miércoles, abril 18, 2007

El pop/ Rock en España: Años 80.

Tengo un poco abandonado el pop español, así que le voy a dedicar una entrada, que será bastante larga, para hablar del pop/rock español en su época dorada, los años 80.

No quiere decir que en España no se haya hecho muy buena música, al contrario, los años 80, aunque un poco mitificados, realmente supusieron un gran momento para los grupos españoles, tanto en popularidad, como en ventas, como en creatividad.

Voy a recoger aquí las que yo considero 100 mejores canciones de esa década en España (bueno, año arriba -90- año abajo -79-). Una lista muy subjetiva, lógicamente, pero que haré suficientemente amplia para recoger todos los estilos que me gustan, eso sí, prescindiendo de las canciones de estilos o géneros muy específicos (Heavy, Rock Urbano, Celta, Flamenco, rockabilly, etc) y que no entran dentro de lo que para mí es el concepto (ya de por sí bastante amplio) de pop/rock.

El número en la lista es un poco lo de menos, ya que cada día haría un orden diferente.

001. Loquillo & Intocables. Autopista.

En 1981 todavía no existían los Trogloditas, y Loquillo y Sabino Méndez se encontraban en los Intocables. Sabino compuso esta gran canción, que, a día de hoy, es para mí la mejor canción de la década. Lo tiene todo, fuerza, ritmo, una letra llena de tópicos roqueros que tiene que tener una canción “de ruta”.

002. Alaska y los Pegamoides. El Hospital.

Si Sabino Méndez es el mejor compositorde la década para canciones más roqueras, Carlos Berlanga lo es para canciones más pop. Esta es una de las muestras de su talento en una canción en la que, además, canta.

003. La Mode. Cita en Hawai.

Una gran canción de Fernando Márquez “El Zurdo”.

En su mítico LP “El Eterno Femenino”, y entre “celofán” y fuegos artificiales y pop sofisticado a lo Roxy Music, hay joyas pop como esta. Entre otras, como comentaremos más adelante.

004. Mamá. Escóndete.

Todo adolescente de principios de los 80 se sabía de memoria las canciones de uno de sus grupos favoritos: Mamá.

No se caracterizaban por sus buenas letras, precisamente, pero sí por hacer maravillosas canciones de pop nuevaolero, especialmente esta. Un grupo que gana mucho si se escuchan sus maquetas, pero que fue una de las víctimas de los productores de la época, que no estaban precisamente familiarizados con los nuevos sonidos.

El caso es que, curiosamente, esta es, para mi gusto, la única canción que gana en su versión disco.

005. Los Pistones. Que el sol te dé.

En la década de los 80, los Pistones se hartaron de hacer canciones buenas. Esta es la primera muestra, y a la que le tengo un cariño especial.

006. Los Nikis. Maldito Cumpleaños.

Junto con Los Pistones, mi grupo favorito de la época. Se caracterizaba por sus letras, historias en las que no se dejaba ni un cabo suelto.

007. La Granja. Qué cerca veo el final.

Preciosa canción del que es el mejor grupo de pop de guitarras de la segunda mitad de los 80. Incluida en su LP “Soñando en tres colores”.

008. Los Auténticos. La Estrella.

Otro de esos grupos que no tuvo la suerte que se merecía. En Castellón también sabían lo que era hacer magníficas canciones de pop nuevaolero. Tal vez si hubieran sido madrileños, la cosa habría pintado diferente.

009. Farmacia de Guardia. Cazadora de Cuero.

Eh!, que a Murcia también habían llegado los nuevos sonidos. Todo un himno del gran grupo murciano de la época.

010. La Frontera. La Ciudad.

La Frontera abría con este cañonazo de pop/rock el que, para mi gusto, es su mejor LP, “Si el Whiskey no te arruina, las mujeres lo harán”.

011. Los Elegantes. Adiós al verano.

Ya recién entrados en los 90, los Elegantes, otro de mis grupos favoritos, se despedían con un gran disco “A Fuego Lento”, que tuvo como primer single este precioso medio tiempo.

012. 091. La Torre de La Vela.

