totalmente novedoso en su época, que les convirtió en uno de los grupos más influyentes de todos los tiempos, siendo una influencia, reconocida por grandes como Bob Dylan (A quien los Byrds admiraban especialmente, y los que mejor han cantado sus canciones) o los Beatles en Rubber Soul.

Como en la mayoría de los grupos de la época, en el disco hay muchas versiones, pero pasadas por su característico estilo, que las hacía propias: el inconfundible sonido de la Rickenbacker 360 de 12 cuerdas de McGuinn (Guitarra a la que Tom Petty dedicó la canción “American Girl”) y las maravillosas y características voces y armonías del grupo.

Especialmente la versión de "Mr. Tambourine Man" (que llegó al número 1) sorprendería y encantaría al propio Dylan, que vio las posibilidades que se le abrían a su sonido y terminó adoptando la electricidad, con el famoso escándalo que le siguió, al no ser entendido por sus seguidores más folks, que le acusaron de comercial y de traidor.

Además de otras versiones de Bob Dylan (“All i Really Want to do”, Chimes of freedom”) , hay también de Pete Seeger (“The Bells of Ryhmney”) o de Jackie DeShannon (“Don´t Doubt Yourself”).

Las canciones propias de los Byrds en este disco, buenísimas canciones como "I'll feel a whole lot better"o "Here without you", que ya ha aparecido por aquí en el apartado de joyas sesenteras se deben en su mayor parte a Gene Clark, un compositor con muchísimo talento para las melodías.

El disco es una maravilla de principio a fin, para mi gusto, uno de los mejores discos de los Byrds (y, por tanto, uno de los mejores discos de todos los tiempos), lleno de grandes melodías, grandes voces, coros, armonías, y ese sonido de guitarra que lo envuelve todo de una forma tan inconfundible. Una obra maestra.

Hay, además, una reedición cuidadísima en CD, de "Legacy", con muchos extras y una presentación muy buena.

CHUCK BERRY . “Best of Chuck Berry: The Great Twenty-Eight.” (1990, MCA)

Charles Edward Anderson Berry, conocido por todo el mundo como Chuck Berry, uno de los pioneros del Rock and Roll, nacido en St. Louis, Missouri, ha cumplido hoy 80 años.

Sus canciones, su estilo y su manera de tocar la guitarra y bailar, con el famoso “Duckwalk”, el andar de pato, ha sido imitado por muchos músicos, el que más ha reconocido esa influencia es Angus Young, de AC/DC, gran admirador, como Keith Richards o como John Lennon, a quien se le atribuye la famosa frase (que se cuenta en la película biográfica Hail Hail Rock and Roll!) “si alguna vez se piensa en cambiarle nombre al Rock and roll, se le debería poner Chuck Berry”.

De los miles de recopilatorios que hay de Chuck Berry, he escogido éste, por que está considerada la mejor recopilación de Chuck Berry aparecida en disco sencillo.

El sonido y la selección de canciones es excelente, contiene todas las canciones de este genio que no hay que perderse de ninguna manera. Los clásicos entre los clásicos: Johnny B. Goode, School Days, Around and Around, Little Queenie, Rock and Roll Music, You Never Can Tell, No Particular Place to Go, Sweet Little Sixteen, Maybelline, Roll Over Beethoven ...

Vamos, la idea con los recopilatorios es llamar la atención sobre un clásico del rock, y recomendar hacerse con un buen recopilatorio. En este caso yo creo que es inmejorable, que como introducción y para tener lo imprescindible, nada como éste.

De Chuck Berry y de su música se podría decir muchas cosas, aparte de su característica forma de tocar la guitarra, dicen (los que entienden de guitarra eléctrica) que introduciendo la forma característica de tocar la guitarra del Country & Western, adaptándola a una base R&B y rocandrolera, y su maravillosa facilidad para componer riffs, su sentido del ritmo, su voz, y mil cosas más, pero por encima de todo están sus canciones, puro Rock and Roll.

