FELIZ NAVIDAD

Pues eso, feliz navidad a todos.

Esta es la versión de Rocky Sharpe & The Replays.

THE CARS. ”Heartbeat City” (1984, Elektra)

Después de unas semanas un poco “ajetreadas” volvemos a lo grande. Una gran portada para un gran disco. Uno de mis favoritos de siempre.

Para mi gusto el mejor disco del que fue uno de los grandes grupos estadounidenses de la New Wave, de los muchos –y buenos- que surgieron a partir de mediados de los 70 (Blondie, Devo, B-52’s, Suicide, Talking Heads, etc). También fue uno de los que más éxito obtuvo.

Este éxito se debe seguramente a que acertaron con unas producciones, orientadas al mercado masivo (producciones para todos los públicos, a veces muy cerca del AOR) pero sobre todo por su gran facilidad y talento para crear melodías y estribillos casi perfectos, y su habilidad para situarse en un lugar intermedio entre el pop y el rock, su estética y su acierto al utilizar los vídeoclips, una forma de promoción que estaba empezando por entonces.

Así, el video de "You might think", fue el primer ganador del "video del año" de la recién fundada MTV.

Además, consiguieron llamar la atención de Andy Warhol, que no sólo les dirigió otro video de este álbum ("Hello again") sino que encima sale en él. En esa época, eso era sinónimo de buenas críticas de los gurús del “pop de vanguardia”, por muy comerciales que fueran The Cars.

The Cars, formados en 1976 en Boston, estaban liderados por Rick Ocasek, que se repartía la voz principal con el bajista Benjamin Orr, acompañados por el guitarrista Elliot Easton, el teclista Greg Hawkes (que le daba ese sonido característico y, por entonces, innovador) y el batería David Robinson.

Su primer éxito lo obtuvieron con una gran canción, de las mejores del grupo, “Just what i Needed”, que alcanzó el nº 3 en la lista Billboard, y se mantuvo con otros singles de su primer disco, como "My Best Friend's Girl"

Después de otros tres discos (Candy-O, Panorama, Shake it Up) con singles de cierto éxito, en 1981 se tomaron un descanso para dedicarse a sus carreras en solitario, y en 1984 vuelven con este Heartbeat City, su quinto y mejor disco, una colección sensacional de singles: canciones pegadizas, estribillos redondos, producciones comerciales con esos teclados “marca de la casa” y un cierto toque “Glam”: “Hello Again”, “Magic”, “You Might Think”, “Heartbeat City”, “Drive”, “It’s not the Night”, “Looking for Love” … que les llevaron a los primeros lugares de las listas de ventas de todo el mundo, ayudadas claro está, por su acierto con los vídeos.

Después de este disco, The Cars ya prácticamente desaparecieron del mapa. Simplemente un grandes éxitos, de 1985, y un último disco “Door to Door” que no tuvo apenas repercusión, por lo que decidieron separarse y continuar sus carreras en solitario, de la que la más destacable es la de Rick Okasek, más como productor (destacan especialmente sus producciones de los discos azul y verde de Weezer) que como músico (ha sacado varios discos que no están mal pero sin demasiada repercusión, por ejemplo “troublizing”, de 1997, me parece un disco bastante bueno).

En fin, un grupo y un disco que hay que tener muy en cuenta.

B-MOVIE. “Nowhere Girl”.

Si hay una canción de los 80 que me encanta desde la primera vez que la escuché, y que jamás me canso de escuchar, esa es el himno de Tecno-pop nuevaolero de los ingleses B-Movie.
Esta es la canción más recordada de este grupo, originario de Mansfield, Inglaterra. Hasta el punto de que es uno de esos casos en los que la canción “devora” al grupo.
Todo el mundo, o casi, recuerda esta canción, que tuvo mucho éxito en España, sobre todo en su versión larga, la del Maxisingle.
Sin embargo, casi nadie recuerda al grupo y, en el caso de recordarlo, siempre unido a esta canción. Muy pocos serán capaces de decir otra canción de B-Movie.
Pero tenían otras muchas canciones, y muy variadas, (más tecno, más oscuras, más guitarreras) y, para mi gusto, con un nivel medio bastante bueno, como Remebrance Day o Marilyn Dreams, por ejemplo.

Sobre la canción y sobre el grupo, se podrían contar muchas curiosidades, y datos relativamente desconocidos, por ejemplo:

· Se formaron en Mansfield, Inglaterra, y estaban liderados por Steve Hovington, bajista y cantante, además de compositor.
· En un principio (finales de los 70) se llamaban The Aborted, y eran una banda de Punk Rock.
· Se cambiaron el nombre a B-Movie inspirándose en el título de un cuadro de Andy Warhol.
· No tenían teclados hasta 1981, con la incorporación del teclista Rick Holliday, reclutado a través de un anuncio en una revista musical, buscando un cambio de estilo a sonidos más nuevaoleros que, efectivamente, se produjo.
· Su primer éxito no fue Nowhere Girl, sino "Remembrance Day" en 1981, que alcanzó el puesto 61 en las listas británicas.
· De hecho, Nowhere Girl no fue su mayor éxito en Inglaterra, ya que sólo pudo alcanzar el número 68 en las listas. No así en el resto de Europa, donde alcanzó el Top Ten en varios paises ,como Holanda o Francia.
· Antes de lanzar el single de Nowhere Girl, ya vinieron a actuar a España, en una gira europea por Holanda, Bélgica, Francia y España, que les trajo a Barcelona y Madrid (el recordado concierto en rockola). Curiosamente en esos países es dónde más éxito tuvo posteriormente el single (supongo que no sería casualidad).
· El título de la canción, "Nowhere Girl" está basado en el título de una novela de Angela Huth.
(http://astore.amazon.co.uk/genrebookrevie09/detail/0002210762)
· Formaron parte de la gira Some Bizarre, junto a otras bandas nuevaoleras, como Soft Cell, Depeche Mode y The The, que tocaron ante 3000 personas en 1982 en el Lyceum de Londres, uno de los acontecimientos importantes en los inicios de la new Wave inglesa.
· Compartían manager con Soft-Cell, que, tras el éxito de la versión de Tainted Love, pasaron a ser favoritos, ocupando prácticamente todos los esfuerzos de promoción del manager.
· Tampoco tuvieron demasiada suerte con su compañía, Deram, que prácticamente no los promocionó debido a los muy modestos éxitos conseguidos en su momento (siempre por debajo del 60 en listas).

En fin, es un buen momento para recordar a este grupo, que practicaba una música nuevaolera en el estilo de Depeche Mode, Human League, Soft-cell, etc, y que no tuvo la suerte que merecía, y la canción por la que han pasado a la historia.

De hecho, en 2002 se publicó un recopilatorio con versiones alternativas para las sesiones de la BBC, que merece bastante la pena, como cualquiera de sus otros recopilatorios (Nightmares in Wax, por ejemplo, aunque con pocas canciones, está muy bien.)

nowhere girl you're living in a dream,

nowhere girl you stay behind the scenes,

nowhere girl you never go outside,

nowhere girl cause you prefer to hide.

every night, every day
in that all old familiar light

you hang up when i call you at home.

and i try to get through

ant i try to talk to you

but there's something stopping me from getting through.
nowhere girl what you had you need,

nowhere girl all functional and neat,

nowhere girl in self-imposed exile,

nowhere girl a martyr-like denial.

every night, every day

in that all old familiar light

you hang up when i call you at home.

and i try to get through

and i try to talk to you

but there's something stopping me from getting through

Y aquí va esta maravilla:

http://es.youtube.com/watch?v=l8viHVNdeZM

JEFF LYNNE

El que es, para mi gusto, uno de los mayores genios como intérprete, compositor y productor, de la música popular de todos los tiempos, nació en Shard End (Birmingham) el 30 de diciembre de 1947.