José Ignacio Lapido es otro de los grandes compositores del Pop español. Este fue el primer single del disco de su grupo, 091, que más éxito y popularidad obtuvo, “Debajo de las Piedras”. Un muy buen disco y una canción redonda.

013. Alaska y Los Pegamoides. Otra Dimensión.

El segundo single de los Pegamoides, en 1981, incluía esta canción. Pop pegadizo y desenfadado.

Seguramente sea esta la primera canción que compusieron juntos Carlos Berlanga y Nacho Canut, según ha confesado este último en una entrevista.

La canción gana en su versión maqueta, aparecida en el disco “Mundo Indómito”.

014. Los Pistones. Metadona.

Una de las mejores canciones de los Pistones, un himno grabado en su primera época y que fue regrabado para el gran primer LP, “Persecución”.

015. Las Ruedas. Viva Corrales.

Este maravilloso medio tiempo aparece en el segundo disco del grupo, titulado también “Viva Corrales”. Una gran canción de un grupo que merecía también mejor suerte.

016. Los Enemigos. Desde el Jergón.

En 1990 se publica “La Vida Mata”, el disco que más me gusta de los Enemigos y seguramente en el que están sus canciones más conocidas, la propia Desde el Jergón y la todavía más famosa, “Septiembre”.

017. Burning. ¿Qué Hace una chica como tú en un sitio como este?

¿Hay alguien que no conozca esta canción? Publicada en 1979, en su LP “el fin de la década”, y que les dio a conocer.

Y, ¿Qué hacían unos roqueros como Burning en un sitio como la “movida madrileña”?

Burning se encontraron con la movida por casualidad (Ellos tiraban más hacia otros tipos de música, más clásicos, Rolling Stones y tal) y supieron subirse al carro y hacer canciones de pop tan inolvidables como esta.

018. Los Negativos. Cigarras Panameñas.

Esta preciosidad de canción está incluida en el mítico disco “Picnic Caleidoscópico” de los Negativos. Acaso el mejor disco de revival garajero y pop psicodélico que se ha hecho en España. Y seguramente al nivel de cualquier disco del género en todo el mundo.

Buen gusto, letras surrealistas, bonitas melodías sixties y una gran cultura musical caracteriza las composiciones de este grupo.

019. Tequila. Que el tiempo no te cambie.

El grupo Tequila, también más roquero, saludaba la década de los 80 con el disco “Viva Tequila”, donde se incluye esta canción, más pop de lo habitual.

Ya era su tercer LP y, por entonces ya eran el grupo número 1 en España y sospechosos simplemente por el hecho de vender muchísimos discos y de ser todos unos ídolos para las adolescentes de la época.

Sin embargo, este grupo de argentinos afincados en España sabía hacer grandes canciones de rock and roll al más puro estilo Rolling Stones, o de pop/rock, como esta gran canción.

020. Los Modelos. Las Gafas Negras.

Otra joya de pop nuevaolero la de este grupo madrileño que, desde luego, mereció mucha más suerte de la que tuvo.

021. 091. Buen día para olvidar.

El segundo disco de 091 “Más de 100 Lobos” fue producido ni más ni menos que por Joe Strummer, líder de The Clash.

En él se incluían grandísimas canciones, como la sensacional “Buen día para olvidar”.

022. Brighton 64. La Casa de la Bomba.

Una canción garajera y pegadiza, la de estos mods de Barcelona, y con la que alcanzaron bastante éxito, en el maxi editado por la multinacional EMI en 1986.

El LP, “El Problema es la Edad”, sin embargo, no tuvo el éxito esperado. La banda se disolvió aunque los hermanos Gil han seguido haciendo música hasta el día de hoy, en formaciones como Brigatones, Matamala o Top Models.

023. Los Flechazos. Quiero Regresar.

Ya a finales de los 80, los leoneses y también mods, los Flechazos daban sus primeros pasos.

En el segundo LP, “En el Club”, de 1989, se incluía esta preciosa canción de pop sesentero, con una preciosa melodía y, sobre todo, los coros.

024. Los Elegantes. La Calle del ritmo.

Sin movernos del movimiento mod, nos encontramos otra vez con los Elegantes.