Johnny B. Goode, su canción más famosa, probablemente sea la cancion mas versionada de todos los tiempos, y en los conciertos del grupo madrileño Burning, el fallecido Pepe Risi siempre decía, antes de atacar este clásico al final del concierto: “Una fiesta no es una fiesta si no termina con Johnny B.Goode”.

Con este recopilatorio, empieza sonando para celebrar el cumpleaños de este gran genio del Rock.

SAM COOKE. “The man & His Music” (1986, RCA)

Una mañana, Times Square, en Nueva York, amaneció con una inmensa pancarta publicitaria, donde se leía la siguiente pregunta: "¿Quién es el Cocinero más grande de la ciudad?" ("Who's the biggest Cook in Town?").

Unos dias después, el cartel se cambió por otro, todavía más grande, con una gran fotografía, y un nuevo mensaje que decía: "Sam es el Cooke más grande de la ciudad" ("Sam's the biggest Cooke in town.").

El agente de Sam Cooke, declaró entonces a New York Times: "En resumen, Sam está molesto porque todavía no ha triunfado en la noche de Nueva York y quiere que la gente sepa que está aquí"

Además de este carácter “insolente”, Sam Cooke es, para mi gusto, uno de los mejores cantantes que han existido.

Además de tener una voz excepcional, fuerte y a la vez melódica, sabía controlarla y utilizarla a la perfección, jugar con su voz como si fuera un instrumento. Además, su estilo es muy personal, con canciones "Soul", pero muy melódicas y próximas al pop.

Sam Cooke, es uno de los grandes clásicos del soul, y este recopilatorio es de los mejores y más completos. Ideal para introducirse en la música de este fenómeno: Un clásico.

Sus grandes éxitos comenzaron en 1957, año en que grabó “You send me” que se convirtió en su primer gran éxito, y a partir de ahí, hasta el 65 llego a encadenar 29 top 40 en las listas de pop americanas y 34 en las listas de R&B.

Todo un fenómeno, con un final trágico, cuando, en 1965, fue asesinado a balazos en la habitación de un hotel por una admiradora despechada.

Este recopilatorio recoge 28 de las mejores canciones de este grande, desde su primer gran éxito “You Send Me”, pasando por sus clásicos “Wonderful World”, “Bring it on Home to Me”, “Cupid”, “Only Sixteen”, “Another Saturday Night”, “Twinstin´The Night Away” o “Chain Gang”.

Un gran recopilatorio, imprescindible.

ELVIS PRESLEY. 68´ Comeback Special (Especial Televisivo, NBC)

Aunque fue grabado en junio, este especial se emitió el 3 de Diciembre de 1968 en la NBC, con el nombre de “Elvis”, pero ha pasado a la historia con el nombre de "`68 Comeback Special" .

Y fue un extraordinario y sorprendente éxito de crítica y de público.

Era la primera actuación con público en vivo que Elvis realizaba desde 1961, y significó la recuperación de Elvis Presley como número 1 y rey del rock.

En la década de los 60, Elvis se dedicó más bien a la grabación de películas, y sus discos eran las bandas sonoras.

Tras 29 Películas y cincuenta discos de oro, en 1967 parecía que el fenómeno Elvis Presley llegaba a su fin. En Hollywood se le consideraba como una broma de otra época.

No sólo los ejecutivos de los estudios se reían de sus películas, ni siquiera gustaban a sus fans. Los ingresos comenzaron a descender.

Elvis no sabía hasta qué punto había sido olvidado por el público, y, consciente de ello, el productor y director del espectáculo, Steve Binder, le sugirió que fueran a una esquina de Sunset Boulevard para ver cómo reaccionaba la gente. Elvis aceptó pensando que sería un baño de multitudes. Casi nadie le reconoció. Para Elvis fue terrible.

Así que se empleó a fondo en este programa, que algunos consideran la mejor actuación de la carrera de Elvis, y fue algo así como una vuelta de Elvis a sus orígenes, empezando por los músicos: Scotty Moore y D.J. Fontana, sus músicos del principio, e incorporando a Charlie Hodge, y Alan Fortas.

