STRAY CATS. ”Stray Cats” (1981, Arista)

Terminamos el año de la mejor manera posible, con uno de esos clásicos imprescindibles en cualquier colección de discos.

“Stray Cats” es el disco debut de la fenomenal banda de rockabilly formada por Brian Setzer, Slim Jim Phantom y Lee Rocker.

Estos tres fenómenos crecieron en Long Island, Nueva York, escuchando a los Rolling Stones y los Beatles. Hasta que descubrieron el rockabilly.

El fabuloso, potente, efectivo y elegante guitarrista, cantante y compositor Brian Setzer, recuperador del Rockabilly, del Swing y de todo lo que se le ponga por delante, lidera la banda, formada también por otros dos excelentes músicos, el contrabajista Lee Rocker (nacido Leon Drucker) y el batería “Slim Jim” Phanton (Jim McDonnell).

Brian Setzer tocó la guitarra con los Bloodless Pharaohs, grupo de nueva ola, alejado de los sonidos rockabillys. Eso sí, paralelamente, toca junto a su hermano (Gary Setzer - batería) y Bob Beecher (bajo) en los Tom Cats. Tocaban rockabilly y r'n'r. Posteriormente se unió a sus compañeros de instituto Slim Jim Phantom (batería) y Lee Rocker (contrabajo) y se formó Stray Cats.

La banda en principio no tenía mucho éxito, pasearon sus tupes por muchos de los garitos de Long Island versionando a sus ídolos, pero no funcionó.

Advertidos de que en Inglaterra el rockabilly nunca había muerto, que continuaban existiendo grupos, deciden vender sus pertenencias y mudarse a Londres.

Allí las cosas tampoco son como esperaban, no es fácil llegar y besar el santo, y menos en un lugar como Londres de aquellos años, el centro de la música europea.

Pasan una temporada sin dinero y tocando en pequeños clubs hasta que una noche Dave Edmunds les oye tocar y se queda fascinado por la fuerza de los tres chicos en el escenario. Se presenta en el camerino y les ofrece una oportunidad única: producirles el que sería su primer disco.

En las primeras sesiones sale un primer single de presentación "Runaway boys", que entró como un cañón en el Top Ten británico.

El disco sale a la calle en diciembre de 1.980 y es un éxito, de crítica y público. Defendido, además, por un arrollador directo: Salvaje, divertido y efectivo; las giras por el continente demostraron la fama de la banda, y una corta gira por Japón de sólo dos semanas dejó claro que la fiebre por el rockabilly nunca había muerto. Esto les valió, nada menos, que a ser invitados por los mismísimos Rolling Stones para teloneros de su gira norteamericana, lo que, por fin, les abrió las puertas del mercado estadounidense.

Aunque, la verdad, más que aprovecharse de que el rockabilly no estaba muerto, fueron ellos, con este disco, el detonador que el espíritu rockabilly necesitaba para resurgir del olvido, revitalizando la escena y convirtiéndose en la banda de referencia, la mejor de la historia del “revival” de este género, y la que más influencia, éxito y fama ha obtenido.

El estilo con el que iban a sorprender muy gratamente estos tres chicos, seria una mezcla explosiva entre el genuino rockabilly y el punk de los años 70, lo que les hacía sonar clásico pero, a la vez, actual, una mezcla explosiva que sienta también las bases de la explosión posterior del psychobilly.

El disco es magnífico, rockabilly más clásico, lleno de energía (fishnet Stockings, Rock this Town, Double Talking Baby, la versión del Jeanie, Jeanie, Jeanie de Eddie Cochram ), Swing (Wild Saxaphone, el My One Desire de Gene Vincent) y hasta blues con toques Swing (Stray Cat Strut), toques más o menos punks (Ubangui Stomp, Rumble in Brightom) o próximas a sonidos nuevaoleros (Storm the Embassy, Runaway Boys) y hasta psychobillys (Crawl up & Die). Un disco variado, rápido, lleno de respeto a los clásicos y al género pero, a la vez, innovador, y que se hace muy, muy corto.

Si no lo tienes, y te gusta el rock, ya tienes una buena sugerencia para regalo de Reyes.

Feliz año nuevo a todos.

SUPERTRAMP. ”Crime of the Century” (1974, A&M)

Un multimillonario se te acerca y te dice que te financia un grupo de rock. Así, por la cara bonita. A eso se le llama buena suerte.

El millonario en cuestión era el holandés Stanley August y la “cara bonita” era la del cantante y teclista Rick Davies cuando éste tocaba en un grupo llamado Joint, a finales de los años 60.

Davies, ni corto ni perezoso, publicó un anuncio en la revista Melody Maker requiriendo músicos.

A ese requerimiento respondieron el cantante, guitarrista, bajista y teclista Roger Hodgson, el guitarrista Richard Palmer y el batería Bob Miller.

El grupo fue denominado Supertramp, nombre tomado por Rick Davies de la novela "The autobiography of Supertramp" de un tal W. H. Daves.

En 1970, debutaron en el sello A&M Records con el LP “Supertramp” un insoportable disco de rock progresivo que pasó con más pena que gloria por las tiendas de discos, al igual que su segundo álbum, “Indelibly stamped”, del año siguiente, a pesar de contar con una musica algo mas comercial, aunque más o menos igual de peñazo, y a pesar del cambio casi completo de formación. En la que se quedaron sólo Davies y Hodgson.

El disco, como entenderá perfectamente cualquiera que lo escuche, tampoco es capaz de entusiasmar a nadie; aburre a todo el mundo, especialmente al que ponía la pasta, que se va; el grupo no ha logrado hacerse un hueco, ni vender. Y ademas Davies y Hodgson, se vuelven a quedar solos.

Para colmo, la discográfica A&M amenaza con despedirlos si no conseguían que el proximo disco tuviera éxito.

En el grupo entran tres nuevos miembros: el bajista Dougie Thompson, el batería Bob Siedenberg y el saxofonista John Helliwell.

La situación, entonces, cambia radicalmente. Con esa nueva formación, y ayudados por el productor del “Hunky Dory” de David Bowie (Ken Scott), el grupo deja los sonidos progresivos, autocomplacientes y aburridos de sus primeros dos discos, introduciendo más melodías, más pop. La fórmula del “Pop Sinfónico” marca de la casa, con la que empiezan a llamar la atención de la crítica y, especialmente, lo que es más importante (y rentable), del público.

La nueva formación reinventa al grupo, que comienza su clásico sonido, mucho más pop, y graba con éxito “Crime of the century”, un clásico que, además de ser de una gran calidad musical, se vendió como churros, y enseñó a Supertramp el camino al éxito, que irían recorriendo cada vez más deprisa y más arriba disco a disco hasta llegar a la “apoteosis” de “Breakfast in America” y del disco en directo “Paris”. A los “desertores” todavía tiene que estar doliéndoles. Pero claro, quien se lo iba a imaginar después de dos discos que no es capaz de soportar ni el fan más cerrado.

Pero en este disco, el grupo es otro, canciones muy melódicas, con el inconfundible piano con toques Jazz de Rick Davies (la voz más grave) y la guitarra de Roger Hodgson (la voz más aguda y también la más famosa), interpretan canciones como “School”, “Bloody Well Right”, el gran éxito “Dreamer” o “Rudy”, baladas como la gran “Hide in Your Shell” (mi favorita del disco), O el “Crime Of The Century” del final, acompañados por una orquesta sinfónica. La producción de Ken Scott, además, es magnífica.

Un clásico, vaya.

Phil Spector. A Christmas Gift For You. (1963, Philles)

Phil Spector se ha convertido en uno de los productores más famosos de la historia del pop ( posiblemente el más famoso). El único que ha trabajado con Elvis Presley y The Beatles, pero también con George Harrison y John Lennon, Ramones, Leonard Cohen, Dion, Tina Turner, ...

Antes de todo esto, ya había creado su propio estilo, con sus “Grupos de chicas”, creador del wall of sound, supo rodearse de un grupo de geniales músicos y compositores para producir algunos de los mejores discos de pop de los años sesenta.

El "wall of sound" o "muro de sonido" es la técnica de grabación creada por Phil Spector, que dio a la música de aquella época su sello inconfundible.

Consiste en la utilización de coros con numerosas voces y de grandes orquestas con abundantes instrumentos de viento. Todo ello produce el efecto de un sonido potente y envolvente, que da fuerza y brillo a las grabaciones. Lo que el propio Spector llamaba “pequeñas sinfonías para niños”.

Este es su mejor disco, además de estar considerado el mejor disco de villancicos pop de todos los tiempos, aunque, a nivel comercial, fue un fracaso. Debido a las circunstancias, ya que se ponía a la venta al día siguiente del asesinato de Kennedy, en noviembre de 1963, y Spector lo retiró de forma inmediata, en señal de respeto.

Al volver a salir, se encontró con la explosión “Beatle”, tras su aparición en el “Ed Sullivan Show”, en 1964, que prácticamente arrasó el mercado discográfico.

Spector estaba en plena forma, trabajando con las Ronettes, Bob B. Soxx & The Blue Jeans, Darlene Love y The Crystals, que son quien aparecen en este proyecto, convirtiendo villancicos tradicionales en clásicos del pop, perfectamente adaptados, canciones festivas, alegres, dulces pero a la vez con alma, entrañables, espirituales, que casaban perfectamente con el Wall of Sound.