En 1967 forma un grupo de pop psicodélico, Idle Race, que graba dos sensacionales LPs, ”Idle Race” y “Birthday Party”, muy bien considerados por la crítica pero con muy poca (o ninguna) repercusión ni éxito comercial.

Las cosas empiezan a cambiar cuando un amigo suyo, otro genio llamado Roy Wood, le propone unirse al grupo The Move.

Después de que Roy Wood le insistiera varias veces, Jeff Lynne accede, y este excelente grupo grabaría, con Jeff Lynne en su formación, dos discos “Looking On” y “Message From The Country”, hasta que los propios Lynne y Wood lo disuelven para dedicarse a una tarea más ambiciosa, unir el pop al más puro estilo Beatle, con la música clásica. El resultado es lo que se conoció como pop/rock sinfónico.

Esta música, tal y como la imaginaban estos dos genios, requería la utilización de violines, violonchelos y otros instrumentos nada habituales en una formación de pop/rock, para lo que contratan músicos con formación clásica, y forman la Electric Light Orchestra, uno de los mejores grupos de pop/rock de todos los tiempos, que publicaría su primer LP en 1971 con el título de ELO.

A este disco, por cierto, en los USA se le tituló “No Answer” debido a una confusión, ya que el jefe de la discográfica americana le dijo a su secretaria que llamase a Don Arden (manager de la ELO y dueño de Jet, la discográfica inglesa que lo publicó) y le preguntase el nombre del disco.

Y como no le contestaban el teléfono, la secretaria le dejó una notita a su jefe que ponía "No answer".

El jefe pensó que se llamaba así, y hasta el día de hoy y para siempre, ese es el título del primer disco de la ELO en los Estados Unidos.

Después de este disco, Roy Wood decide abandonar la ELO, formando otro buen grupo, Wizzard, dejando en la ELO el liderazgo indiscutible de Jeff Lynne, que, en principio, sigue la misma línea, aunque va integrando nuevos elementos (sintetizadores, etc) que van conformando el sonido inconfundible no ya de la ELO, sino de todas las producciones firmadas por Lynne.

Los discos de la ELO se van sucediendo, y cada vez va obteniendo un mayor éxito comercial, sin perder ni una gota de su calidad (al contrario, las composiciones también van ganando cada vez más, sobre todo en cuanto a melodías y coros, de inspiración “beatle”).

Así en 1976, publica “A New World Record”, una obra maestra que obtiene un éxito comercial enorme, que se repetiría con “Out of The Blue”, un sensacional disco doble que termina de poner al grupo entre los más famosos, escalando hasta lo más alto de las listas de éxitos con Mr. Blue Sky, Sweet Talking Woman, Turn to Stone, etc.

El disco, además de comercial, es de una calidad extraordinaria. A día de hoy todavía se le considera el mejor de la ELO.

Ya casi en los 80, y con el modelo un poco agotado, Lynne se dedica a experimentar, logrando buenos discos como “Discovery” (Very Disco), donde hace sus experimentos con la música discotequera, con canciones como “Last Train to London”, bandas sonoras como “Xanadú”, a la que la ELO aporta cinco excelentes canciones, y “Time”, gran disco, de sonidos y temática un tanto marcianos, y su último número 1 en las listas de ventas.

A partir de aquí, aún con alguna buena canción, los discos ya empiezan a decaer, y el sonido empieza a hacerse repetitivo, y la ELO pierde su frescura, por lo que Jeff Lynne decide disolver el grupo y comenzar su segunda gran etapa, la de productor, compositor y recuperador de sus artistas favoritos, alguno de ellos en horas bajas.

La cosa empieza con la vuelta de George Harrison a las listas de éxitos produciendo el disco “Cloud 9”, y aprovechando para fundar el Supergrupo Travelling Wilburys, formado nada menos que por Jeff Lynne y George Harrison, junto con Tom Petty, Roy Orbison y Bob Dylan, que graban dos discos, el primero de ellos sensacional, y el segundo, ya sin Roy Orbison, no tan redondo aunque sí con algunas canciones muy buenas.

Entre medias recupera también a Roy Orbison, produciendo y componiendo su primer gran éxito comercial después de muchos años, la canción “You Got It”, y el disco en el que está incluida, “Mistery Girl”.

Posteriormente produciría otros discos, nada menos que de Tom Petty, Joe Cocker, Ringo Starr o Del Shannon, entre otros, y colaboraría como co-productor y co-compositor en la vuelta de Brian Wilson, y en el “Flaming Pie” de Paul McCartney.

También cumpliría su sueño: Trabajar con (o para) los mismísimos Beatles en su Anthology (1996), produciendo las dos canciones inéditas que contiene: Free As A Bird y Real Love.

Además, en 1990 publica su único disco en solitario, con la colaboración de George Harrison y Richard Tandy (teclista de la ELO), “Armchair Theatre”, un disco bastante bueno que, sin embargo, no tuvo ninguna repercusión. Pero que merece mucho la pena.

A principios de este nuevo siglo y superados ciertos problemas legales con el nombre, Jeff Lynne recupera a la ELO, publicando en 2001 un buen disco, “Zoom”, en el que vuelve a colaborar su amigo George Harrison y que, en realidad, es prácticamente otro disco en solitario, ya que de la formación de la ELO sólo queda Richard Tandy, además, claro, del propio Jeff. Destaca, entre todas, una gran canción: “Moment in Paradise”.

Últimamente, se sigue dedicando fundamentalmente a producir, con su inconfundible estilo, otros discos, como el disco póstumo de George Harrison, “Brainwashed”, y el último de Tom Petty, “Highway Companion”.

Aquí está, sacado de Youtube, el clásico “Sweet Talkin’ Woman”, del LP doble “Out of The Blue”, una de mis canciones favoritas de la ELO.

Esta canción me encanta, porque además de la melodía y el estribillo, geniales; es prácticamente un muestrario de todo lo que suele incluir este fenómeno en su sonido: Los violines, los coros, las marcianadas, etc.

http://es.youtube.com/watch?v=_pVihntUEVw

Bob Dylan. “Time Out of Mind”. (1997, Columbia)

El 30 de septiembre de 1997, por fin, Bob Dylan estaba de vuelta. Llevaba siete años sin publicar composiciones propias, sólo un par de discos de versiones de viejas canciones Folk y Blues y un directo.

Lo cierto es que ya no se esperaba demasiado de él, parecía que iba a ser otro de los grandes “dinosaurios” que habían sido grandes en el pasado y se dedicaban a vivir de las rentas.

Y, de repente, el genio estaba de vuelta. Bob Dylan sorprende al mundo musical con un disco excepcional, para mi gusto una obra maestra y uno de los mejores de su carrera, el que hacía el número 30 de sus discos grabados en estudio: Time Out Of Mind.

Ahora es muy normal ver a Bob Dylan recibiendo todo tipo de parabienes y de críticas positivas por cada cosa que hace, antes de este disco eso no era tan habitual. Aquí es dónde el genio de Minessotta recupera el crédito. El disco fue recibido por la crítica con muy buenos ojos, y alcanzó el Top Ten, obteniendo un disco de platino, cosa que Dylan no conseguía desde hacía 20 años, y ganando 3 premios Grammy. (Mejor disco, Mejor disco Folk y mejor intérprete masculino de Rock por la (sensacional) canción “Cold Iron Bounds”.