Este himno, con un estribillo memorable, es la canción que dio a conocer al grupo.

Se incluía en su primer LP para Zafiro “Ponte ya a Bailar”, de 1984. Había sido publicada de forma independiente para “Rara Avis”, disco actualmente inencontrable.

025. Nacha Pop. ¿Qué hiciste conmigo anoche?

Se diga lo que se diga, “Buena Disposición” es uno de los mejores discos LP de la historia del pop español.

En este segundo disco, Nacha Pop incluía joyas power poperas como esta canción.

026. Radio Futura. Enamorado de la Moda Juvenil.

Gran canción que abría el disco de Radio Futura “Música Moderna”.

El título del disco lo decía todo. Nueva Ola.

027. Décima Víctima. Tan Lejos.

El grupo de los hermanos Mertanen, guitarrista y bajista suecos que venían de Ella y los Neumáticos, y de Carlos Entrenas, que había sido cantante de Ejecutivos Agresivos, se dedicaba a hacer una música más bien para minorías dentro de lo que era la onda Siniestra, en la línea de Joy Division.

Sin embargo, tras un primer EP en esa línea, en 1982 publican un segundo EP esta gran canción, en la que se abren a sonidos más pop, más accesibles, aunque sin abandonar el toque siniestro. Para muchos la mejor canción del pop español de todos los tiempos.

028. Derribos Arias. Branquias bajo el Agua.

Un grupo completamente diferente. Liderados por el gran Poch, realmente no se parecían absolutamente a nada de lo que se hacía ni en España ni fuera.

Un grupo muy irregular, cuando estaban inspirados eran realmente geniales, como en esta canción, aunque también tienen cosas muy difíciles de escuchar a día de hoy.

029. Glutamato Ye-Ye. Corazón Loco.

Gran canción de pop típicamente ochentero, este single de 1982. La mejor de este grupo.

030. Gabinete Caligari. Golpes.

Otro de los grupos que se apuntó a la onda siniestra, sacando esta canción de letra “sadomasoquista” y que ahora sería difícil poner ni en la emisora más alternativa y políticamente incorrecta.

Lástima, porque es la mejor canción de este grupo, para mi gusto, que luego se pasó a territorios mucho más comerciales, aunque siguió haciendo buenas canciones.

031. Los Nikis. Mi Chica se ha Ido a Katmandú.

Los Nikis, en su línea. Canciones divertidas y letras “marca de la casa”.

032. Parálisis Permanente. Esto no es.

Tremenda canción. Uno de los mejores grupos españoles que ha habido, en la línea de Punk Siniestro que le caracterizó. Tienen canciones más conocidas, pero a mí la que más me gusta es esta.

033. Los Vegetales. Odio el Verano.

Lo mismo. Grupo sin pretensiones, de punk pop estilo ramoniano. Uno de mis favoritos de la época. También tienen otras más conocidas, pero a mí me gusta sobre todo esta.

034. Zombies. Groenlandia.

No creo que necesite presentación. Groenlandia, de las canciones más famosas de la época. Y la más conocida de un grupo que, por otra parte, alternaba en sus discos canciones muy buenas, como esta, y auténticos peñazos. Pero siempre hay dos o tres canciones que merecen mucho la pena en cada disco.

035. Rubi y los Casinos. Yo tenía un novio (que tocaba en un conjunto Beat).

Tampoco habrá que presentar esta canción a estas alturas. Muy bonito y pegadizo medio tiempo con el que se dio a conocer esta cantante argentina y su grupo.

036. Golpes Bajos. Malos Tiempos para la Lírica.

O te gustan o los odias, estos vigueses no tienen término medio. Cierto que era una música muy original, pero la mayoría de sus canciones son difíciles de escuchar a día de hoy, de ahí que sus “reuniones” hayan pasado siempre con más pena que gloria.

Claro que, todavía se pueden aprovechar las mejores, como esta, incluida en su primer EP.

037. Ejecutivos Agresivos. Mari Pili.

La canción más conocida de este simpático “supergrupo” en el que militaban muchos músicos que serían bastante conocidos más adelante. Poch, Paco Trinidad, Jaime Urrutia o Carlos Entrenas, por ejemplo.