Además, Spector escribió un villancico con sus colaboradores, dos genios, Barry y Greenwitch (Christmas, Baby Please Come Home), una maravillosa canción que interpretó Darlene Love.

Destacan además Winter Wonderland (Darlene Love) y I Saw Mommy Kissin Santa Claus (The Ronettes).

Un disco precioso, dulce, entrañable, por el que no pasan los años. Para muchos, la mejor recopilación de villancicos de la historia del pop. A mí no se me ocurre ninguna mejor.

Feliz Navidad a todos.

VINICIUS DE MORAES. "En la Fusa con María Creuza y Toquinho" (1970, Trova)

Marcus Vinícius da Cruz de Melo Moraes, Vinicius De Moraes, uno de los principales iconos de la música brasileña, además de poeta, periodista, diplomático... nace en 1913 en La Gavea, Brasil.

Vinicius siempre supo rodearse de intérpretes y compositores extraordinarios, lo que le lleva a colaborar con los mejores talentos de la música brasileña de todos los tiempos, y así, en 1956 conoce a Antonio Carlos Jobim, y, junto con Joao Gilberto, crean el movimiento musical más importante de Brasil: ni más ni menos que la bossa nova.

Expulsado de la diplomacia, vive sólo para la música y poesía y, en 1970 Conoce a su gran amigo y colaborador, el extraordinario guitarrista y compositor Antonio Pecci Filho, Toquinho. (Nacido en Sao Paulo en 1946).

Su unión artística durará 11 años y casi 30 discos, y su amistad, toda la vida; Vinicius compone las letras y Toquinho la música, y a veces los textos. Toquinho es el único músico de su generación que compuso con Vinicius.

En Junio de 1970, Vinicius les llama a él y a María Creuza para actuar en La Fusa, Mar del Plata, Buenos Aires.

A Vinicius le gustó tanto el resultado que grabó un Lp “en vivo en el estudio”, sin público que distrajera, aunque añadió el ambiente real de La Fusa.

Considerado el mejor disco de Bossa Nova de todos los tiempos, con canciones del propio Vinicius y versiones de Jobim, Baden Powell y Caetano Veloso, resulta el disco ideal para introducirse en el apasionante mundo de la Bossa Nova y de la música popular Brasileña, cuando la poesía se hace música (Vinicius) y la música se hace poesía (Toquinho), acompañados de la voz de María Creuza, excepcional, cálida, melancólica, dulce... muy difícil de describir con palabras.

Las interpretaciones son fantásticas, el ambiente (simulado) trata de reflejar lo que fueron esos conciertos, y la capacidad instrumental de Toquinho, el encanto y la dulzura de María Creuza y el carisma de Vinicius, que hace de maestro de ceremonias y cuentacuentos, destacando el trabajo de sus colaboradores y poniendo en cada caso el teatro necesario para convertir el concierto en un espectáculo completo e inolvidable, hacen de este disco una grabación histórica, y una obra maestra imprescindible.

¿Canciones? Todas, pero, por destacar alguna, Tomara, Que maravilha, A Felicidade, Garota de Ipanema o Berimbau.

Imprescindible, no importa que no te guste demasiado la música brasileña, este es de esos discos que está por encima de cualquier tiempo o estilo.

BRUCE SPRINGSTEEN. “The River” (1980, Columbia)

El 10 de octubre de 1980 se publicaba “The River”.

Esta obra maestra, que se convirtió en el primer número 1 de Bruce Springsteen en la categoría de álbumes, no tiene desperdicio.

Para esta maravilla doble, la leyenda cuenta que tenía 60 canciones escritas de las cuales escogió estas 19. Después subiría aún mucho más alto con “Born in The USA”, pero eso es otra historia, que otro día contaremos.

“The River” continúo con el sonido y la temática planteada en el disco anterior, “Darkness on the Edge of Town”, rock de medios tiempos e historias que narran las desilusiones de la clase trabajadora y los conflictos de las familias. Canciones sobre tiempos duros, alienación y sueños rotos, pero siempre con un rayo de esperanza. Siempre con una carretera por la que huir.

El disco, desde luego, es una maravilla, muy variado, con rock and roll para todos los gustos, desde las canciones más rockeras como You Can Look, Cadillac Ranch, Ramrod, Crush on you, otras más festivas, como Sherry Darling, bombazos poperos tipo Hungry Heart , su primer top 10 como single, que tiene una historia curiosa, ya que se dice que fue compuesta para los Ramones, a petición de Joey, pero que al final grabó Bruce Springsteen, convencido por su manager, John Landau, del potencial comercial, que ya habían desaprovechado al ceder “Because the Night” a Patty Smith, y que, además, fue la primera canción de Bruce que aparece en una Banda Sonora, la de “Risky Business”, o Two Hearts, medios tiempos preciosos, Fade Away, Wreck on The Highway, The River, y baladas que van desde lo más intimista (point blank) a lo más intenso (Independence Day) o a lo intensísimo y maravillosamente romántico (Drive all Night, una de las baladas más espectaculares e impresionantes- y largas- que yo haya escuchado.)

La banda estaba en plena forma (tal vez la E Street Band de esa época sea una de las mejores bandas de Rock and Roll de todos los tiempos, y se sucedían los largos conciertos de más de cuatro horas de duración, en grandes escenarios, varios días seguidos.

Esa portada desde la que Springsteen nos mira con gesto tímido, enfundado en su camisa de leñador, con pinta de trabajador americano medio, representa perfectamente la temática del disco, sueños perdidos, pero esperanza. “Vuelvo al río, aunque ya sé que ahora está seco”. Yo, por si acaso, lo sigo escuchando porque sé que, en algún momento, la canción tendrá un final feliz.

THE BARRACUDAS. ”Drop Out With” (1981, EMI/ Voxx)

Primer LP de este excepcional grupo de Garage Surf, Power Pop y Punk.

El grupo se forma en Londres en torno a dos miembros, uno canadiense y otro inglés: Jeremy Gluck y Robin Wills.

Jeremy Gluck nació en Ottawa, Canadá.

Muy aficionado a la música, fue adquiriendo una gran cultura musical. De gustos muy variados, Pop, Rock, Garage, Punk, Surf, que iban desde los grupos más salvajes del sonido Detroit, (Stooges/MC5) , hasta los grupos rockeros y poperos de los 60, (Who, Kinks, Rolling Stones , Seeds, Sonics) o el pop más melódico (Beach Boys, Raspberries, Byrds o los Beatles): Influencias muy variadas, pero que aparecerán mezcladas en sus canciones, formando el sonido clásico de The Barracudas.

Decidido a dedicarse profesionalmente a la música y consciente de que eso iba a ser muy difícil sin salir de Canadá, decide mudarse a una ciudad más cosmopolita, las opciones son Los Ángeles, Nueva York o Londres.

Finalmente toma una decisión intuitiva, pero muy acertada, ya que aterriza en Londres, nada menos que ¡¡¡en 1977!!! Tiene la inmensa suerte de llegar en plena explosión del movimiento punk.

Fue encontrando trabajos más o menos relacionados con la música y, así, a finales de 1977 cubriendo como reportero un concierto, en la sala “the Speakeasy” en el Soho, coincide con Robin Wills, y, según cuentan, una conversación que comenzó hablando del grupo The Seeds derivó en una charla de varias horas acerca de la importancia de los grupos de Garaje y Psicodelia en el Punk.

Los dos descubrieron que coincidían en su pasión por la música y en gustos musicales variados, y ambos tenían experiencia como guitarristas en los clásicos grupos de adolescentes, y quedaron para ir al piso de Robin Wills, para ver su colección de discos y, finalmente, decidieron formar un grupo. Después de otros nombres como RAF, finalmente llegan al nombre definitivo, en homenaje a una canción de The Standells.

Nace entonces The Barracudas, con estos miembros: Jeremy Gluck (voz), Robin Wills (guitarra y coros), David Buckley (bajo y coros) y Nick Turner (batería). Más adelante, en 1982 y ya después del disco debut, entraría Chris Wilson, procedente de los Flaming Groovies, como guitarrista, además, los cambios en la Batería y el Bajo serán una constante durante toda la existencia del grupo

El sonido inicial de Barracudas, según dicen, fue cuidadosamente planeado por Gluck y Wills de entre sus muy variadas influencias, para destacar entre los demás grupos, yendo un poco a “contrapelo”, Surf salvaje mezclado con melodías: Surf porque no pegaba nada ni en Inglaterra ni en Londres y melodías porque era lo que menos encajaba en 1977.

El caso es que consiguieron plenamente su objetivo, llegando rápidamente a hacerse con un público fijo y a ganarse a la crítica.

Su primer single aparece 2 años después en Junio del 79 “I Want My Woody Back / Subway Surfin’” . Inicialmente editaron 1.000 copias, pero se agotaron, así que el disco se reedito hasta 4 veces. Consiguieron ser todo un éxito para un sello Indie, y tener cierta repercusión en prensa y radio.