Durante su discurso, dijo: "Sólo me gustaría decir que una vez cuando yo tenía dieciséis o diecisiete años, fui a ver a Buddy Holly en el Duluth National Guard Armory... Estaba a tres pasos de él... y me miró."

Bob Dylan decía que el espíritu de Buddy Holly había presidido la grabación de este disco, salía a cenar, y estaba sonando, ponía la radio en el coche, y sonaba, entraba al estudio, y alguien lo estaba escuchando… Bueno, anécdotas aparte, lo cierto es que la música de Bob Dylan no tiene demasiado que ver con la del tejano. Tampoco en este disco.
El caso es que su éxito resucitó el interés por Dylan, que dura hasta el día de hoy, y las entradas de sus conciertos se agotaron muy pronto.
Poco después caería gravemente enfermo, de una dolencia cardiaca, pericarditis, que casi le cuesta la vida. Es curioso porque, conociendo este hecho, se puede interpretar en alguna de las letras que Bob Dylan no se sentía bien físicamente (por ejemplo en la canción que más me gusta del disco, “Not Dark Yet” – Aún no ha oscurecido, pero no va a tardar, dice en esta canción.)

Por lo demás, las canciones del disco son, en su gran mayoría, canciones de amor. De amores perdidos, de amores no correspondidos, de amores perseguidos, la desilusión, la pérdida… canciones tristes en su mayoría, pero desde luego canciones muy bonitas, dignas del repertorio de este grande.
Musicalmente las principales influencias son las del Dylan de toda la vida, el Folk con toques country, las clásicas baladas acústicas cantadas con su peculiar voz rota, el blues y el R&B con toques Folk, cantadas como hace mucho tiempo que no cantaba Bob Dylan, y con un sonido y unos arreglos, para mi gusto, muy logrados, con la producción de Daniel Lanois, viejo colaborador de Bob Dylan, por ejemplo, en “Oh, Mercy”, en colaboración con Jack Frost Productions (Bueno, Jack Frost, en realidad, no es otro que el propio Dylan). Crean una atmósfera y un sonido desconocido en Bob Dylan, y que contribuye a hacer del disco algo nuevo, diferente.
El genio estaba de vuelta, y una vez recuperado, ganaría el Oscar por la canción “Things Have Changed”, de la película “Jóvenes Prodigiosos”, y, con el crédito totalmente recuperado, empezaría a publicar discos excelentes ya hasta el día de hoy, y se volcaría en dar conciertos a lo largo de todo el mundo. Hasta hoy, prácticamente, no ha parado.
En fin, un disco muy emocionante que marcaba la sorprendente vuelta de Bob Dylan, que parecía ya en decadencia, a la primera línea, para mi uno de los mejores discos en su carrera, por su sonido, incluso la forma de cantar y, por supuesto, por sus canciones.
Por todas las canciones: “Love Sick”, “Standing in The Doorway”, “Trying To Get To Heaven”, “Not Dark Yet”, “Cold Iron Bounds”… en fin, por destacar algunas.

LA SAGA DE LOS GATOS DESCARRIADOS:

Después de un tiempo investigando, al fin he conseguido seguir de una forma bastante exhaustiva la discografía de los Stray Cats, sus diferentes grupos y sus miembros en solitario. Al final queda un “dossier felino” creo que bastante completo.

La cosa empieza más o menos así:

Nos encontramos en Massapequa, New York, año 1979, cuando Brian Setzer comenzaba sus primeros pasos en un grupo nuevaolero llamado “Bloddless Pharaohs”, bastante alejado de lo que iba a ser su estilo.

Brian reniega un poco de esta época, como algo “mercenario”. Nos han llegado grabaciones más o menos piratas de este grupo, aunque la verdad es que no merece demasiado la pena más que como curiosidad “completista”.

Afortunadamente, de forma paralela, Brian da sus primeros pasos rockeros en directo junto a su hermano Gary a la batería y Bob Beecher al bajo, pronto sustituido por Leon Drucker (más tarde conocido como Lee Rocker), con el nombre de Tomcats, que graban un par de discos con un repertorio formado en su gran mayoría por versiones de clásicos del rockabilly y del r’n’r.
Posteriormente el hermano de Brian abandona, y se les une su compañero de instituto Jim McDonnell (alias Slim Jim Phantom) en la batería y se formó Stray Cats.

Se han editado varios conciertos bajo el nombre de Brian Setzer and the Tomcats y, aunque en alguna de las portadas aparece Slim Jim, éste nunca llegó a grabar con los Tomcats.
Con la incorporación de “Slim” Jim al grupo, el trío comienza a actuar como Stray Cats. En el verano de 1980, la banda decide trasladarse al Reino Unido buscando la oportunidad de iniciar una carrera musical en condiciones.

Tras su tercera actuación en Londres, Dave Edmunds se ofrece a la banda para producirles el que sería primer álbum de Stray Cats. La banda no se lo piensa y comienza a trabajar en el disco, que graban en sólo cinco días en el estudio Eden (Londres), y que se publica por Arista Records en 1981 con el título “Stray Cats”, un éxito absoluto que revoluciona la escena del Rockabilly, marcando un antes y un después, y del que ya se ha hablado aquí, y que les permitiría, ese mismo año, grabar otro disco, con más medios pero menor fortuna, “Gonna Ball”.

Después de este disco, autoproducido y que no les había dejado satisfechos ni a ellos con el sonido, ni al público, teniendo poca respuesta, vuelven a reunirse con Edmunds, con el cual las relaciones siempre han sido buenas, y en poco mas de un mes sale a la calle, en 1983, “Rant n Rave with the Stray Cats”, fabuloso disco que les pone de nuevo en circulación.

Mientras tanto la EMI, consciente del éxito discográfico de estos tres gatos en el viejo continente, y tras una exitosa gira teloneando a los mismísimos Rolling Stones, apuesta por ellos, lanzando a la calle un recopilatorio de los trabajos anteriores (Built for speed)., con el que obtienen gran éxito en E.E.U.U., y la EMI les ofrece un contrato al que no pueden negarse y se instalan en su país.

Este disco estuvo en las listas de éxitos mas de 30 semanas y vendió alrededor de dos millones de copias. Este éxito será el principio del fin. (bueno, del primer fin, ya que volverían a reunirse y a separarse varias veces.)

El regreso a casa repercute en la banda y Brian decide abandonarla. Michael Goldberg (de Rolling Stones) dió a entender que la ruptura tuvo que ver con el enfado de éste con la actitud de la banda y el estilo de vida de sus compañeros.

Tras esta separación, Lee Rocker y Slim Jim, con unas pintas tremebundas (¡qué permanentes, por Dios!) hacen su debut junto al guitarrista de David Bowie, Earl Slick, con el nombre de Phantom, Rocker & Slick, publicando su primer disco en 1985, producido por Keith Richards.

El disco se titulaba como el grupo, “Phantom, Rocker & Slick”. Y, a pesar de las pintas, no está mal.
Antes de su separación, este grupo publicaría en 1986 un segundo LP, titulado “Cover Girl”.

Por su parte, Brian Setzer graba su primer disco en Nueva Cork y California, y lo publica en 1985 con el título de “The Knife Feels Like Justice”.