En aquel concierto, donde Elvis aparece vestido de cuero negro, con una guitarra, sobre un pequeño escenario Elvis despliega todo su carisma, fuerza y magnetismo, todo aquello que le había convertido en la estrella más famosa del rock and roll de toda la historia, y volviendo a sus raíces rockeras, blues y gospel. Demostrando que todavía era un magnífico intérprete de directo.

Tras una parte introductoria, con las famosas “poses” con su traje totalmente de cuero y su guitarra, el especial se compone de dos partes, el espectacular y famosísimo concierto en el que Elvis aparece mitad del concierto sentado, junto a sus músicos, sólo con guitarras, en lo que parece un antecedente de los ahora famosísimos unplugged, y mitad de pié interpretando sus mayores éxitos, y otra serie de canciones , ya con diferentes trajes, en una serie de vídeos con coreografías especiales, y con su habitual facilidad para hacerse con el público y para llenar el escenario: El rey había vuelto.

Como final, el Rey interpreta la canción “If I Can Dream”, basado en la figura de Martín Luther King y su discurso en la marcha por los derechos civiles. Esa canción supuso la vuelta de Elvis a las ventas millonarias y al primer puesto de las listas.

Este especial, además de ser buenísimo tanto por su música- muy buenas canciones, y es increíble como cantaba este hombre- como por las imágenes, es uno de esos momentos míticos y legendarios en la historia del Rock, y que ningún aficionado al Rock and Roll se puede perder. Además hay una reciente edición “Deluxe” en DVD con muchísimos extras.

THE BEACH BOYS. “Today”. (1965, Capitol)

En 1964 comienza la llamada “Invasión Británica”, liderada por los Beatles, una serie de formaciones británicas de pop que arrasó en las listas de éxito, lo que ponía en peligro la supremacía que tenían hasta entonces grupos como Beach Boys en los EEUU.

Esto preocupó mucho a Brian Wilson, que estaba, además, obsesionado con hacer el disco perfecto, y abandona por un tiempo las actuaciones en directo, con la idea de dar un giro a la música del grupo, siendo sustituido por Bruce Johnston y Glen Campbell, y se centra en la producción y la composición.

De ahí salen excelentes discos como "The Beach Boys Today!"

En este disco, además de la versión del clásico “Do You Wanna Dance”, con una producción muy en el estilo Phil Spector o temas propios en esa línea como “Dance, Dance, Dance”, podemos ver la transición entre lo que, hasta entonces, venía haciendo el grupo (Pop fresco y desenfadado, de temática playera) como las anteriormente citadas, o “Help Me Rhonda” (la canción “estrella” de este disco, número 1 en las listas como single, aunque la versión del disco es bastante menos comercial), y el pop más elaborado, más barroco, que haría Brian Wilson a partir de entonces, como en “When i Grow up”, o la cara B del disco, balada tras balada a cual más “elaborada”, con arreglos espectaculares y un cuidadísimo trabajo de producción, además de las voces marca de la casa, como las preciosidades "Please Let Me Wonder" y "She Knows Me Too Well".

En fin, un disco que empieza a cuidar muchísimo la producción, que ya está pensado como un todo, como disco LP en sí mismo y no una sucesión de "singles" sin conexión, que se va acercando a sonidos barrocos o “Sunshine Pop”, en busca de la melodía perfecta, sin dejar de tener la frescura de sus anteriores canciones.

Un gran disco, uno de los mejores de este gran grupo.

DAVE EDMUNDS BAND. ”I Hear You Rockin`” (1987, Columbia)

Tremendo disco en directo de Dave Edmunds y su banda, y una forma muy buena de introducirse en la música de este genial músico, productor, compositor, guitarrista y cantante.

Dave Edmunds es un rockero de raices que nació en Cardiff, Gales, y que creció escuchando rock'n'roll, asi como blues y country.

Durante los años 60 Edmunds tocó en una serie de bandas locales de blues antes de formar Love Sculpture, un trio de blues-rock psicodélico con el que alcanzó cierto éxito a finales de la década.

Más tarde formaría, junto a Nick Lowe, los fantásticos Rockpile, aunque también es muy reconocido por su labor como productor (Flaming Groovies, Stray Cats, Dion, etc).