A lo largo de 1980 EMI publica 4 singles de The Barracudas, aunque para lanzar los discos al mercado utiliza el sub-sello Zonophone, asegurando que eso era “dar un toque de exclusividad al lanzamiento”, aunque el grupo cree que prefirieron no arriesgar.

Con todo y con eso, los singles tienen cierto éxito, y se convierten en un grupo muy goloso, recibiendo ofertas de otras compañías.

En 1981 EMI publica su primer LP “Drop Out with the Barracudas”. VOXX lo Edita para los USA.

El disco siempre va a ser recordado como “El LP Surf” de Barracudas, lo cual es verdad solo “a medias”, puesto que ya recogía los nuevos sonidos, más Psicodélicos y Garajeros, hacía donde evolucionaba el grupo.

Es un disco muy completo que se ganó a la crítica de inmediato: Una mezcla, muy fresca y cañera, de Surf, Power Pop, Nueva Ola, garage, Psicodelia, Punk, canciones alegres y pegadizas por una cara, canciones más oscuras y rockeras en la otra.

No es que invente nada, pero lo cierto es que recoge todos los sonidos de la época, mezclados en grandes canciones surferas como “Surfers are Back”, “summer Fun”, “His Last Summer”, “California Lament”, otras joyas poperas como “This Aint my Time”, “I Wish it Could Be 1965 Again”, “I can´t Pretend”, y otras más garageras y oscuras como “Somebody” o “I Saw My Death in a Dream Last Night”.

Un gran disco, imprescindible, de un gran grupo. Uno de los mejores de la época.

THE BEATLES: “Abbey Road”. (1969, Capitol Records)

Me he dado cuenta de que prácticamente no he puesto nada sobre los Beatles. Y lo cierto es que es un grupo muy especial (también para mí) fue el grupo que me despertó la afición por la música Pop y Rock. (Soy así de original). Y sigue siendo uno de mis grupos favoritos, de los que más sigo escuchando.

Así que en la entrada de hoy nos ocupamos de ello y creo que a lo grande, con el disco que para mí es, con otros tres o cuatro discos, no más, lo mejor que se haya grabado jamás en toda la historia de la música pop.

Esto, por supuesto, va por gustos y hasta por momentos, pero lo de Abbey Road a mí no se me pasa, este disco nunca deja de sorprenderme, de emocionarme, de engancharme, y cuanto más lo escucho, más me gusta.

No está considerado el mejor disco de los Beatles, no es el mejor producido, ni el mejor grabado, ni el más arriesgado, ni fue grabado en las mejores circunstancias, los Beatles tienen, seguramente, mejores canciones que las que aquí aparecen, pero es, para mí gusto, en conjunto, sencillamente lo mejor que he escuchado.

Abbey Road fue el último disco de los Beatles, se puede decir que era una despedida. Hay que tener en cuenta que aunque” Let it be” salió al mercado en 1970, se había grabado anteriormente, y fue retrasado debido a motivos comerciales y artísticos.

En 1969 Los Beatles prácticamente ya no eran un grupo, la separación era inminente y cada uno de ellos hacía la “guerra” por su cuenta y, por eso, en este disco reina la anarquía y la improvisación (John Lennon se presentó a las sesiones de grabación prácticamente sin ninguna canción) y el ambiente estaba bastante enrarecido (John y Paul ya eran pareja compositiva prácticamente sólo en la firma, y en esa época apenas se hablaban y no se podían ni ver) y, sin embargo, el resultado no es, ni mucho menos, un caos, es un disco que tiene un sonido muy coherente, compacto, en el que participan activamente los cuatro.

Destaca mucho la aportación de George Harrison, con canciones como (nada menos) “Something”, una canción de amor sensacional, de la que Frank Sinatra dijo que era la mejor canción de amor de los últimos 50 años... o “Here Comes The Sun”, una canción optimista y brillante compuesta por George en el jardín de su amigo Eric Clapton.

Ringo Starr también pone su parte con “Octopus's Garden”, una simpática canción, con un toque Naif, en la línea de “Yellow Submarine”. Además, el disco incluye su único sólo de batería en toda su carrera como beatle en “The End”.

El final del disco, desde “You Never Give me Your Money” hasta “Her Majesty” es una verdadera obra maestra, es una suite de sobras unidas de forma extraordinaria por Paul McCartney, al parecer improvisando casi sobre la marcha, y que a mí nunca dejan de sorprenderme, por más que las escucho. Me gusta especialmente, además de “You never Give me Your Money”, “Golden Slumbers” y “Carry That Weight”.

El disco, además, cuenta con una de las portadas más famosas de la historia de la música, que muestra a los Beatles cruzando el paso de cebra situado cerca de sus estudios, en Abbey Road. La Fotografía fue realizada por Ian McMillan.

Desde los tiempos del Sgt. Pepper's, corría el rumor (con el que los Beatles jugaban) de que Paul había muerto.

Esta especulación iba a tener un nuevo capítulo con esta portada: Se decía que los cuatro beatles forman un cortejo fúnebre en el que John, de blanco, es el predicador; Ringo, de negro, el empresario de pompas fúnebres; George, con ropa vaquera, sería el enterrador, y Paul, por supuesto, el muerto.

Paul tiene los ojos cerrados, sostiene un cigarrillo con la mano derecha siendo zurdo, lo que probaría que el de la foto es un impostor; lleva el paso cambiado con respecto al resto de sus compañeros y, va descalzo, lo que significaría que está muerto.

El Volkswagen blanco (modelo escarabajo, que es lo que significa beetle en inglés) de la izquierda de la portada, fue vendido en una subasta de Sothebys en 1986 por 2.300 libras.

Se cuenta que, antes de la sesión fotográfica, la policía trató de quitar el Volkswagen de la acera, pero no pudo localizar a su dueño.

Esta obra maestra se publicó el 26 de septiembre de 1969 y a finales de ese año ya había vendido cuatro millones de copias.

THE MISFITS. “Walk Among Us” (1982, Plan 9)

Cambiamos de tercio completamente, que ya es hora.

Hoy, como además es mi cumpleaños, haré una entrada especial. El disco que me acaban de regalar, en edición “Picture Disc”, y que es uno de mis discos favoritos de siempre.

En un pequeño pueblo de New Jersey llamado Lodi, en abril de 1977, y cuando el movimiento Punk daba sus primeros pasos, THE MISFITS (nombre homenaje a la última película de Marilyn Monroe) ve la luz.

Dentro del movimiento Punk, Los Misfits tenían algo especial, que los diferenciaba, y era su gran afición por las películas de terror.

De esta pasión por el género, crearon su propio mundo. Utilizando diseños del estilo de películas de Serie B, el grupo se presentaba vestido de negro, con look diabólico, con flequillos (el famoso Devilock) y maquillaje terrorífico y siniestro, el dibujo de la calavera (The Fiend) que se convirtió en el icono oficial del grupo, grabado en sus chaquetas de cuero, sus botas y todo su equipo. Ese mundo de misterio y encanto diabólico que les proporcionó una fiel legión de seguidores.

“Walk Among Us” es la obra maestra absoluta de la banda de New Jersey, y a la vez su primer LP (todo lo que habían editado anteriormente desde 1977 se limitaba a singles y Eps).

La producción corrió de parte de los propios Misfits, con Glenn Danzig (cantante) y Jerry Only (bajista y coros) a la cabeza, junto con Doyle (guitarrista y hermano de Jerry) y el batería Arthur Googy.

Walk Among Us es una excelente colección de canciones que muestran a la banda en su mejor momento, con gran energía y potencia, mucho ruido bajo el que se esconden unas melodías geniales y pegadizas, que hacen referencia al universo de las películas de terror y Ciencia Ficción de serie B (zombies, marcianos, psycho killers,...) y la marca de la casa, el inconfundible coro “Whoa-Woh!!!”.

Los trece temas incluidos en este álbum son trece clásicos absolutos del género.

El ruido de fondo y la peculiar voz de Glenn Danzig hizo que, en sus primeros conciertos, fueran definidos por la crítica como “Los Ramones acompañando a Elvis Presley”.

Bueno, la definición es graciosa como anécdota, pero no explica demasiado su sonido: Horror punk 100% enérgico, ruidoso y potente, sin medios tiempos ni tonterías.

Canciones como “I Turned Into A Martian” el bonito homenaje que se marcan con “Vampira”, la mítica actriz de películas de serie B, “Violent World” , “Hatebreeders”, “Skull”, “Astrozombies” (mi favorita, de donde viene el AZ de mi nick) , o “Braineaters”, que cierra el disco.

Disco básico para cualquiera que se precie de escuchar punk rock, o para todos aquellos que amen el universo fantástico y de terror que tan bien recrean los Misfits.

SURVIVOR. ”Vital Signs” (1984, Scotti Bros)

Bueno, después del disco de Asia y con la entrada de hoy me quito totalmente la careta. Me encanta el AOR.

Sé que es un estilo que cuenta con bastantes antipatías entre los amantes de sonidos más guitarreros, power poperos o de rock clásico. Por mi parte, no veo la incompatibilidad por ningún lado, y el estilo me ha gustado desde siempre.

Survivor, conocidos sobre todo por su participación en bandas sonoras (Rocky III y IV, Karate Kid, etc) son todo un icono en el rock melódico de los 80 (más conocido como AOR).