Todos los miembros, en estas aventuras, habían sacado discos algo alejados de su sonido rockabilly tradicional, por lo que les vuelve a picar el gusanillo rockabilly y los Stray Cats se reúnen en 1986 para sacar un buen disco, con un sonido muy tradicional, “Rock Therapy”.

El disco se graba en Los Angeles, en dos semanas y, después de que, en 1988 Brian edite su segundo disco, mucho más cañero que los anteriores, “Live Nude Guitars”, y participe en la película “La Bamba”, en el papel de Eddie Cochram, con una gran versión del “Summertime Blues”,y Slim Jim y Lee Rocker participen en un programa de la TV inglesa, homenaje a Carl Perkins, en un concierto acompañando al propio Carl Perkins, la mítica “Rockabilly Session”, con Dave Edmunds, Ringo Star y Eric Clapton, entre otros, el trio ya se centra en actuar y grabar nuevos discos, y así vienen, en 1989 “Blast Off!”, en 1990 “Let’s Go Faster” y en 1992 “Choo-Choo Hot Fish”, hasta que, desanimados por la escasa repercusión en relación con épocas anteriores, ponen fin a la historia (de momento) con un disco de versiones, “Original Cool”, publicado en 1993.

En 1994 Brian Setzer comienza a hacer realidad su sueño, recuperar el Swing a través de una Big Band, añadiéndole el sonido de su guitarra y su voz.
El sueño comenzó en 1982, Setzer aparece en un programa de la TV y se queda fascinado con la orquesta y empieza a proponer la idea a sus compañeros de grupo de formar una big-band. Por aquel entonces Stray Cats arrasaban por el Reino Unido y a sus compañeros la idea no les hacía ni pizca de gracia.

Así que el proyecto se aparca hasta 1992. Entonces revive casi por casualidad. Un buen día, cuando Setzer se dirigía a su casa de Los Angeles un músico de sesión le reconoce y le invita a tocar con la que después sería la BSO.
Setzer acepta y lo hace de lujo, convenciéndose (por si necesitaba más) de las posibilidades que una big-band ofrecía. El propio Brian declaró que la única razón por la que antes nadie se había atrevido a formr un rockin´ big-band como la suya es debido a que se necesita escribir la partitura para los músicos. Y tiene que ser a mano, para ganarse el respeto de los mismos, nada de programas informáticos. (Setzer sabía escribir música, y conocía los acordes de jazz gracias a su primer profesor de guitarra, un viejo italiano).
Brian volvió a realizar alguna sesión más con la orquesta y ya fue esta vez él quien propone la idea a los músicos de hacer algo de manera seria y profesional. Los músicos aceptan y comienzan los conciertos por los clubs de L.A.. cosechando un éxito espectacular. Así que les propone hacer una gira por los USA. No le fue fácil, ya que los músicos ganaban más dinero en Los Ángeles que de gira, pero al final, y debido al respeto ganado al escribir a mano las partituras de cada uno de los instrumentos, la banda aceptó.
Lo cierto es que al principio perdió mucho dinero y mucha gente le dijo que no triunfaría con la big band, pero él estaba seguro de su proyecto.
En 1994 The BSO graba su primer L.P,producido por el propio Brian Setzer para Hollywood Records, titulado “The BSO”. Ese mismo año participa con una canción de este LP, en la banda sonora de La Máscara.
En 1995 The BSO vuelve al estudio para grabar su segundo álbum, titulado "Guitar Slinger".
Por fin, ya en 1998, se produce el triunfo absoluto de la Brian Setzer Orchestra, con su LP, “The Dirty Boogie”, Por el disco obtiene tres nominaciones a los premios "Grammy" a mejor álbum por "The Dirty Boogie", mejor canción instrumental por "Sleepwalk" y mejor canción por "Jump, Jive An´ Wail" De los tres, obtiene las dos últimas nominaciones. El grupo sale en todas partes y participa en numerosas bandas sonoras y discos recopilatorios. El disco vende más de dos millones de copias. La BSO llega a actuar en 1999 en la segunda edición del festival de Woodstock.
El éxito continúa y aún se amplía con el siguiente disco, Vavoom, del año 2000, donde repite grammy a la mejor canción instrumental por “Caravan”.
De momento, y hasta el día de hoy, la BSO no volvería a editar un disco con canciones nuevas. Se limita a sacar dos discos de villancicos, Boogie boggie Crhistmas, de 2002, y Dig That Crazy Christmas, de 2005.
Entre medias, la banda editará un grandes éxitos, “Best of The Big Band”, de 2003, y un directo, “The BSO Collection Live”, de 2004, además de varios DVD. (Live in Japan, Live in Montreal, Christmas Stravaganza, etc), y, ya en 2007, un disco interpretando temas de música clásica, titulado “Wolfgan’s Big Night Out”.

Además, Brian Setzer ha ido alternando su carrera en la Setzer Orchestra, a partir de 2001, con diversos proyectos en solitario que le permiten mantener su “dosis” de rockabilly y de Rock and Roll. Como el mismo dice “Yo soy un guitarrista de Rockabilly, no lo voy a negar a estas alturas”.
Así, en 2001 se embarca en un proyecto al que llama 68 Comeback Special con el batería y el contrabajista de la BSO, (Bernie Dresel y Mark W. Winchester). Con ellos graba un sensacional disco, titulado “Ignition”.

Posteriormente, y ya en solitario, editaría Nitro Burnin`Funny Daddy en 2003, Rockabilly Riot Vol 1, un disco de versiones de clásicos de la Sun Records, en 2005, otro disco titulado “13”, en 2006, y acaba de editar en 2007, “Red, Hot & Live”, una muestra de sus ultimos directos por Japon con The Nashvillians ,Robbie Chevrier,Ronnie Crutcher y Bernie Dresel. Con una formación de cuatro músicos (los tradicionales Guitarra, contrabajo, batería, y un segundo guitarrista/teclista). En el incluye canciones de sus dos ultimos discos,Rockabilly Riot:A tribute to Sun Records y 13., además de clásicos de Stray Cats y la BSO.

Por su parte, Lee Rocker, tras la separación de Stray Cats en 1993, comienza a tocar junto con una banda llamada Lee Rocker & Big Blue, con la que saca dos excelentes discos, Big Blue de 1994 y Atomic Boogie Hour de 1995.
Componen esta sensacional banda de Rockabilly con toques blues, Lee Rocker al contrabajo y voz, Mike Eldred a la guitarra y Henree DeBaun a la batería, todos ellos músicos de blues de gran prestigio.
A partir de 1998 y con el disco “No Cats”, comienza su sensacional y altamente recomendable carrera en solitario, editando un disco tras otro, a cual mejor.

Así, editará un directo, Lee Rocker Live, en 1999, Blue Suede Nights en 2001, The Curse of Rockabilly y un grandes éxitos llamado “Burning Love, The Best of Lee Rocker”, en 2005, “Racing With The Devil” en 2006 y su último disco hasta la fecha, el recién salido “Black Cat Bone”, de 2007.
Además, Lee Rocker se dio en 2002 el lujazo de realizar una gira con el guitarrista Scotty Moore –el guitarrista de Elvis, que había ya colaborado en el disco “Big Blue”— a lo largo de los Estados Unidos.