En este disco encontramos sus mayores éxitos (Girls Talk, I Hear You Knocking) así como excelentes versiones de canciones de Elvis (Paralysed) Dion (The Wanderer) o el mismo Lowe (I Knew The Bride).

Con su estilo potente, elegante e inconfundible, entre el Rockabilly, el country y la New Wave, y acompañado por una gran banda, realiza un disco excelente, con un gran sonido.

Divertido, cañero, ... muy aconsejable.

LITTLE RICHARD. “The Essential Little Richard” (1989, Specialty)

Un buen recopilatorio de este genio me parece imprescindible.

Richard Wayne Penniman, un personaje bastante extravagante y único, un músico espectacular y un cantante lleno de fuerza y de ritmo, que revolucionó el mundo del Rock and Roll con su forma de cantar, de tocar el piano y de comportarse sobre un escenario.

“El arquitecto del rock”, como también se le ha llamado, ha sido una gran influencia para multitud de formaciones posteriores por su manera agresiva de cantar y tocar el piano, un rock and roll lleno de energía y potencia, y con influencias del R&B, Soul o Gospel.

Entre los grupos que deben mucho a Little Richard se encuentran The Beatles, The Rolling Stones, Eddie Cochran, MC5, Carl Perkins, Creedence Clearwater Revival o The Sonics, entre muchos otros.

Con 19 años, en 1955 publica su primer número 1, la canción Tutti Fruti, el primero de una larga lista de números 1: Tutti Frutti, Long Tall Sally, RipIt Up, Lucille, Jenny, Jenny, Keep a Knockin’, Good Golly Miss Molly, Ooh! My Soul,...

Todas ellas han sido objeto de versión a cargo de numerosos grupos y cantantes en todo el mundo.

Posteriormente, abandonaría la música durante cinco años, entre 1957 y 1962, para dedicarse a ser Ministro de la Iglesia Pentecostal, después de sobrevivir a un incidente al arder un motor del avión en el que viajaba, durante una gira.

Regresó en 1962 y en 1968, Little Richard ya había vendido 32 millones de discos.

En fin, con este recopilatorio, veinte canciones de las más significativas, muy bien seleccionadas y con muy buen sonido, tenemos la posibilidad de introducirnos en la obra de Little Richard. Imprescindible para entender muchos de los discos que aquí se comentan.

THE LYRES. ”Lyres, Lyres” (1986, Ace of Hearts Records)

Liderados por el “rey del farfisa”, Jeff “Mono Man” Connelly (bueno, en realidad el grupo es él, ya que cambiaba a los miembros según sus necesidades o su estado de ánimo, pasando alrededor de 40 miembros por la banda desde su creación), se formaron en Boston a finales de los 70, surgiendo de las cenizas del (estupendo) grupo de rock garajero DMZ.

The Lyres son uno de los mejores grupos de la época del revival garajero, con un toque soul y pop que no tenían otros grupos de la época, influidos por los sonidos garajeros, pero también por el pop sesentero, de grupos como los Kinks.

Practicaban un rock de garaje muy influenciado por los grupos británicos de R&B, o por los Kinks, en el que el viejo “farfisa” tiene un protagonismo absoluto.

Lyres Lyres es su tercer disco, para mi gusto el mejor, un disco muy variado, donde, además del rock garajero salvaje de canciones como “Not Looking Back”, “How Do you Know?”, “You Won´t be sad Anymore”, o versiones excelentes como “No reason to complain”, tiene también una serie de canciones lentas con un sonido claramente soul. (“If you want my love”, una versión lenta de su clásico “She Pays The Rent”, “I love Her Still, I Always Will” etc)

Un gran disco, todo un clásico del revival garajero, de la que era la banda número 1 de las muchas que poblaban la escena “punk” y “garaje” de Boston. De escucha obligatoria para cualquier fan de este tipo de sonidos.