A finales de los años setenta, con los grandes grupos de Hard Rock como Led Zeppelin de retirada, y las cadenas de radio comerciales no emitían las canciones de los grupos más duros, por considerar que eran demasiado ruidosos para su público. Es la época donde sonaba, como mucho, lo que se conocía como “Arena Rock”, el antecendente directo de Adult Oriented Rock.

Los sellos discográficos, entonces, ven la necesidad de "suavizar" tanto ruido, y lo hacen por medio de producciones que incluían características más poperas, sin dejar de ser hard rock: inclusión de coros pegadizos, arreglos muy elaborados y muchas, pero muchas capas de teclados, para cubrir las guitarras rockeras distorsionadas , que no dejaban de estar presentes, aunque algo más ocultas.

Se acusa al AOR de ser un “invento comercial” de las casas de discos, y ciertamente algo hay de eso: la generación del Adult Oriented Rock, no fue sino una estrategia de "entrada" de los grupos para lograr sonar en las radios. Es un invento, pero no sólo de las casas de discos o de los productores, también de músicos como Tom Scholz, de Boston, Toto, Journey y otros.

Eso sí, la estrategia funcionó, y de qué manera, además, sin que ello fuera necesariamente sinónimo de falta de calidad, ni mucho menos. Ahí está buenos grupos como Toto, Journey, Night Ranger, Bad Englidh, FM, Dare o los protagonistas de hoy: Survivor.

Este disco, "Vital Signs", es, para mi gusto, el mejor de su discografía. Un gran disco.

Como la mayoría de discos de este estilo y de esta época, algo perjudicado por esa producción plagada de sintetizadores (que aquí salva bastante la gran categoría del teclista, Jim Peterik, conocido de una forma algo “peyorativa” como “el de las gafas”. Un excelente teclista, por otro lado), y que tiene canciones eternas, como “I can´t Hold Back”.

Con el cantante Jim Jamison, que se acababa de incorporar al grupo procedente de King Kobra, en plena forma, la banda consiguió llevar tres singles al Top 20, "High on You" , "I Can't Hold Back" y “The Search is Over”.

El grupo había encontrado su fórmula clásica, que tanto influyó en los discos de la época y en todo el AOR, basada en Journey, sintetizadores, guitarras potentes, melodías y muy buenas armonías vocales. Acercando el Rock a sonidos poperos mucho más accesibles.

El estilo que mucha gente, sobre todo los más Hardrockeros odia por “pachanguero” o “meloso” y comercial, incluso por las pintas, tan ochenteras, de sus músicos, y que a mí tanto me gusta.

El disco es imprescindible para cualquier amante del AOR. Yo lo elegiría, sin duda, como uno de los mejores de este estilo, y un disco ideal para introducirse en estos sonidos.

ASIA. ”Asia” (1982, Geffen)

Los primeros años 80 son años de cambios en el panorama musical de la música Rock. Los grupos de rock progresivo van desapareciendo o reciclándose progresivamente. Este disco de Asia marcó el camino en los nuevos sonidos para estos “dinosaurios”.

La historia de Asia empieza en 1980 : El duo The Buggles (Sí, los de la archifamosa “Video Killed The Radio Star”), compuesto por el teclista Geoff Downes y el cantante y bajista Trevor Horn, se integra en YES para reemplazar a los recientemente retirados Jon Anderson y Rick Wakeman. Esta nueva formacion de Yes (Downes, Howe, Horn, Squire y White) lanza el LP “Drama” y en la subsiguiente gira, comprueba que los fanaticos de Yes, acostumbrados a la voz “aflautada” y al carisma de Jon Anderson, no aceptaban a Horn como sustituto.

Como consecuencia, deciden que la cosa no tiene demasiado sentido y optan por disolver Yes.

The Buggles retoman su carrera, grabando su segundo y ultimo disco: “Adventures In Modern Recording”.

Mientras, se disolvia una banda progresiva inglesa: “U.K.” John Wetton su líder, bajista y cantante, procedía de King Crimson y buscaba un nuevo sonido desde entonces. U.K. es un paso intermedio entre la formación de Robert Fripp y lo que sería Asia.

Por otra parte, la disolucion de Emerson, Lake & Palmer y la disolucion de la banda PM despues de un disco, dejaban libre a Carl Palmer, el magnífco batería.

Con estos ingredientes, se estaba cociendo uno de esos llamados “supergrupos”: Steve Howe y John Wetton se conocen y comienzan a escribir y tocar juntos con la idea de un proyecto futuro hasta que, de hecho, deciden formar una banda.

Al poco tiempo se les unieron Downes y Carl Palmer para dar vida a la primera formacion de Asia y las grabaciones comienzan hasta que, en 1982, editan su primer LP.

El disco se convirtió en un bombazo, vendiendo 9 millones de copias y situando al primer single, el clásico “Heat of the Moment” en los primeros lugares de las listas de todo el mundo.

Para mi gusto, este es su mejor disco, un disco muy bien hecho, extraordinariamente bien producido e interpretado, rock simple, pero con la introducción de sintetizadores, con estribilllos con gancho (Heat of the Moment, Only Time Will Tell, Wildest Dreams), temas progresivos muy en el estilo de “Yes” (Sole Survivor), AOR (Without You), temas más poperos, más duros, riffs, redobles de batería, efectos, coros, un gran disco, que tendría una gran influencia en la aparición del estilo conocido como AOR.

ALICE COOPER. ”Greatest Hits” (1974, Warner Bros)

Uno de mis músicos favoritos de siempre es Alice Cooper, músico con nombre de mujer (más tarde veremos por qué razón) que se llama en realidad Vincent Furnier y nació en Detroit el 4 de febrero de 1948. Un artista muy original y uno de esos músicos que entiendo que nadie se puede perder.

Por encima de sus pintas y de sus extravagancias, Alice Cooper y su banda hacían muy buena música.

Su música era conocida (por él mismo, claro) como “shock rock”, una manera personal de entender el hard-rock, con influencias de grupos que van desde los Rolling Stones a los Stooges y, sobre todo, mucha teatralidad y espectáculo, con maquillajes de aspecto siniestro y presentaciones en directo un tanto “Bizarras”, con guillotinas y sillas eléctricas, Boas Constrictor y otras extravagancias y parafernalia parecidas.

Como el nombre de su grupo (The Nazz) ya estaba registrado por el grupo de Todd Rundgren, decidieron cambiarle el nombre.

En esas estaban cuando Vincent les comentó a sus compañeros que practicando con la ouija, había contactado con el espíritu de una hechicera del siglo XIX llamada Alice Cooper.

Por lo que se sabe, la bruja le dijo que él era su reencarnación, y él se lo creyó (o eso decía) y propuso a los todavía "Nazz" convertirse en The Alice Cooper Band, adoptando Furnier el nombre de la bruja en cuestión.

Aceptado el nuevo nombre, se trasladan a California, donde son descubiertos por el mismísimo, Frank Zappa, que los incorporó a su sello Straight Records.

Allí publicarían dos discos que pasaron bastante desapercibidos, lo que provocó que Alice Cooper y su banda se trasladaran de nuevo a Detroit, en busca de una mayor acogida de público para sus extravagantes “Shows”.

Entonces entra en juego un personaje fundamental a la hora de terminar de definir el sonido de la Alice Cooper Band, el productor Bob Ezrin, que le lleva a endurecer su sonido, con riffs directos y potentes, pero sin perder sus melodías ni, por supuesto, su personal manera de cantar e interpretar.

En 1971, y ya con la discográfica Warner, grabaron "Love it to death" (1971), el disco que los lleva a la fama, gracias al tema "I´m Eighteen", que se convirtió en todo un himno.

Este fue el inicio de una etapa de éxito, pero también de gran brillantez para Alice Cooper, donde iba sacando LP tras LP, superándose en cada uno de ellos, con canciones como "Killer", "Desperado", "Under my wheels", "Be my lover", o "School's out" (canción que llegó a ser número 1 en Gran Bretaña y que aparece, años después, en la banda sonora de la película “Rock and Roll Highschool”, protagonizada por los Ramones).

El último LP con gran éxito de público y crítica es "Billion Dollar Babies", de 1973, que les llevó al número 1 en las listas de Lps de medio mundo. Con canciones muy buenas y de gran éxito como "No more Mr. Nice Guy" (sobre todo) "Hello, Hooray", o "Elected".

A partir de aquí, ya se rompe la banda, con un último disco que no convence a casi nadie, "Muscle of love" comenzando Vincent Furnier su exitosa, aunque algo irregular, carrera en solitario.

Este disco recoge esos éxitos, que, por encima de su espectáculo y de la imagen de “artista extravagante” de Alice Cooper, son muy buenas canciones, clásicos del Hard Rock, apoyado por una buena banda y con una peculiar, única y carismática forma de interpretarlas.

Esta primera época tal vez sea la más aconsejable de este peculiar y excelente cantante, aunque a mí, su época en solitario, más próxima al Heavy Metal o a los sonidos de Hard Rock Melódico, siempre rodeado de músicos excelentes, en general también me gusta mucho.

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL. “Chronicle” (1976, Fantasy)

De este magnífico grupo californiano de Rock and Roll se dice aquello de “no hicieron ni una canción mala”.