Slim Jim Phantom, por fin, tampoco se queda atrás en cuanto a currículo, y ya en 1999 forma parte de los Swing Cats, junto con Danny B. Harvey (Rockats, 13 Cats, etc...) a la guitarra, y el propio Lee Rocker al contrabajo y voz.
Este grupo editaría cuatro discos, “Swing Cats”, de 1999, “Swing Cat Stomp”, en 2000 y, ya sin Lee Rocker, el “Special Tribute to Elvis”, disco versiones de Elvis Presley con colaboraciones de la talla de Lemmy Kilmister (Motorhead), Johnny Ramone (Ramones) o 13 Cats, del año 2000, además de un disco de villancicos, “Rockabilly Christmas”, de 2001.
En el año 2000 forma The Head Cat, un curioso grupo formado junto a otros dos fenómenos, Danny B. Harvey de Rockcats y Lemmy Kilmister de Motorhead.
Este grupo grabaría dos discos: en el 2000 “Lemmy, Slim Jim & Danny B.”, y el año pasado, en 2006, “Fool’s Paradise”.

Además, se integraría en otros dos supergrupos, Col. Parker junto a Gilby Clarke de Guns n’Roses y Tracii Guns de LA Guns, de los que se edita en 2001 el LP “Rock and Roll Music”, y Dead Men Walking, junto a Billy Duffy de The Cult y Glenn Mattlock de The Sex Pistols, con los que grabó en 2003 el directo “Live at Leeds”.

Slim Jim ha formado parte también del fantástico grupo de neo rockabilly 13 Cats, junto con el propio Danny B. Harvey y Smutty de los Rockcats y Tim Polecat, de The Polecats.
13 Cats han editado dos discos, “In The Beginning!”, de 2002 y “13 Tracks”, de 2003.

En 2004 se edita, además, un curioso disco: En se rescatan los temas grabados por Elvis Presley en las Sesiones Hayride: Unas canciones en directo para la radio, sobre las que RCA no tiene los derechos, del año 55.
Se editan de estas sesiones, seis temas con una nueva base ritmica, que a veces no tiene nada que ver con la original, a cargo de Slim Jim Phantom (bateria), Lee Rocker (Contrabajo) y Danny B. Harvey (Guitarras), es decir, los Swing Cats, con las mezclas de Gilby Clarke. Una curiosa revisión de varios de los clásicos de la primera época de “El Rey”.

Por fin, el año pasado, 2006, Slim Jim participa en el primer proyecto que lleva su nombre y en el que es cantante principal: Slim Jim’s Phantom Trio.

Este proyecto se completa con dos sensacionales músicos, el contrabajista Johnny Bowler, de los míticos Guana Batz, y el gran guitarrista de los Enforcers, Darrel Higham, considerado uno de los mejores guitarristas de rockabilly que actualmente se puede encontrar.

Este grupo ha grabado hasta la fecha un disco, editado en 2006, “The Kat Men”.

Para terminar, no se puede olvidar la histórica reunión de los Stray Cats en 2004, para celebrar el 25 aniversario de la formación del grupo.
Esta reunión tuvo como momento cumbre la espectacular gira europea, en 18 ciudades, entre ellas Gijón y Barcelona.

El concierto de Londres en el Brixton Academy of Music fue recogido en el CD y DVD Rumble in Brixton.
Además, cada uno de estos 18 conciertos fue editado en CD, disponibles tanto por separado como en edición de lujo, los 18 en una caja, con el título de “Live in Europe”.

SWING REVIVAL

En la segunda mitad de los años 90 del siglo pasado aparecieron, no se sabe muy bien de dónde ni por qué razón, un montón de grupos y bandas dispuestas a recuperar la estética y el sonido Swing de los años 30 y 40.

A este tipo de bandas se las encasilló con una etiqueta llamada “Neo Swing”, unas, más files al estilo tradicional del swing años 30, otras, más renovadoras. Casi todas incluían el uso de la guitarra eléctrica, y muchas mezclaban los sonidos Swing con otros más roqueros, como el rockabilly, y hasta con música latina e incluso Ska.

Normalmente se trataba de grupos con formación tradicional de grupo de rock, Guitarra, bajo (bueno, normalmente contrabajo, que tiene un sonido más propio del estilo) y batería, a los que añadían elementos de percusión típicos de la música latina, piano y, por supuesto, la imprescindible sección de viento, compuesta por trompeta, saxo y trombón.

Mis grupos favoritos de este estilo son Big Bad Voodoo Daddy, Indigo Swing, Royal Crown Revue, Cherry Poppin’ Daddies, Hipster Daddy-O & The Hand Grenades o Atomic Fireballs. También me gusta mucho Colin James, un guitarrista canadiense, muy bueno, aunque más orientado al blues, pero que ha sacado un par de discos con canciones en esa línea, acompañado por “The Little Big Band”.

Pero el gran grupo de este “movimiento” o estilo es la Brian Setzer Orchestra. Fue el que hizo popular el estilo, entrando en las listas con “Jump, Jive an’ Wail,”, una versión de Louis Prima, tocada a todo trapo, porque este fenómeno, que todo lo hace a lo grande, no se conformó con una formación típica de Neo Swing, sino que incluye una sección de viento compuesta por trece instrumentos (cuatro trompetas, cuatro trombones y cinco saxofones). Con lo que su sonido se acerca mucho más al de una Big Band, con el añadido de la inconfundible guitarra de Brian Setzer.

Brian Setzer es un músico al que prácticamente le debemos la recuperación del Rockabilly clásico en los 80, con los Stray Cats (Con Robert Gordon, Crazy Cavan o Matchbox, pero la aportación de Stray Cats fue fundamental).

En los 90 se le metió en la cabeza la recuperación del Swing, formando la Brian Setzer Orchestra y grabando discos formados fundamentalmente por versiones, aunque incluyendo alguna canción propia, tanto nueva como de la época de Stray Cats, a pesar de todas opiniones que se lo desaconsejaban, y lo consiguió, con bastante éxito tanto artístico como de ventas y de crítica. Obteniendo, además, dos Grammys al mejor guitarrista, por sus interpretaciones de Sleepwalk y de Caravan.

Para mi gusto, sus dos mejores discos son “The Dirty Boogie” y “Vavoom”.

Esta es una recopilación que he hecho como ejemplo de este estilo musical, que espero sirva para despertar el gusanillo y dar a conocer la música de estos grupos que me parece muy aconsejable, alegre, potente, llena de energía y de ritmo.

Sería una pena que esta recuperación del Swing, ahora que ya no es tan popular, se convirtiera en una moda pasajera. El caso es que, Brian Setzer aparte, los actuales reyes del género, Royal Crown Revue, (uno de los mejores directos que se pueden ver actualmente) editan sus discos en una independiente, con una difusión mucho menor que hace unos años. Y es una lástima.

http://rapidshare.com/files/51808748/Swing_Returns.rar.html


1.The Brian Setzer Orchestra. Gettin’ in The Mood.
2.Big Bad Voodoo Daddy. I Wanna Be Like You.
3.Cherry Poppin’ Daddies. Zoot Suit Riot.
4.Big Rude Jake. Queer For Cat.
5.The Brian Setzer Orchestra. Jump Jive an’ Wail.
6.Big Bad Voodoo Daddy. Mr. Pinstripe Suit.
7.Swing Cats. All I Want Is You.
8.Big Time Operator - It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing).
9.Hipster Daddy-O & The Hand Grenades. Fancy Free.
10.The Flying Neutrinos. Mr. Zoot Suit.
11.Ray Condo, Swing Brother, Swing!
12.The Blues Jumpers. Good Morning Judge.
13.Big Bad Voodoo Daddy. Big Time Operator.
14.The Brian Setzer Orchestra. Americano.
15.Royal Crown Revue. Hey Patchuco!
16.Big Bad Voodoo Daddy. Always Gonna Getcha.
17.The Jive Aces. Blue Moon.
18.Colin James & The Little Big Band. Safronia in B.
19.The Vanguard Aces. Way Down Low.
20.Dr. Zoot. Jumpin’ At One.
21.Big Bad Voodoo Daddy. When it Comes to Love.
22.Royal Crown Revue. Beyond The Sea.
23.Steve Lucky & Rhumba Bums - Come Out Swingin'.