ROCKPILE .”Seconds of Pleasure” (1980, Columbia)

A mediados de los años 70 comienzan a trabajar juntos dos excelentes músicos, compositores, productores y cantantes, el músico nuevaolero inglés Nick Lowe (como Bajista) y el guitarrista y cantante de Rock and Roll clásico y rockabilly galés Dave Edmunds , formando junto con otros dos grandes músicos, Billy Bremer (a la guitarra rítmica) y Terry Williams (a la batería) el cuarteto Rockpile.

Por razones contractuales de los dos líderes, este gran grupo no publica discos, sino que participa en los Lps que van publicando Nick Lowe y Dave Edmunds, cada uno con su propio nombre. (Entre otros, grandes discos como “Jesús of Cool” y “Labour of Lust”, de Nick Lowe, y “Tracks on Wax” o “Repeat When Necesary”, de Dave Edmunds).

Rockpile como tal únicamente publicaron un LP, este extraordinario disco, “Seconds Of Pleasure”, aparecido en octubre de 1980, un año antes de que el grupo se disolviera.

Seconds Of Pleasure es un disco maravilloso, con un estilo en la línea de lo que se conoció como pub rock, mezcla de rock and roll clásico, rockabilly y power pop nueva olero, un disco variado y fresco, muy bien ejecutado por estos cuatro grandes músicos.

Una maravilla repleta de grandes canciones, como “Teacher, Teacher” ,“Heart” (sobre todo), “Now And Always”, “When I Write The Book”, “If Sugar Was As Sweet As You” o “Fine, Fine, Fine”.

Venía, además, acompañado de un EP con cuatro versiones que Nick Lowe y Dave Edmunds realizaron de canciones de Los Everly Brothers.


Después de este disco, Nick Lowe y Dave Edmunds continuaron con sus carreras en solitario, Billy Bremner se incorporó a Los Pretenders y Terry Williams se unió a Dire Straits.

DAVID BOWIE. “The Rise & Fall of Ziggy Stardust & the Spiders from Mars” (1972, Virgin)

En 1972, año de publicación de este disco, David Bowie era ya un artista reconocido por su música y su voz, pero también por su originalidad y su estética. Todo esto está más que demostrado en este impresionante disco, y de qué forma.

En él, David Bowie se transforma en “Ziggy Stardust”, un personaje que aparece en este disco y continúa en el siguiente “Aladdin Sane” (otro excelente disco) , y en el que Bowie se convierte también en sus conciertos a lo largo de 1972 y 1973.

“Ascenso y caída de Ziggy Stardust y las Arañas de Marte” es un disco conceptual (tan habituales en los 70) que cuenta la historia de Ziggy Stardust, un extravagante y ambiguo alien que se convierte en estrella del rock, y de su grupo, The Spiders from Mars.

La historia es la siguiente: Ziggy aterriza en pleno centro de Londres (Heddon St., tal y como muestra la portada del disco) y canta su mensaje: a la Tierra tan sólo le quedan 5 años de existencia.

Su mensaje y la forma de cantarlo tiene tanto éxito que se convierte en una gran estrella del rock, junto con su grupo, The Spiders from Mars.

Sin embargo, todo se estropea, la fama se le sube a la cabeza, no es capaz de asimilar su éxito y es víctima del “estilo de vida” del Rock and Roll y, finalmente Ziggy acaba siendo asesinado por sus propios fans.

Además de la temática y la estética del personaje, el sonido del disco es realmente extraterrestre para la época, Sonidos guitarreros mezclados con extravagantes efectos de sintetizador, arreglos de cuerda y metales, junto con otras canciones interpretadas a piano, algo realmente raro y original.


David Bowie cuenta una vez más con la colaboración del excelente guitarrista Mick Ronson (un músico fundamental en el sonido “Glam Rock”), que ya tocó con el discos anteriores y que posteriormente intervendría, con el mismo David Bowie, en el disco “Transformer” de Lou Reed.

Colabora también Rick Wakeman en los teclados.

El disco es muy adictivo, sorprendente, lleno de cambios. En su época, absolutamente innovador.