No sabía que disco de ellos escoger, así que me decidí al final por este fabuloso recopilatorio. Grabaron siete discos en cinco años, tres de ellos en 1969, todos ellos, yo creo, de escucha obligatoria para cualquier aficionado al rock que se precie.

Su líder, compositor principal, guitarrista y cantante es uno de los mayores genios de la historia del rock americano: John Fogerty, sin duda uno de los principales compositores de la década de los 60, a lo que se añade una gran voz, llena de energía y garra, de las mejores de toda la historia del rock.

Además, John Fogerty no estaba solo, le acompañaban tres excepcionales músicos que conformaban una espectacular sección rítmica, integrada por Tom Fogerty en la guitarra, Stu Cook en el bajo y Doug “Cosmo” Clifford en la batería, que les permitió interpretar canciones donde el ritmo tiene un papel fundamental. Esta es la “marca de la casa” de la banda: Un rock clásico, muy rítmico, con la clásica formación guitarras-bajo-batería, de raíces americanas, country, rock sureño y rhythm & blues, ajeno totalmente a la música que por entonces estaba de moda. (Psicodelia, experimentación, etc).

Encima, esta calidad en las composiciones y en la interpretación, se vio acompañada por un tremendo éxito de público, vendiendo enormes cantidades de discos y consiguiendo varios discos de platino con sus Lps Cosmo´s Factory y Green River.

Sus primeros tres discos les ganaron su invitación para participar en el mítico festival de Woodstock en 1969, que, al parecer, no fue ni mucho menos uno de sus mejores conciertos.
Tocaron después de Grateful Dead a las 3 de la mañana, y estaban tan descontentos con su actuación que pidieron no aparecer en la película.

Este disco, la “crónica”, es una maravilla de principio a fin. Todas las canciones os sonarán, ya que nunca han dejado de escucharse, y además suenan como si hubieran sido grabadas hoy mismo, no han perdido ni un poco de la frescura que tenían. Es rock , fuera de tiempos o modas. Es imprescindible.

John Fogerty decía que quería grabar discos que se siguieran poniendo en la radio 10 años después de grabados, desde luego, lo consiguió con creces, han pasado ya más de treinta y siguen sonando.

Este recopilatorio se publicó en 1976, cuatro años después de la separación de la banda, y recoge canciones como "Proud Mary," "Born on the Bayou," "Bad Moon Rising," , "Green River", “Have You Ever Seen The Rain”, Looking Out My Backdoor”, Run Through The Jungle”, “Who´ll Stop The Rain”, “Lodi”, “Down on The Corner”, “Up Around The Bend, “Hey Tonight”, “Fortunate Son”, y así hasta 20 clásicos del Rock.

THE BAND. “Music From Big Pink” (1968, Capitol).

Si hay un grupo capaz de reunir y conjuntar prácticamente todos los estilos de música de los Estados Unidos: El Country, el Folk, el Rock & Roll, el Blues, el Gospel y la música negra, el Soul de la Stax y de la Motown, con una base principal de Rock y el R&B, ese grupo, curiosamente, no iba a ser originario de los Usa, iba a ser canadiense, iba a ser The Band. Un grupo en el que todos cantan, todos componen, un grupo que es, más que ningún otro, la suma de las aportaciones de sus cinco miembros. Un grupo fundamental en la historia de la música Rock americana.

Surgidos en la segunda mitad de los años 60, el grupo reunía a cinco auténticos virtuosos, cinco extraordinarios músicos que cantaban, componían y tocaban a la perfección varios instrumentos, sus instrumentos principales (y los que tocaban en directo) eran: A la guitarra Robbie Robertson, al piano Richard Manuel, al órgano Garth Hudson, al bajo Rick Danko y a la batería Levon Helm: Una banda con mayúsculas, capaz de tocar prácticamente todo lo que se propusiera, y tocar en función de la música, sin virtuosismos inútiles: The Band.

Nombre que- se dice- les puso Bob Dylan y que no les gustaba demasiado en principio, pero que luego adoptaron, por parecerles, curiosamente, a la vez humilde (una Banda sin nombre) y arrogante (La Banda con mayúsculas).

En 1965, y todavía con el nombre de The Hawks (que llevaban desde sus inicios como banda de acompañamiento del cantante de Rockabilly Ronnie Hawkins) el músico John Hammond Jr, con el que acababan de trabajar, les presenta a Bob Dylan, que los invitó a ir de gira con él.

En principio les pareció una oferta interesante, por la fama que ya, entonces, tenía el genio de Minnesotta, pero les extrañó, porque eran una banda de Rock y R&B, y Dylan era por entonces un músico fundamentalmente acústico y folk. Pero, claro, Bob Dylan tenía otros planes, y “la Banda” aceptó. Tocaron con Dylan en la tormentosa serie de conciertos de 1965 y 1966, que marcaron el cambio de Dylan desde el Folk al Rock, y que ya se ha comentado aquí.

Albert Grossman, representante de Bob Dylan, viendo su potencial, se convirtió en manager y les consiguió un contrato discográfico con Capitol Records para publicar su primer Lp: "Music from big pink" un fabuloso disco, mezcla de rock, country, gospel, r&b, folk y soul.

El título alude a la famosa “Casa Rosa”, de Woodstock, donde Bob Dylan convaleció de su accidente de moto, y donde estuvieron pasando un tiempo los miembros de The Band, tiempo en el que grabaron las famosas demos, muy pirateadas, que finalmente se publicarían con el nombre de “The Basement Tapes”.

Este "Music From the Big Pink", Con canciones como "The weight", "Tears of rage", "Chest of fever", la versión de "I shall be released" de Dylan, “To Kingdom Come” o "This wheel's on fire", compuesta entre Rick Danko y Dylan, es una obra maestra desde que empieza hasta que termina.

Y ese es, tal vez, el único pero que se le puede poner a este disco: Que termina.

KISS. “Destroyer”. (1976, Casablanca)

Kiss es un grupo que va mucho más allá de lo estrictamente musical, todo un fenómeno social y estético, con un sonido que mezcla el hard rock con el glam, con influencias como New York Dolls, Rolling Stones, Alice Cooper, T. Rex, Slade, Black Sabbath, y unos espectaculares conciertos repletos de efectos especiales, de una puesta en escena teatral, extravagante y una estética muy llamativa, con influencia del cómic de superhéroes y del glam-rock, que ha resultado tan importante o más que su música a la hora de convertirlos en superestrellas.

Todo el mundo conoce a los Kiss por sus maquillajes, con los que, como si de superhéroes se tratase, adoptaron diferentes "Identidades": Paul Stanley era "Star Lover", Gene Simmons el "Demon Lizard", Ace Frehley "Space Ace" y Peter Criss "Cat Man".

Pero Kiss no es sólo teatro, pirotecnia y maquillaje, es un buen grupo de Hard Rock. Para mi gusto, no bueno, muy bueno. Uno de los mejores.

Tras tres discos muy aconsejables, llenos de energía guitarrera, con riffs muy potentes, melodías muy logradas y estribillos pegadizos, y un disco en directo de 1975, “Alive!”, que los lanzó al estrellato, este cuarto disco de estudio, “Destroyer”, iba en la misma línea, aunque con una producción más cuidada, obra de Bob Ezrin, y se convertiría en todo un bombazo comercial, con baladas como "Beth", y las clásicas canciones de Hard Rock con toques glam,“marca de la casa” que en este disco son especialmente brillantes, como "Shout it out loud", "Detroit Rock City", "God of thunder", "Do you love me" o "King of the night time world", , y lanzaron al grupo definitivamente al lugar que, todavía hoy, ocupan como superestrellas del rock.

Este superestrellato, así como su estética peculiar, ha sido aprovechado como nadie por Kiss: merchandising por todas partes, comics, muñecos, tazas, sábanas, disfraces, camisetas, todo tipo de productos de lo más variado. Ha terminado representando todo lo que el Rock tiene de negocio.

Pero, independientemente de toda esa parafernalia o, al menos, detrás de ella, hay muy buenas canciones, y este disco es una prueba de ello.

Merece mucho la pena, es uno de mis discos favoritos, y para aquellos que quieran iniciarse en el sonido de Kiss (cosa que yo aconsejo), "Destroyer" es de escucha obligatoria.

Y si, además, se puede uno hacer con algún concierto en vídeo de la época, muchísimo mejor, el grupo gana mucho si se ve uno de sus espectaculares conciertos.

T-REX .”Electric Warrior” (1971, Reprise)

El glam-rock fue un movimiento que, aunque tuvo una vida corta, gozó de gran popularidad y éxito, surgido en Gran Bretaña en la primera mitad de los 70.

El inicio de este movimiento, musical y estético, se le debe a Marc Bolan, gran cantante y músico, y compositor genial, original e innovador, que inicia este movimiento con su formación T-Rex.

A este movimiento se irían uniendo artistas de gran relevancia como David Bowie, The Sweet, Slade o Gary Glitter, o los mismos Queen de sus inicios, y saltaría a los Estados Unidos, con cantantes como el Lou Reed de "Transformer", o Iggy Pop, o con grupos como Kiss o los New York Dolls. Y sería una gran influencia en movimientos como el Punk o la Nueva Ola y hasta el Sleazy de Los Ángeles, de los años 80.