New York State of Mind

William Martin Joel, cantante, pianista y compositor, Nace en el Bronx en 1949, aunque su familia se muda a Long Island, también en Nueva York, siendo muy niño.

A lo largo de su carrera ha grabado 15 discos, ha ganado seis Grammys, incluyendo el Grammy Leyenda en reconocimiento a su carrera,y ha vendido más de 100 millones de disco en todo el mundo. Además, es el sexto artista de la historia que más discos ha vendido en Estados Unidos.

Él cuenta que, cuando vio a los Beatles en el Show de Ed Sullivan, decidió que se iba a dedicar a la música. Tenía 14 años cuando ingresó en su primer grupo, un grupo de versiones, que se llamaba “The Echoes”.

En un principio, además de tocar el piano, se dedicó al boxeo, formando parte del circuito amateur, que abandonaría, afortunadamente, antes de dar el salto al profesionalismo (según él, empezaba a ser muy difícil y peligroso) , para decidirse por la música.

Tiene un gran talento para contar historias, una excelente voz y una gran habilidad como pianista.

Como el mismo dice: "Mi música es una síntesis de toda la música que me gusta. Yo mezclo todos los tipos: clásica, rock and roll, blues, jazz, lo que sea".

Después de pertenecer a varios grupos más, ya en 1972 firma un contrato como solista con Paramount Records. En esta época obtiene cierto éxito en radio con una canción, “Captain Jack”, pero diversos problemas le obligan a irse a California.

Allí se dedicó a tocar el piano en bares con el pseudónimo de Bill Martin, y de esta experiencia viene la famosísima "Piano Man".

Sin embargo, a pesar del reducido éxito, “Captain Jack” no pasaría desapercibida: llamó la atención de Columbia Records que lo fue a buscar a Los Ángeles.

Firma un contrato y entra en el estudio a grabar el clásico “Piano Man”, canción que da título a su primer LP de éxito y seguramente su canción más conocida, la primera que logra entrar en el Top 20, y que se hace famosa en todo el mundo.

En España esta es su canción más famosa, gracias a Ana Belén. Aunque, seguramente, pocos saben de la existencia del original, a pesar de la gran popularidad de Billy Joel, al menos en los USA.

Aquí está el videoclip de este clásico, en dailymotion:

Billy joel - piano man
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Un año después vuelve a Nueva York y graba el disco "Turnstiles". En este disco se encuentra la maravillosa "New York State of Mind" (para mi gusto su mejor canción, de la que haría una inolvidable versión, muy emocionante, en el concierto homenaje a los héroes del World Trade Center, con un casco de bombero sobre el piano. Una de las canciones más bonitas que yo he escuchado, y de las más bonitas que se le pueden dedicar a una ciudad).

En 1978 conseguirá su primer número 1, el LP "52nd. Street". Y se embarcará en una gira de 12 semanas por los USA, que termina con 3 conciertos en el Madison Square Garden. Todos con el cartel de “Sold Out”. A partir de este año, Billy Joel ya es una gran estrella de la música. En ese momento es el músico americano que más discos ha vendido para Columbia.

Le falta sólo el detalle de un single número 1. Eso lo conseguirá en marzo de 1980 con "It´s Still Rock And Roll To Me". Incluido en el LP “Glass Houses”. Este disco tendrá también otros singles de éxito como “All For Leyna”.

Su siguiente disco de gran éxito sería tres LPs después, "An Innocent Man”, con el clasicazo, "Uptown Girl".

Este disco colocó 6 canciones en el Top 40 y 3 en el Top 10.

Posteriormente, vendría su famosísima presentación en la URSS, con disco en directo incluido, y su carrera seguiría cosechando éxitos hasta el día de hoy.

Es aconsejable tener, al menos, un recopilatorio de este hombre, disfrutar de canciones como Piano Man, Uptown Girl, You May Be Right, It´s Still Rock and Roll To Me, New York State of Mind, etc. Hay muchos, hace poco se publicó uno de la colección "The Essential", por ejemplo.

Aquí está la preciosa versión de New York State of Mind que canta en el "A Tribute to Heroes". Traída de Dailymotion.

Billy Joel - New york state of mind
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Malcolm Scarpa

Este guitarrista y cantante, además de escritor, es, para mi gusto, uno de los mejores músicos y de los compositores con más talento que tenemos en España y, sin embargo, es todo un desconocido para el gran público, cosa que realmente no parece preocuparle en absoluto.

A pesar de llevar ya más de 20 años de carrera y más de diez discos grabados, cantando en Inglés y en castellano, sigue a su ritmo, sin preocuparse de modas, de sonar en las radios. Parece ajeno totalmente al negocio musical.

Sus canciones son toda una muestra de buen gusto y cultura musical, alejado de cualquier moda para mezclar, de una forma muy personal, ingredientes como el Jazz, el blues, la psicodelia, el pop con sabor a Ray Davies, o el ragtime y la música más cabaretera.

Canciones bonitas, compuestas e interpretadas con gusto y con sencillez, con cierto aire romántico y una sensación de estar ahí desde siempre y, sin embargo, de ser algo distinto, original.

La crítica siempre lo ha puesto por las nubes aunque, como él mismo dice “De buenas críticas se puede empapelar un cuarto de baño”.

Da la sensación de que puede estar otros 20 años en esto de la música y seguirá siendo un artista de culto, al que no le faltan conciertos tanto para tocar blues como para tocar pop, pero seguirá siendo un perfecto desconocido para la mayoría.

En la segunda mitad de los 90 se integró en un grupo “The Jacquelines”, con el que sí parece que gozó de un poco más de promoción, llegando a actuar en el festival de Benicassim, con buenas críticas, como siempre, pero el proyecto no prosperó y fracasó comercialmente. Lástima, no es lo mejor que ha hecho pero estaba bien.

Sus mejores discos, para mi gusto, son “My Devotion” y “The Road of Life Alone”, los dos cantados en inglés y llenos por todas partes de canciones buenas y bonitas, acústicas, cantadas a media voz, casi al oído. Dos discos muy cálidos que recuerdan un poco, aunque con producciones distintas, más desnudas, aquel disco de Pete Dello de principios de los 70.

Recientemente ha publicado su primer disco totalmente en castellano, “Las Cosas Cambian”. Pero no parece que cambien demasiado para él, otro buen disco, otra colección de canciones bonitas que, otra vez, pasan desapercibidas para el público en general.

Eso sí, queda demostrado que también es muy buen letrista.

http://www.myspace.com/malcolmscarpa

MEAT LOAF. ”Bat Out of Hell” (1977, Epic)

Nacido el 27 de septiembre de 1947 en Dallas, Texas como Marvin Lee Aday, y apodado Meat Loaf por razones obvias, es un cantante dotado con una espectacular voz, y que realiza una música que, como su forma de cantar, está a medio camino entre el Rock and Roll y la interpretación teatral.