038. Siniestro Total. ¿Quiénes Somos?, ¿De Dónde Venimos?, ¿ A dónde Vamos?

Gran letra la de esta canción que se incluye en el tercer LP del famoso grupo vigués, “Menos mal Que nos Queda Portugal”.

039. Ilegales. Revuelta Juvenil en Mongolia.

Primer single del grupo asturiano, en su línea rabiosa y macarra, rock con toques punk.

040. Los Cafres. Soy Una Alimaña.

Pero tengo corazón. La canción más conocida de este grupo vigo-pontevedrés de Power Pop –más o menos-, incluida en su único disco, un miniLP llamado “Tractor Cerebral”.

041. La Frontera. Mi dulce Tentación.

Esta gran canción, muy roquera, se incluye también en el segundo LP de los madrileños, “Si el Whiskey no te arruina…”

042. Loquillo y Los Trogloditas. Pégate a mí.

Otra muestra de lo que es capaz de componer Sabino Méndez, incluida en el mítico “Ritmo del Garage” de Loquillo y Los Trogloditas.

043. Los Pistones. Los Ramones.

En sus principios, los Pistones ya componían y grababan himnos como este, una sencilla canción de pop.

044. El Aviador Dro y sus Obreros Especializados. Programa en Espiral.

En el mítico EP de Aviador Dro había canciones pop tan bonitas como esta. Este disco es actualmente casi imposible de conseguir en vinilo a precios razonables.

045. La Mode. Aquella Chica.

Otra muestra de pop elegante la que se marcan, también en el LP “El Eterno Femenino”.

046. Los Pistones. Las Siete Menos Cuarto.

Otro de los primeros singles de Los Pistones, el magnífico grupo madrileño liderado por Ricardo Chirinos, que después de hincharse a hacer canciones buenas, va a pasar a la historia por una de sus canciones más flojas, el Pistolero.

047. Nacha Pop. Alta Tensión.

Un precioso medio tiempo incluido, como no, en el LP “Buena Disposición”. Obra maestra de Antonio Vega y compañía.

048. Los Secretos. No supe que Decir.

No es de las canciones más conocidas del grupo de los hermanos Urquijo, de hecho fue la cara B del single “Ojos de Perdida”, aunque se incluía en el mítico primer LP de los madrileños. A mí es la canción que más me gusta de este grupo.

049. Más Birras. Apuesta por el Rock and Roll.

Mala suerte la que tuvieron estos zaragozanos, un gran grupo que no tuvo ni la décima parte del éxito y reconocimiento que se merecía, y que serán recordados por esta gran canción, a raíz de ser versionada por Héroes del Silencio.

050. Paraíso. Para Ti.

Fernando Márquez creía que se iba a comer el mundo con este grupo, y al final la cosa se quedo en casi nada, como él mismo cuenta en su libro “Música Moderna”.

Bueno, nos dejan canciones como esta, una de las más conocidas, y de las más bonitas, de todo el pop español de los 80.

051. Los Negativos. Bagdad.

Una muestra de que hay Negativos más allá del Picnic Caleidoscópico, es esta gran canción, incluida en su LP “18 Sábado Amarillo”.

052. Los Flechazos. La Chica de Mel.

Para un grupo mod, lógicamente, la iconografía pop de finales de los 60 tiene que ser a la fuerza una fuente de inspiración.

De ahí esta canción sobre el artista pop californiano Mel Ramos, conocido fundamentalmente por sus cuadros de desnudos femeninos, Pin-Ups con la marca del bañador o del bikini, y rodeados de productos de gran consumo.

Los Flechazos la incluyen en su segundo LP, “En el Club”.

053. Loquillo & Trogloditas. No Surf.

Otra joya, una canción muy sencilla y pegadiza, incluida también en “El Ritmo del Garage”.

054. Burning. Una Noche sin Ti.

Un himno esta balada de Burning, ya del LP “Noches de Rock & Roll” de 1984.

055. Trastos. Te Voy a Buscar.

A principios de los 80 resultaba sospechoso decir que te gustaban los Trastos, grupo acusado de montaje por el férreo control que, sobre ellos y sobre su imagen, ejercía su compañía de discos.