Aparte de lo musical, una mezcla de la fuerza del Rock and Roll clásico, riffs de guitarras potentes y la frescura y la melodía del pop, casi cercana al Bubble Gum, especialmente por los estribillos pegadizos, llamaba la atención la estética, con extravagantes y vistosas vestimentas, calzado y maquillajes.

Nacido en Hackney, Londres, en 1947, Mark Feld se rebautizaría a como Marc Bolan, en homenaje al que era su ídolo, BOb DyLAN.

Inicialmente, formó un dúo Folk, Tyrannosaurus Rex, junto al percusionista Steve "Peregrine" Took, que tuvo cierto seguimiento dentro del movimiento intelectual y underground londinense, con sus enigmáticas melodías acústicas y letras basadas en la mitología medieval y en “El Señor de los Anillos” .

Took abandona, llega un nuevo percusionista, Mickey Finn, y deciden cambiar el estilo, empezando por recortar el nombre a T-Rex.

Ya en los 70, y gracias a sus espectaculares apariciones televisivas, vestido de manera llamativa y provocadora, Marc Bolan se convierte en un icono juvenil.

Nace la estética glam: Botas de plataforma, chaquetas de leopardo, hombreras, sombreros de copa, boas de plumas en el cuello, brillantina en el pelo y maquillaje, ambigüedad sexual y cierto “histrionismo” y sobre actuación.

En 1971 se publica "Electric Warrior", posiblemente, el primer disco de “Glam Rock”, aunque el disco es tan bueno y tan innovador que escapa a cualquier etiqueta.

Un disco con canciones como "Mambo Sun", "Cosmic Dancer", su número 1 en UK, y canción más conocida "Get it on", baladas como "Girl", grandes coros como en "Monolith", o maravillas como "Life's a gas".

Además de las canciones, la voz de Bolan, los coros, muy buenos, a cargo de Howard Kaylan y Mark Volman, (más conocidos como Flo & Eddie) excomponentes del grupo The Turtles, y la brillante producción (de Toni Visconti) con extraños e innovadores arreglos, nada recargados, sintetizadores, cuerdas, guitarras “cósmicas”, riffs muy efectivos, hacen de este disco una obra maestra.

Posteriormente, y tras unos buenos discos, pero cada vez con menos repercusión, T-Rex se separan y Marc Bolan, con escaso éxito en solitario, desaparece del mapa en 1974.

Con la explosión del punk la figura de Marc Bolan parecía que se iba a rescatar: realizó un programa de televisión "Marc", que estaba teniendo éxito, y firmó de un contrato discográfico con la RCA para grabar su siguiente LP, que nunca se grabó debido a la fatalidad: Un accidente de automóvil, que iba conducido por su pareja, la cantante Gloria Jones (compositora del famoso tema “Tainted Love”, número uno en versión de Softcell) le causó su muerte el 16 de septiembre de 1977, con 30 años de edad.

Disco (y grupo) muy, pero que muy recomendables.

THE BYRDS. “Mr. Tambourine Man”. (1965, Columbia)

El fabuloso primer LP del que es, para mi gusto, uno de los mejores grupos de la historia.

Un grupo tremendamente creativo, siempre buscando nuevos sonidos. Cosa que, a lo largo de su carrera, les convertiría en pioneros de muchos estilos musicales, ayudando a crear el Folk Rock, el Country Rock, la psicodelia, ...

En este disco, mezclaban el pop británico de estilo beat y el folk, los Beatles o los Searchers con Bob Dylan o Pete Seeger, pero con un sonido propio y original, totalmente novedoso en su época, que les convirtió en uno de los grupos más influyentes de todos los tiempos, siendo una influencia, reconocida por grandes como Bob Dylan (A quien los Byrds admiraban especialmente, y los que mejor han cantado sus canciones) o los Beatles en Rubber Soul.

Como en la mayoría de los grupos de la época, en el disco hay muchas versiones, pero pasadas por su característico estilo, que las hacía propias: el inconfundible sonido de la Rickenbacker 360 de 12 cuerdas de McGuinn (Guitarra a la que Tom Petty dedicó la canción “American Girl”) y las maravillosas y características voces y armonías del grupo.

Especialmente la versión de "Mr. Tambourine Man" (que llegó al número 1) sorprendería y encantaría al propio Dylan, que vio las posibilidades que se le abrían a su sonido y terminó adoptando la electricidad, con el famoso escándalo que le siguió, al no ser entendido por sus seguidores más folks, que le acusaron de comercial y de traidor.

Además de otras versiones de Bob Dylan (“All i Really Want to do”, Chimes of freedom”) , hay también de Pete Seeger (“The Bells of Ryhmney”) o de Jackie DeShannon (“Don´t Doubt Yourself”).

Las canciones propias de los Byrds en este disco, buenísimas canciones como "I'll feel a whole lot better"o "Here without you", que ya ha aparecido por aquí en el apartado de joyas sesenteras se deben en su mayor parte a Gene Clark, un compositor con muchísimo talento para las melodías.

El disco es una maravilla de principio a fin, para mi gusto, uno de los mejores discos de los Byrds (y, por tanto, uno de los mejores discos de todos los tiempos), lleno de grandes melodías, grandes voces, coros, armonías, y ese sonido de guitarra que lo envuelve todo de una forma tan inconfundible. Una obra maestra.

Hay, además, una reedición cuidadísima en CD, de "Legacy", con muchos extras y una presentación muy buena.

CHUCK BERRY . “Best of Chuck Berry: The Great Twenty-Eight.” (1990, MCA)

Charles Edward Anderson Berry, conocido por todo el mundo como Chuck Berry, uno de los pioneros del Rock and Roll, nacido en St. Louis, Missouri, ha cumplido hoy 80 años.

Sus canciones, su estilo y su manera de tocar la guitarra y bailar, con el famoso “Duckwalk”, el andar de pato, ha sido imitado por muchos músicos, el que más ha reconocido esa influencia es Angus Young, de AC/DC, gran admirador, como Keith Richards o como John Lennon, a quien se le atribuye la famosa frase (que se cuenta en la película biográfica Hail Hail Rock and Roll!) “si alguna vez se piensa en cambiarle nombre al Rock and roll, se le debería poner Chuck Berry”.

De los miles de recopilatorios que hay de Chuck Berry, he escogido éste, por que está considerada la mejor recopilación de Chuck Berry aparecida en disco sencillo.

El sonido y la selección de canciones es excelente, contiene todas las canciones de este genio que no hay que perderse de ninguna manera. Los clásicos entre los clásicos: Johnny B. Goode, School Days, Around and Around, Little Queenie, Rock and Roll Music, You Never Can Tell, No Particular Place to Go, Sweet Little Sixteen, Maybelline, Roll Over Beethoven ...

Vamos, la idea con los recopilatorios es llamar la atención sobre un clásico del rock, y recomendar hacerse con un buen recopilatorio. En este caso yo creo que es inmejorable, que como introducción y para tener lo imprescindible, nada como éste.

De Chuck Berry y de su música se podría decir muchas cosas, aparte de su característica forma de tocar la guitarra, dicen (los que entienden de guitarra eléctrica) que introduciendo la forma característica de tocar la guitarra del Country & Western, adaptándola a una base R&B y rocandrolera, y su maravillosa facilidad para componer riffs, su sentido del ritmo, su voz, y mil cosas más, pero por encima de todo están sus canciones, puro Rock and Roll.

Johnny B. Goode, su canción más famosa, probablemente sea la cancion mas versionada de todos los tiempos, y en los conciertos del grupo madrileño Burning, el fallecido Pepe Risi siempre decía, antes de atacar este clásico al final del concierto: “Una fiesta no es una fiesta si no termina con Johnny B.Goode”.

Con este recopilatorio, empieza sonando para celebrar el cumpleaños de este gran genio del Rock.

SAM COOKE. “The man & His Music” (1986, RCA)

Una mañana, Times Square, en Nueva York, amaneció con una inmensa pancarta publicitaria, donde se leía la siguiente pregunta: "¿Quién es el Cocinero más grande de la ciudad?" ("Who's the biggest Cook in Town?").

Unos dias después, el cartel se cambió por otro, todavía más grande, con una gran fotografía, y un nuevo mensaje que decía: "Sam es el Cooke más grande de la ciudad" ("Sam's the biggest Cooke in town.").

El agente de Sam Cooke, declaró entonces a New York Times: "En resumen, Sam está molesto porque todavía no ha triunfado en la noche de Nueva York y quiere que la gente sepa que está aquí"

Además de este carácter “insolente”, Sam Cooke es, para mi gusto, uno de los mejores cantantes que han existido.

Además de tener una voz excepcional, fuerte y a la vez melódica, sabía controlarla y utilizarla a la perfección, jugar con su voz como si fuera un instrumento. Además, su estilo es muy personal, con canciones "Soul", pero muy melódicas y próximas al pop.

Sam Cooke, es uno de los grandes clásicos del soul, y este recopilatorio es de los mejores y más completos. Ideal para introducirse en la música de este fenómeno: Un clásico.