De hecho su carrera comenzó en el musical: Muy joven se trasladaría a Nueva York para cantar en obras musicales de gospel, una de ellas, “More Than You Deserve”, escrita por el pianista, compositor y arreglista Jim Steinman. El primer encuentro con un personaje que iba a ser fundamental en la carrera musical de Meat Loaf.

Más tarde, desempeñaría el papel de Eddie en la versión para el cine de la obra musical “The Rocky Horror Picture Show”.

Jim Steinman, con quien Meat Loaf coincidiría en varias ocasiones más, había escrito “Never Land”, un musical futurista basado en el cuento de “Peter Pan”. Ese proyecto sería transformado, junto a Meat Loaf, en “Bat out of Hell”, el drama rockero que lanzó a Meat Loaf al estrellato.

“Bat Out of Hell” es una frase hecha que viene a significar algo parecido a “Como un pulpo en un garage”, aunque Jim Steinman juega con dobles significados.

El álbum se basa en las composiciones, tanto de letra como de música, de Steinman y cuenta con la producción de un genio como Todd Rundgren, además de contar entre los músicos que lo grabaron a los componentes de la E Street Band, Roy Bittan y Max Weinberg, y, por supuesto, con la personalidad y presencia singular de Meat Loaf, y su poderosísima voz.

Meat Loaf y Steinman trabajaron con el material durante un año antes de empezar a grabar, con la idea de construir una avalancha de sonido al más puro estilo Spector.

El disco, efectivamente, es un exceso en todos los sentidos, la orquestación, el muro de sonido, la interpretación de Meat Loaf, las letras, las canciones, todas ellas en un tono épico y grandilocuente, la espectacular portada del dibujante de comics Richard Corben, el ritmo de las canciones, sólo roto por alguna balada …

El disco se queda entre la opera rock y el Hard Rock, aunque es una mezcla de estilos imposible de clasificar, con canciones como “Paradise by the Dashboard Light” (cantada espectacularmente con Ellen Foley – una cantante especializada en obras de Broadway, y que también podemos escuchar en algún disco de los Clash-, y con la voz del comentarista del equipo de los Yankees de Nueva York, Phil Rizzuto), “Two out of Three Ain’t Bad” una tremenda y espectacular balada, y “You Took the Words Right out of My Mouth (Hot Summer Night)” y la espectacular “Bat Out of Hell”, se escucharon por todas partes, y el álbum llegó a ser uno de los 25 álbumes más vendidos de todos los tiempos. En los años 70 vendió 14 millones de discos, y he leído que ya lleva vendidos más de 30 millones. Uno de los 10 álbumes más vendidos de los años 1970 y uno de los discos de debut más vendidos de todos los tiempos.

Para mi gusto es, además, un clásico de la historia del rock y “Paradise” una de mis canciones favoritas. Excesivo, épico, tal vez pretencioso, teatral, a la medida de la voz, forma de cantar, interpretar e incluso ser de Meat Loaf, cuya voz encaja en las composiciones y la producción como un guante.

El disco tendría su continuación años después, con una segunda parte en los 90, y una tercera el año pasado, en la misma línea, para mí dos discos también muy recomendables, aunque no tan buenos.

ELO: TIME (1981 Jet Records)

Por encima de una musiquilla "futurista" escuchamos una voz robótica y marciana (utilizan un "Vocoder") que dice:

Just on the border of your waking mind

There lies another time

Where darkness and light are one

And as you tread the halls of sanity

You feel so glad to be

Unable to go beyond

I have a message from another time

Este es el comienzo de uno de los discos más famosos y vendidos de la Electric Light Orchestra, publicado en 1981. Y uno de mis discos favoritos.

Su noveno disco, después de su participación en la Banda Sonora de “Xanadú”, con Olivia Newton John. Película que fue un completo fracaso comercial, no así la banda sonora, que colocó a la “Orquesta” de Jeff Lynne , tras sus éxitos con “Out of The Blue” y “Discovery”, en la primera línea mundial.

Este éxito permitió a la ELO contar con todos los adelantos y los medios para la producción de “Time”, un disco futurista y “marciano”, muy ochentero, sensacionalmente producido y que suena a lo que todos entendemos como sonido característico de Jeff Lynne, pero con todo lujo de medios y detalles.

Tal vez por eso se le critica como un disco que ha envejecido mal, demasiado marciano, y que ha quedado desfasado, además de que empieza ya a ser repetitivo y muestra el desgaste de un grupo que empezaba ya a decaer.

Yo esa crítica no la comparto. Creo que muy pocos fans de la ELO la comparten.

Para mi gusto, se trata de un disco magnífico, que se puede escuchar perfectamente a día de hoy, al menos tanto como cualquiera de los otros discos de la Electric Light Orchestra, y lleno de canciones memorables, desde el comienzo con Twilight, producidas y arregladas de forma genial, con coros, melodías, un toque electrónico, vocoders, sintetizadores,… vamos, el Jeff Lynne de toda la vida pero con todos los adelantos y medios de los que no siempre había dispuesto, ya sea por falta de dinero, ya sea porque no se habían inventado aún.

Adapta todos esos nuevos elementos y adelantos técnicos perfectamente a su estilo. Sigue haciendo ese sonido inconfundible que sólo Jeff Lynne es capaz de hacer.

Y no se trata de un disco decadente, la prueba es que arriesga en su sonido, incorporando todos esos elementos sin perder su identidad ni su sonido tradicional.

Con lo único que estoy de acuerdo es con que es un disco muy comercial, en la línea que habían empezado sumándose a la música disco con Discovery, se sumaban ahora a la moda tecno.

Pero es la discusión de siempre. Que un disco sea comercial no es “malo en sí mismo”. Se puede hacer música comercial sin dejar de ser un genio, sin dejar de ser un mago para los estribillos, las melodías y los coros, se puede hacer música comercial sin perder calidad, si eso es exactamente lo que se quiere hacer, si no se renuncia al sonido que a un músico le gusta. Y el sonido de Time, por encima de toda esa parafernalia marciana y futurista en arreglos y letras, es 100% Jeff Lynne.

El disco es una sucesión de “singles”, reales o potenciales, uno tras otro: Twilight, 2095 Yours Truly, Ticket to The Moon, Rain is Falling, Here is The News, Hold On Tight, etc.

Yo aconsejo rescatarlo. Nunca es tarde para descubrir (o redescubrir) a uno de los grandes genios de la música moderna.

John Henry Hammond. Un cazatalentos con ojo.

El productor, crítico musical y músico (y padre de músicos) de Jazz y Blues John Hammond es prácticamente todo un desconocido para el gran público, y sin embargo es una de las figuras más importantes e influyentes en la música popular del pasado siglo XX.

Nacido en Nueva York el 15 de diciembre de 1910, estudiante de piano desde los cuatro años, a los ocho ya sabía tocar también el violín, especialidad que estudiaría en la Universidad de Yale más adelante.

Con una gran formación en música clásica, el prefería, sin embargo, el blues y el Jazz, la música que terminó de engancharle después de ver actuar a Bessie Smith en 1927 en el Alhambra.

Comenzó a escribir en distintas publicaciones como crítico musical, destacando entre ellas sus artículos para Melody Maker, donde se convirtió en uno de los principales divulgadores de la música Jazz y Blues, de los artistas de color, y en gran defensor de los derechos civiles y la lucha contra el racismo.

En 1933, tras ayudar a formar su orquesta a Benny Goodman, entra a trabajar para la industria discográfica, produciendo la última sesión de Bessie Smith, y realizando su primer descubrimiento: una cantante de 17 años, nada menos que Billie Holiday. Grabando su primera sesión con la orquesta de Benny Goodman.