Al final, y con la producción archicomercial del disco, se convirtió una de las mayores promesas del pop español de principios de los 80 en un fracaso, y en un grupo del que renegaba todo amante de la Movida.

Sin embargo, la producción – llena de violines, miel y azúcar- no logra tapar del todo algunas de las mejores canciones pop de la época.

056. Radio Futura. La Estatua del Jardín Botánico.

Los hermanos Auserón y compañía, un grupo muy creativo, uno de los mejores grupos españoles de pop. Tanto la música, los cambios de ritmo, como la letra, hacen de esta canción algo casi hipnótico.

057. Los Pistones. Lo que quieras Oir.

Una de las baladas más bonitas de todo el pop español. Se incluía en el fabuloso LP “Persecución”. Seguramente, para mi gusto, el mejor LP de pop publicado en España.

058. Elegantes. Guitarras son cuchillas.

Esta gran canción que habla de un grupo desencantado con las compañías de discos, abría el disco en directo de los Elegantes, “En el Corazón de la resaca”.

Yo he preferido rescatarla del disco de 1987, “Los gatos de mi Barrio”, producido por el gran Elliott Murphy. Un disco que marca la “americanización” del grupo y su ruptura con el movimiento mod, hartos de críticas y de insultos.

059. Loquillo & Trogloditas. El Ritmo del Garage.

Para esta canción, la que da título al LP, de sobra conocida, Los Trogloditas y Loquillo contaron con la colaboración estelar de Alaska, cantando a dúo con el Loco.

060. 091. ¿Qué Fue del Siglo XX?

Una de las “12 canciones sin piedad” con las que se despachaba en 1989 el fenomenal grupo granadino. Excelente letra para redondear una gran canción. La primera de la cara B del mencionado disco.

061. Alaska y Dinarama. Mujeres Rusas.

En la cara B del primer single del grupo, “Perlas Ensangrentadas”, de 1983, se encontraba esta joya. Demuestra que vale la pena a veces investigar. Dinarama, pero al más puro estilo Pegamoide.

062. Los Romeos. Mi Vida Rosa.

En el primer disco de Los Romeos está esta canción, que se hizo bastante conocida, ya a finales de los 80.

La representación española de los grupos guitarreros con chica, el sonido que se llevaba por entonces en Europa, con ejemplos como Primitives, Transvision Vamp o Darling Buds.

063. Morcillo el Bellaco y Los Rítmicos. No trates de volver o te morderé.

Como Los Romeos, también desde Castellón y con algunos protagonistas que repiten, Morcillo, el bajista de los Auténticos, es una debilidad personal. Pop divertido, guitarrero y con sabor a años 60.

064. Los Zoquillos. Nancy.

Grupo de vida efímera, con un solo single en la calle, y casi más conocidos en su época por el romance que su cantante (un tipo con cierto aire a Joey Ramone, que se llamaba Pablo Sela) mantuvo con Alaska.

Se dice de ellos que ensayaban sólo en sus actuaciones.

En ese single se contenía esta canción, rock and roll macarra y ramoniano.

065. Paraíso. Estrella de la Radio.

Grabada a finales de 1979 en la primera maqueta de Paraíso.

Fue adjudicada a varios de los más famosos DJs radiofónicos de la época (Gonzalo Garrido, Paco Pérez Brian), tiene una dosis importante de mala leche en su letra, y es una buena canción de pop nuevaolero.

066. Los Pistones. Flores Condenadas.

Otra de las joyas del magnífico “Persecución”. Hay quien la considera la mejor canción de los Pistones. Yo no llego a tanto, pero sí a incluirla entre mis 100 favoritas del pop español de la década.

067. Flash Strato. Madrid En Tecnicolor.

Un himno a lo que estaba pasado en el Madrid musical a principios de los 80, grabado por el grupo que, en su momento, llegó a ser la mayor promesa del pop español de la época, pero que, tras una serie de malas experiencias (relaciones frustradas con discográficas, servicios militares, etc) se quedó en un miniLP.