Sus grandes éxitos comenzaron en 1957, año en que grabó “You send me” que se convirtió en su primer gran éxito, y a partir de ahí, hasta el 65 llego a encadenar 29 top 40 en las listas de pop americanas y 34 en las listas de R&B.

Todo un fenómeno, con un final trágico, cuando, en 1965, fue asesinado a balazos en la habitación de un hotel por una admiradora despechada.

Este recopilatorio recoge 28 de las mejores canciones de este grande, desde su primer gran éxito “You Send Me”, pasando por sus clásicos “Wonderful World”, “Bring it on Home to Me”, “Cupid”, “Only Sixteen”, “Another Saturday Night”, “Twinstin´The Night Away” o “Chain Gang”.

Un gran recopilatorio, imprescindible.

ELVIS PRESLEY. 68´ Comeback Special (Especial Televisivo, NBC)

Aunque fue grabado en junio, este especial se emitió el 3 de Diciembre de 1968 en la NBC, con el nombre de “Elvis”, pero ha pasado a la historia con el nombre de "`68 Comeback Special" .

Y fue un extraordinario y sorprendente éxito de crítica y de público.

Era la primera actuación con público en vivo que Elvis realizaba desde 1961, y significó la recuperación de Elvis Presley como número 1 y rey del rock.

En la década de los 60, Elvis se dedicó más bien a la grabación de películas, y sus discos eran las bandas sonoras.

Tras 29 Películas y cincuenta discos de oro, en 1967 parecía que el fenómeno Elvis Presley llegaba a su fin. En Hollywood se le consideraba como una broma de otra época.

No sólo los ejecutivos de los estudios se reían de sus películas, ni siquiera gustaban a sus fans. Los ingresos comenzaron a descender.

Elvis no sabía hasta qué punto había sido olvidado por el público, y, consciente de ello, el productor y director del espectáculo, Steve Binder, le sugirió que fueran a una esquina de Sunset Boulevard para ver cómo reaccionaba la gente. Elvis aceptó pensando que sería un baño de multitudes. Casi nadie le reconoció. Para Elvis fue terrible.

Así que se empleó a fondo en este programa, que algunos consideran la mejor actuación de la carrera de Elvis, y fue algo así como una vuelta de Elvis a sus orígenes, empezando por los músicos: Scotty Moore y D.J. Fontana, sus músicos del principio, e incorporando a Charlie Hodge, y Alan Fortas.

En aquel concierto, donde Elvis aparece vestido de cuero negro, con una guitarra, sobre un pequeño escenario Elvis despliega todo su carisma, fuerza y magnetismo, todo aquello que le había convertido en la estrella más famosa del rock and roll de toda la historia, y volviendo a sus raíces rockeras, blues y gospel. Demostrando que todavía era un magnífico intérprete de directo.

Tras una parte introductoria, con las famosas “poses” con su traje totalmente de cuero y su guitarra, el especial se compone de dos partes, el espectacular y famosísimo concierto en el que Elvis aparece mitad del concierto sentado, junto a sus músicos, sólo con guitarras, en lo que parece un antecedente de los ahora famosísimos unplugged, y mitad de pié interpretando sus mayores éxitos, y otra serie de canciones , ya con diferentes trajes, en una serie de vídeos con coreografías especiales, y con su habitual facilidad para hacerse con el público y para llenar el escenario: El rey había vuelto.

Como final, el Rey interpreta la canción “If I Can Dream”, basado en la figura de Martín Luther King y su discurso en la marcha por los derechos civiles. Esa canción supuso la vuelta de Elvis a las ventas millonarias y al primer puesto de las listas.

Este especial, además de ser buenísimo tanto por su música- muy buenas canciones, y es increíble como cantaba este hombre- como por las imágenes, es uno de esos momentos míticos y legendarios en la historia del Rock, y que ningún aficionado al Rock and Roll se puede perder. Además hay una reciente edición “Deluxe” en DVD con muchísimos extras.

THE BEACH BOYS. “Today”. (1965, Capitol)

En 1964 comienza la llamada “Invasión Británica”, liderada por los Beatles, una serie de formaciones británicas de pop que arrasó en las listas de éxito, lo que ponía en peligro la supremacía que tenían hasta entonces grupos como Beach Boys en los EEUU.

Esto preocupó mucho a Brian Wilson, que estaba, además, obsesionado con hacer el disco perfecto, y abandona por un tiempo las actuaciones en directo, con la idea de dar un giro a la música del grupo, siendo sustituido por Bruce Johnston y Glen Campbell, y se centra en la producción y la composición.

De ahí salen excelentes discos como "The Beach Boys Today!"

En este disco, además de la versión del clásico “Do You Wanna Dance”, con una producción muy en el estilo Phil Spector o temas propios en esa línea como “Dance, Dance, Dance”, podemos ver la transición entre lo que, hasta entonces, venía haciendo el grupo (Pop fresco y desenfadado, de temática playera) como las anteriormente citadas, o “Help Me Rhonda” (la canción “estrella” de este disco, número 1 en las listas como single, aunque la versión del disco es bastante menos comercial), y el pop más elaborado, más barroco, que haría Brian Wilson a partir de entonces, como en “When i Grow up”, o la cara B del disco, balada tras balada a cual más “elaborada”, con arreglos espectaculares y un cuidadísimo trabajo de producción, además de las voces marca de la casa, como las preciosidades "Please Let Me Wonder" y "She Knows Me Too Well".

En fin, un disco que empieza a cuidar muchísimo la producción, que ya está pensado como un todo, como disco LP en sí mismo y no una sucesión de "singles" sin conexión, que se va acercando a sonidos barrocos o “Sunshine Pop”, en busca de la melodía perfecta, sin dejar de tener la frescura de sus anteriores canciones.

Un gran disco, uno de los mejores de este gran grupo.

DAVE EDMUNDS BAND. ”I Hear You Rockin`” (1987, Columbia)

Tremendo disco en directo de Dave Edmunds y su banda, y una forma muy buena de introducirse en la música de este genial músico, productor, compositor, guitarrista y cantante.

Dave Edmunds es un rockero de raices que nació en Cardiff, Gales, y que creció escuchando rock'n'roll, asi como blues y country.

Durante los años 60 Edmunds tocó en una serie de bandas locales de blues antes de formar Love Sculpture, un trio de blues-rock psicodélico con el que alcanzó cierto éxito a finales de la década.

Más tarde formaría, junto a Nick Lowe, los fantásticos Rockpile, aunque también es muy reconocido por su labor como productor (Flaming Groovies, Stray Cats, Dion, etc).

En este disco encontramos sus mayores éxitos (Girls Talk, I Hear You Knocking) así como excelentes versiones de canciones de Elvis (Paralysed) Dion (The Wanderer) o el mismo Lowe (I Knew The Bride).

Con su estilo potente, elegante e inconfundible, entre el Rockabilly, el country y la New Wave, y acompañado por una gran banda, realiza un disco excelente, con un gran sonido.

Divertido, cañero, ... muy aconsejable.

LITTLE RICHARD. “The Essential Little Richard” (1989, Specialty)

Un buen recopilatorio de este genio me parece imprescindible.

Richard Wayne Penniman, un personaje bastante extravagante y único, un músico espectacular y un cantante lleno de fuerza y de ritmo, que revolucionó el mundo del Rock and Roll con su forma de cantar, de tocar el piano y de comportarse sobre un escenario.

“El arquitecto del rock”, como también se le ha llamado, ha sido una gran influencia para multitud de formaciones posteriores por su manera agresiva de cantar y tocar el piano, un rock and roll lleno de energía y potencia, y con influencias del R&B, Soul o Gospel.

Entre los grupos que deben mucho a Little Richard se encuentran The Beatles, The Rolling Stones, Eddie Cochran, MC5, Carl Perkins, Creedence Clearwater Revival o The Sonics, entre muchos otros.

Con 19 años, en 1955 publica su primer número 1, la canción Tutti Fruti, el primero de una larga lista de números 1: Tutti Frutti, Long Tall Sally, RipIt Up, Lucille, Jenny, Jenny, Keep a Knockin’, Good Golly Miss Molly, Ooh! My Soul,...

Todas ellas han sido objeto de versión a cargo de numerosos grupos y cantantes en todo el mundo.

Posteriormente, abandonaría la música durante cinco años, entre 1957 y 1962, para dedicarse a ser Ministro de la Iglesia Pentecostal, después de sobrevivir a un incidente al arder un motor del avión en el que viajaba, durante una gira.

Regresó en 1962 y en 1968, Little Richard ya había vendido 32 millones de discos.

En fin, con este recopilatorio, veinte canciones de las más significativas, muy bien seleccionadas y con muy buen sonido, tenemos la posibilidad de introducirnos en la obra de Little Richard. Imprescindible para entender muchos de los discos que aquí se comentan.

THE LYRES. ”Lyres, Lyres” (1986, Ace of Hearts Records)

Liderados por el “rey del farfisa”, Jeff “Mono Man” Connelly (bueno, en realidad el grupo es él, ya que cambiaba a los miembros según sus necesidades o su estado de ánimo, pasando alrededor de 40 miembros por la banda desde su creación), se formaron en Boston a finales de los 70, surgiendo de las cenizas del (estupendo) grupo de rock garajero DMZ.