Por si no era suficiente, se dedicó a traer a Nueva York a los grandes intérpretes de Swing y, en 1938 organizó una serie de conciertos llamados “From Spiritual to Swing”, en el Carnegie Hall, descubriendo para el gran público, entre otros, a Big Joe Turner y a Count Bassie. Robert Johnson, que estaba anunciado, no pudo actuar ya que falleció poco antes.

Después de realizar el servicio militar (durante la segunda guerra mundial), y ya a finales de los ’50, entra a trabajar para Columbia Records, firmando a Pete Seeger y otros cantantes de folk, y descubriendo a la que, por entonces, era una prometedora cantante de gospel de 18 años, “una tal” Aretha Franklin, y contratando también al fabuloso guitarrista y cantante de Jazz George Benson.

Ya en los ‘60, y después de toda esa carrera, Hammond realizaría uno de los descubrimientos por los que es más conocido y por el que merece mi eterno agradecimiento: En 1961 asistiría a una audición de un jovencísimo cantante de folk recién llegado a Nueva york y que había adoptado el nombre artístico de Bob Dylan, y se empeñaría en firmarlo para Columbia, contra la opinión de los ejecutivos del sello, que lo consideraban un “capricho”, al que accedieron en atención a la trayectoria del productor y cazatalentos, que por entonces ya era uno de los productores más importantes del sello. No se equivocaron al permitirle el “capricho”, desde luego.

Además, trabajaría para la recuperación de las grabaciones del bluesman Robert Johnson, realizando las ediciones póstumas que tanta influencia han tenido en la música blues, y que se editaron con la producción de Frank Driggs.

Terminaría su carrera para Columbia firmando, ya a finales de los 60, al cantautor canadiense Leonard Cohen y se permitiría un último capricho y otra de sus apuestas más fuertes y consideradas entonces como arriesgadas, ya en los 70, tratando de descubrir a un “nuevo Dylan”, descubriría y firmaría para el sello nada menos que a Bruce Springsteen.

En 1975 se retira del sello, aunque haría todavía un último servicio, ya en 1983, descubriría, ficharía para Columbia y sería el productor ejecutivo del primer disco del magnífico guitarrista Stevie Ray Vaughan.

Toda esta trayectoria le valdría para conseguir un Grammy Honorífico y entrar en el Rock and Roll Hall of Fame en 1986 , antes de su fallecimiento el 10 de julio de 1987.

De esas personas que trabajaron toda la vida en la sombra, sin llevarse casi nada de la gloria, pero que, con su trabajo y su talento, han ofrecido la oportunidad a algunos de los músicos más influyentes en la historia de la música popular, en ocasiones apostando muy fuerte. Merecen ser reconocidos, ahora que estamos en una época en la que las discográficas van a lo seguro y difícilmente dan oportunidades a nuevos talentos.

Después nos quejamos de no tener actualmente un músico joven capaz de tomar el testigo de los Bob Dylan o Bruce Springsteen.

Seguro que a esos músicos los tenemos en algún lugar, esperando a un John Hammond que apueste por ellos. Pero tal vez eso sea lo que no tengamos.

En fin, puede que sean otros tiempos pero genios como John Hammond, creo yo, nunca sobran.

BRUCE SPRINGSTEEN WITH THE SESSIONS BAND: LIVE IN DUBLÍN. (Columbia, 2007)

La verdad es que me quedé sin palabras después de escuchar por primera vez el nuevo doble CD y ver el DVD de Bruce Springsteen con la Seger Sessions Band. Ahora, después de seis o siete escuchas, y subiendo, ya puedo decir que es lo mejor que he escuchado en muchos años.
Y es que esta maravilla de disco es, para mí, el mejor disco en directo no ya del año, de lo que va de siglo. Y uno de los mejores discos en directo de la historia.

El lanzamiento se compone de dos discos y un DVD que recogen 23 canciones grabadas en directo durante los conciertos celebrados los días 17, 18 y 19 de noviembre de 2006 en The Point, el mítico auditorio de Dublín.

En esos conciertos, Springsteen presentaba el disco “We Shall Overcome: The Seeger Sessions” , acompañado por “The Sessions Band”, una banda muy, pero que muy competente de 18 músicos. Y la grabación incluye canciones de este disco, algunas versiones, inéditas, y revisiones de alguno de sus clásicos. (Alguna de ellas, como la de Open All Night, dejarán con la boca abierta).

Según Jon Landau, mánager de Springsteen, a través de estos singles se refleja “la visión de Bruce de la música americana: folk, blues, dixieland, country, swing, gospel, rock... todo grabado con la clásica energía de Bruce”.

Además Landau ha calificado este recopilatorio como uno de los mejores trabajos de Bruce Springsteen. Para mi gusto, no lo dice sólo porque es el último y hay que vender (cosa que tampoco es que, a estas alturas, Bruce Springsteen necesite presentaciones de ese tipo).

A mí también me lo parece. Llevo días en que no puedo escuchar otra cosa, y creo que la exclusiva me va a durar otro par de semanas, por lo menos.

Al igual que hace en el disco que presentaban, Bruce Springsteen se dedica a revisar su música sumergiéndose en la tradición musical americana, desde el country más clásico al más sureño y rockero al estilo Charlie Daniels, hasta el folk de Pete Seeger, pero también hay Gospel, Blues, Jazz, Dixieland, Swing, incluso a veces entrando de lleno en el folk irlandés al más puro estilo de los Pogues o de la Oyster Band, y todo ello con su forma inconfundible de cantar, su carisma, sus tablas y una banda espectacular, perfectamente sincronizada y en plena forma.
Yo aconsejaría no perdérselo de ninguna manera.

Están incluidas las siguientes canciones:

1. Atlantic City 2. Old Dan Tucker 3. Eyes on the Prize 4. Jesse James 5. Further on Up the Road 6. O Mary Don't You Weep 7. Erie Canal 8. If I Should Fall Behind 9. My Oklahoma Home 10. Highway Patrolman 11. Mrs. McGrath 12. How Can A Poor Man Stand Such Times And Live 13. Jacob's Ladder 14. Long Time Comin' 15. Open All Night 16. Pay Me My Money Down 17. Growin' Up 18. When the Saints Go Marching In 19. This Little Light of Mine 20. American Land 21. Blinded By the Light (Credits) Bonus Songs: 1. Love of the Common 2. People We Shall Overcome.

Y la magnífica banda está formada por los siguientes músicos:

Bruce Springsteen - Vocals, Guitar, Harmonica. Sam Bardfeld - Violin, Vocals. Art Baron - Sousaphone, Trombone, Mandolin, Penny Whistle, Euphonium. Frank Bruno - Acoustic Guitar, Vocals, Field Drum. Jeremy Chatzky - Bass. Larry Eagle - Drums, Percussion. Clark Gayton - Trombone, Vocals, Percussion. Charlie Giordano - Accordion, Piano, Organ, Vocals. Curtis King Jr. - Vocals, Percussion. Greg Liszt - Banjo, Vocals. Lisa Lowell - Vocals, Percussion. Ed Manion - Saxophone, Vocals, Percussion. Cindy Mizelle - Vocals, Percussion. Curt Ramm - Trumpet, Vocals, Percussion. Marty Rifkin - Steel Guitar, Dobro, Mandolin. Patti Scialfa - Acoustic Guitar, Vocals. Marc Anthony Thompson - Acoustic Guitar, Vocals. Soozie Tyrell - Violin, Vocals.