Una pena, porque con joyas como esta canción y alguna otra, la verdad es que podía haber llegado mucho más lejos.

068. Los Stukas. Hazañas Bélicas.

Tenían mucho mérito. No es fácil ser uno de los pioneros del pop nuevaolero en España, cuando se vive en la, por entonces, lejana Asturias.

Esta mítica balada da título al no menos mítico primer LP de este grupo, de 1981.

069. Banda del Tren. Esclavo de la Noche.

Los mismo, desde Asturias, había grupos capaces de componer y grabar canciones como esta.

Lástima que su único LP, publicado tras este single, “Terminal Norte”, apenas tuviera trascendencia, lo que hizo que el grupo se separase poco después.

070. Los Ronaldos. Me gustan las Cerezas.

Grupo que tiene un primer LP muy bueno, y que luego, poco a poco, se fue diluyendo, aunque llegó a tener muchísimo éxito. De este primer disco, la canción que más me gusta siempre fue esta.

071. Siniestro Total. Bailaré Sobre tu Tumba.

Puede que la canción más conocida de los vigueses. Daba título a su cuarto disco, de 1985, y es una canción que no puede faltar en una fiesta.

072. Aerolíneas Federales. No me Beses en Los Labios.

La aventura paralela del “Siniestro” Miguel Costas, se iniciaba en 1986 con un disco en el que estaba incluida esta canción. Pop divertido y sin pretensiones.

073. Alaska y Los Pegamoides. No sé Porqué.

Será por los teclados, será por la melodía, no sé porqué, pero sé que esta canción me encanta.

074. Loquillo y Los Intocables. Rock and Roll Star.

La canción más conocida de la primera época de Loquillo. Compuesta por Sabino Méndez, se publicó en el disco “Los Tiempos están Cambiando”, y es uno de los grandes clásicos del pop español.

075. 091. Fuego en mi oficina.

La gran cara A del primer single de este fenomenal grupo granadino. Otro clásico.

076. Desperados. Escupiré sobre vuestra Tumba.

Excelente medio tiempo de pop/rock guitarrero estilo “americano”, donde no falta la imprescindible armónica.

Aparece en su segundo disco “¿Qué hay de nuevo, viejo?” de 1986, muy buen disco que me ha costado mucho trabajo conseguir. Apenas hay reediciones de un grupo que nunca llegó a ser tratado como se merecía.

077. Kiki D’Akí. Accidente.

Tras este – un tanto ridículo- nombre, se escondía Jose, cantante de Las Chinas.

Esta seguramente sea su canción más conocida, una canción compuesta por Fernando Marquez, “El Zurdo”. En su línea de pop “delicado” y elegante.

078. Los Plomos. El Hombre Cosa Ama La Lluvia.

Sensacional canción de Pop, así con mayúsculas, aparecida en el único disco de este grupo, formado por los hermanos Villanueva tras la separación de Los Auténticos, un maxi de tres canciones editado por Discos Medicinales en 1986.

079. Menta. Ya lo ves.

Grupo berciano, que sólo editó un single de cuatro canciones en 1980, en la línea- incluso en apariencia- del pop más clásico tipo Beatles.

Pese a editar un solo single, este fue bastante escuchado en su época.

Esta canción, de R&B muy clásico y muy correcto, es una de mis debilidades personales desde que era un niño.

080. Los Rebeldes. Esto es Rock & Roll.

En este miniLP, su segundo disco, de 1984, y sin abandonar su base típicamente rockabilly, los Rebeldes empiezan a dar muestras de su facilidad para introducir elementos más pop, que al final les llevaría a saber hacer canciones que llegaron a un público masivo. Y a conocer mucho éxito a lo largo de su carrera, de forma especial en la segunda mitad de los 80, y principios de los 90.

081. Los Enemigos. John Wayne.

En el disco “Un Tío Cabal”, de 1988, incluyen los Enemigos este genial Rock and Roll.

082. Los Nikis. Salvaje Pasión.

Una nueva historia que nos cuentan los Nikis en esta canción, por supuesto sin un solo cabo suelto, como es habitual.

La canción aparece en el “Marines a Pleno Sol”.