The Lyres son uno de los mejores grupos de la época del revival garajero, con un toque soul y pop que no tenían otros grupos de la época, influidos por los sonidos garajeros, pero también por el pop sesentero, de grupos como los Kinks.

Practicaban un rock de garaje muy influenciado por los grupos británicos de R&B, o por los Kinks, en el que el viejo “farfisa” tiene un protagonismo absoluto.

Lyres Lyres es su tercer disco, para mi gusto el mejor, un disco muy variado, donde, además del rock garajero salvaje de canciones como “Not Looking Back”, “How Do you Know?”, “You Won´t be sad Anymore”, o versiones excelentes como “No reason to complain”, tiene también una serie de canciones lentas con un sonido claramente soul. (“If you want my love”, una versión lenta de su clásico “She Pays The Rent”, “I love Her Still, I Always Will” etc)

Un gran disco, todo un clásico del revival garajero, de la que era la banda número 1 de las muchas que poblaban la escena “punk” y “garaje” de Boston. De escucha obligatoria para cualquier fan de este tipo de sonidos.

ROCKPILE .”Seconds of Pleasure” (1980, Columbia)

A mediados de los años 70 comienzan a trabajar juntos dos excelentes músicos, compositores, productores y cantantes, el músico nuevaolero inglés Nick Lowe (como Bajista) y el guitarrista y cantante de Rock and Roll clásico y rockabilly galés Dave Edmunds , formando junto con otros dos grandes músicos, Billy Bremer (a la guitarra rítmica) y Terry Williams (a la batería) el cuarteto Rockpile.

Por razones contractuales de los dos líderes, este gran grupo no publica discos, sino que participa en los Lps que van publicando Nick Lowe y Dave Edmunds, cada uno con su propio nombre. (Entre otros, grandes discos como “Jesús of Cool” y “Labour of Lust”, de Nick Lowe, y “Tracks on Wax” o “Repeat When Necesary”, de Dave Edmunds).

Rockpile como tal únicamente publicaron un LP, este extraordinario disco, “Seconds Of Pleasure”, aparecido en octubre de 1980, un año antes de que el grupo se disolviera.

Seconds Of Pleasure es un disco maravilloso, con un estilo en la línea de lo que se conoció como pub rock, mezcla de rock and roll clásico, rockabilly y power pop nueva olero, un disco variado y fresco, muy bien ejecutado por estos cuatro grandes músicos.

Una maravilla repleta de grandes canciones, como “Teacher, Teacher” ,“Heart” (sobre todo), “Now And Always”, “When I Write The Book”, “If Sugar Was As Sweet As You” o “Fine, Fine, Fine”.

Venía, además, acompañado de un EP con cuatro versiones que Nick Lowe y Dave Edmunds realizaron de canciones de Los Everly Brothers.


Después de este disco, Nick Lowe y Dave Edmunds continuaron con sus carreras en solitario, Billy Bremner se incorporó a Los Pretenders y Terry Williams se unió a Dire Straits.

DAVID BOWIE. “The Rise & Fall of Ziggy Stardust & the Spiders from Mars” (1972, Virgin)

En 1972, año de publicación de este disco, David Bowie era ya un artista reconocido por su música y su voz, pero también por su originalidad y su estética. Todo esto está más que demostrado en este impresionante disco, y de qué forma.

En él, David Bowie se transforma en “Ziggy Stardust”, un personaje que aparece en este disco y continúa en el siguiente “Aladdin Sane” (otro excelente disco) , y en el que Bowie se convierte también en sus conciertos a lo largo de 1972 y 1973.

“Ascenso y caída de Ziggy Stardust y las Arañas de Marte” es un disco conceptual (tan habituales en los 70) que cuenta la historia de Ziggy Stardust, un extravagante y ambiguo alien que se convierte en estrella del rock, y de su grupo, The Spiders from Mars.

La historia es la siguiente: Ziggy aterriza en pleno centro de Londres (Heddon St., tal y como muestra la portada del disco) y canta su mensaje: a la Tierra tan sólo le quedan 5 años de existencia.

Su mensaje y la forma de cantarlo tiene tanto éxito que se convierte en una gran estrella del rock, junto con su grupo, The Spiders from Mars.

Sin embargo, todo se estropea, la fama se le sube a la cabeza, no es capaz de asimilar su éxito y es víctima del “estilo de vida” del Rock and Roll y, finalmente Ziggy acaba siendo asesinado por sus propios fans.

Además de la temática y la estética del personaje, el sonido del disco es realmente extraterrestre para la época, Sonidos guitarreros mezclados con extravagantes efectos de sintetizador, arreglos de cuerda y metales, junto con otras canciones interpretadas a piano, algo realmente raro y original.


David Bowie cuenta una vez más con la colaboración del excelente guitarrista Mick Ronson (un músico fundamental en el sonido “Glam Rock”), que ya tocó con el discos anteriores y que posteriormente intervendría, con el mismo David Bowie, en el disco “Transformer” de Lou Reed.

Colabora también Rick Wakeman en los teclados.

El disco es muy adictivo, sorprendente, lleno de cambios. En su época, absolutamente innovador.

Además de su sonido y de la voz de David Bowie/ Ziggy Stardust, adaptándose a cualquier tipo de canción, con la teatralidad propia del caso, no olvidemos que está representando a un personaje, que nos está contando una historia a lo largo de sus canciones, está lleno de canciones buenísimas, tiene de todo, desde canciones más duras y guitarreras, ruidosas, como “Rock and Roll Suicide”, hasta canciones algo más acústicas, pero con mucha fuerza, como la misma “Five Years”, canciones de rock clásico como “Hang on to Yourself”, y otras grandes canciones como “Starman”, “Lady Stardust”, “Ziggy Stardust”, etc. No tiene desperdicio, todas las canciones son buenísimas.

Un discazo impresionante, muy influyente en su época y, para mi gusto, uno de los mejores de todos los tiempos, que salió al mercado en junio de 1972, y que ningún aficionado al Rock se puede perder.

Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965-1968 [BOX SET] (1998, Rhino)

Editado originalmente por la discográfica “Elektra” en 1972, La “biblia” del garage sixties, la psicodelia, los sonidos punks, underground y Fuzz americanos, era un asombroso LP doble que recogía 27 canciones, la mayoría de ellas lejos de las listas de éxito, de rock americano de mediados de los sesenta, desde sonidos beat y garage-beat hasta el rock más ácido y psicodélico, todos los estilos que fue recorriendo el garage original: fuzz, folk-rock, psicodelia, etc.


Considerada la principal “responsable” de la recuperación del interés por estos sonidos, recopilaba en concreto 27 canciones seleccionadas y comentadas por Lenny Kaye, periodista y crítico de Rock, Productor y más adelante guitarrista del grupo de Patti Smith.


Además de Patti Smith, grupos como Ramones, Talking Heads o Rem se declaran fans de esta recopilación. No hay más que ver varias de las versiones que los Ramones han hecho, cuyos originales se encuentran aquí. (Little Beat of Soul, Seven and Seven is, Journey to The Center of the Mind, ...)

En 1977 fue reeditado por Sire Records y, ya en manos de Rhino, fueron editándose nuevos volúmenes a finales de los 80.


Todo lo que se diga sobre el trabajo de Rhino es poco, sus recopilatorios están hechos con verdadero espíritu de fan y con un gusto y una calidad fuera de lo común, y en este caso, la reedición del mítico Nuggets se componía de una caja con cuatro CDs que recopila, junto a los originales, varios más de los mejores grupos americanos de garage, psicodelia, northwest punk y demás.


Grupos conocidos, algunos de cierto éxito en la época (Paul Revere & The Raiders, Music Machine, The Human Beinz, The Kingsmen, The Sonics, Standells, Lollipop Shoppe, Count Five, Chocolate Watchband, Seeds, Remains, Love, etc) y grupos desconocidos (Barbarians, The Rationals, The Bees, Humane Society, The Gestures, Richard & The Young Lions, etc). En total 118 canciones impresionantes en una recopilación de escucha obligatoria para cualquier amante de los sonidos sixties.

Podemos encontrar y descubrir grandes canciones, versionadas mil veces por grupos de Revival garagero de los 80 o grupos Punks como los Ramones, y aún ahora, grupos que influenciaron el movimiento punk, así como los primeros pasos de grandes músicos que alcanzarían reconocimiento más adelante, como Todd Rundgren con The Nazz, Ted Nugent con el fantástico grupo The Amboy Dukes, Billy Gibbons, guitarrista de ZZ Top con los 13th Floor Elevators, así como el embrión de lo que serían los mismísimos Creedence Clearwater Revival, bajo su primer nombre, The Golliwogs.

La caja, además, viene con una presentación espectacular, incluyendo un libreto de 95 páginas con fotografías de los grupos más importantes, créditos de las canciones, información sobre los grupos, y las notas de Lenny Kaye para la recopilación original.
Este libro viene en una caja de cartón duro junto con los cuatro discos, cada uno en su caja con su portada.

El sonido, además, es bastante bueno. Una recopilación de matrícula de honor en todos los sentidos, un 11 sobre 10, que me parece imprescindible para cualquier aficionado al sonido sixties, al garage y hasta al punk.