Además de su sonido y de la voz de David Bowie/ Ziggy Stardust, adaptándose a cualquier tipo de canción, con la teatralidad propia del caso, no olvidemos que está representando a un personaje, que nos está contando una historia a lo largo de sus canciones, está lleno de canciones buenísimas, tiene de todo, desde canciones más duras y guitarreras, ruidosas, como “Rock and Roll Suicide”, hasta canciones algo más acústicas, pero con mucha fuerza, como la misma “Five Years”, canciones de rock clásico como “Hang on to Yourself”, y otras grandes canciones como “Starman”, “Lady Stardust”, “Ziggy Stardust”, etc. No tiene desperdicio, todas las canciones son buenísimas.

Un discazo impresionante, muy influyente en su época y, para mi gusto, uno de los mejores de todos los tiempos, que salió al mercado en junio de 1972, y que ningún aficionado al Rock se puede perder.

Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965-1968 [BOX SET] (1998, Rhino)

Editado originalmente por la discográfica “Elektra” en 1972, La “biblia” del garage sixties, la psicodelia, los sonidos punks, underground y Fuzz americanos, era un asombroso LP doble que recogía 27 canciones, la mayoría de ellas lejos de las listas de éxito, de rock americano de mediados de los sesenta, desde sonidos beat y garage-beat hasta el rock más ácido y psicodélico, todos los estilos que fue recorriendo el garage original: fuzz, folk-rock, psicodelia, etc.


Considerada la principal “responsable” de la recuperación del interés por estos sonidos, recopilaba en concreto 27 canciones seleccionadas y comentadas por Lenny Kaye, periodista y crítico de Rock, Productor y más adelante guitarrista del grupo de Patti Smith.


Además de Patti Smith, grupos como Ramones, Talking Heads o Rem se declaran fans de esta recopilación. No hay más que ver varias de las versiones que los Ramones han hecho, cuyos originales se encuentran aquí. (Little Beat of Soul, Seven and Seven is, Journey to The Center of the Mind, ...)

En 1977 fue reeditado por Sire Records y, ya en manos de Rhino, fueron editándose nuevos volúmenes a finales de los 80.


Todo lo que se diga sobre el trabajo de Rhino es poco, sus recopilatorios están hechos con verdadero espíritu de fan y con un gusto y una calidad fuera de lo común, y en este caso, la reedición del mítico Nuggets se componía de una caja con cuatro CDs que recopila, junto a los originales, varios más de los mejores grupos americanos de garage, psicodelia, northwest punk y demás.


Grupos conocidos, algunos de cierto éxito en la época (Paul Revere & The Raiders, Music Machine, The Human Beinz, The Kingsmen, The Sonics, Standells, Lollipop Shoppe, Count Five, Chocolate Watchband, Seeds, Remains, Love, etc) y grupos desconocidos (Barbarians, The Rationals, The Bees, Humane Society, The Gestures, Richard & The Young Lions, etc). En total 118 canciones impresionantes en una recopilación de escucha obligatoria para cualquier amante de los sonidos sixties.

Podemos encontrar y descubrir grandes canciones, versionadas mil veces por grupos de Revival garagero de los 80 o grupos Punks como los Ramones, y aún ahora, grupos que influenciaron el movimiento punk, así como los primeros pasos de grandes músicos que alcanzarían reconocimiento más adelante, como Todd Rundgren con The Nazz, Ted Nugent con el fantástico grupo The Amboy Dukes, Billy Gibbons, guitarrista de ZZ Top con los 13th Floor Elevators, así como el embrión de lo que serían los mismísimos Creedence Clearwater Revival, bajo su primer nombre, The Golliwogs.

La caja, además, viene con una presentación espectacular, incluyendo un libreto de 95 páginas con fotografías de los grupos más importantes, créditos de las canciones, información sobre los grupos, y las notas de Lenny Kaye para la recopilación original.
Este libro viene en una caja de cartón duro junto con los cuatro discos, cada uno en su caja con su portada.

El sonido, además, es bastante bueno. Una recopilación de matrícula de honor en todos los sentidos, un 11 sobre 10, que me parece imprescindible para cualquier aficionado al sonido sixties, al garage y hasta al punk.