083. Polanski y El Ardor. Ataque Preventivo de la URSS.

No se puede decir que este grupo no imitase a los Nikis, aunque con menos gracia.

Sin embargo, esta canción está bien, y ya es todo un clásico del pop de la época.

084. Telegrama. La Chica del Metro.

Estos mods de barcelona, en su época, solo llegaron a grabar un single, Chica del Metro, de 1980, que se convirtió en un auténtico himno para los mods de la época.

085. Los Cardiacos. La Costa Oeste.

La crítica puso por las nubes este disco de este grupo leonés, editado por Dro en 1985.

No sé si era para tanto, lo cierto es que tenía canciones como esta, la que le daba título, con influencias, como es obvio, del pop americano Costa Oeste, como las que tenía CRAG, pues lógicamente la canción tiene lo que tienen las canciones de dicho grupo, buen gusto, armonías vocales y melodías.

086. Bólidos. Ráfagas.

Uno de los primeros grupos de la nueva ola madrileña, que en un inicio se llamó Los Rebeldes, y al que se parecen mucho grupos como Fresones Rebeldes.

Esta simpática canción fue versionada más adelante por Los Secretos, lo que la dio a conocer al gran público. Hay quien dice que Secretos la mejoran, convirtiéndola en una canción lenta, yo opino lo contrario. En cualquier caso, aquí está el original.

087. Alaska + Los Nikis. Tokio.

Otra joya de las que se encuentran en las caras B de los singles. Esta colaboración de los Nikis con Alaska, en concreto, es la Cara B del single de “La Funcionaria Asesina”, de 1986.

088. Loquillo & Trogloditas. Cadillac Solitario.

¿Quién no conoce esta canción?

Una de las mejores canciones de Loquillo, que se escuchó hasta la saciedad como single del disco en directo “A Por Ellos, Que son Pocos y Cobardes”, el disco que cerraba la época más brillante de Loquillo & Trogloditas, la de las composiciones de Sabino Méndez.

Yo me refiero, sin embargo, a la original de estudio, recogida en “El Ritmo del Garage”.

089. Duncan Dhu. Revolución.

El primer disco LP de Duncan Dhu, "Canciones", se llegó a escuchar hasta en Radio Taxi. Las canciones, en principio buenas, se escucharon tanto como para terminar harto de ellas.

Sin embargo, el disco no estaba mal, y contaba con buenas canciones, como esta “Revolución”.

090. Los Limones. Hace Mucho Tiempo.

Pues sí, a mí también me gustan mucho Los Limones, ¿Qué pasa?. Letras muy dignas, una buena voz y una buena cultura musical, ya es más de lo que muchos grupos pueden decir.

Y en particular me gusta esta canción, que aparece en el segundo LP “Donde Acaba el Mar”, producido por Paul Collins, ya en 1990.

091. Golpes Bajos. No Mires a los Ojos de la Gente.

La canción más famosa de los vigueses. De su primer miniLP, de 1983.

092. PVP. El Coche de la Plas.

La mejor canción de este grupo madrileño, canción de pop con toques Punk y Ska. Un grupo que tampoco tuvo la suerte que se merecía.

093. Los Vegetales. Mi novia es una Zombie.

Posiblemente la canción más conocida de este grupo de Punk Pop ramoniano, aunque en realidad es conocida más por la versión que de ella realizaron Alaska y Dinarama en el Fan Fatal.

094. Comité Cisne. Ana Frank.

Antes de formar Revolver, Carlos Goñi iba con el pelo cardado y haciendo música pop entre tecno y nuevo romántico, junto a varios excomponentes del grupo valenciano “Glamour”.

En fin, hacían un poco la música ochentera que tenía mucho éxito en Valencia y Alicante. Una cosa tipo UV Pop, Bolshoi y compañía.

A pesar de sus pintas, el grupo fue capaz de grabar alguna canción destacable, como esta Ana Frank, aparecida en su miniLP “El final del Mar”, de 1986, y que es la canción del grupo que mejor ha envejecido.

095. Sergio Makaroff. Explorador Celeste.

Simpática canción de pop divertido, sin pretensiones publicada en 1979 por este argentino, afincado en Barcelona y compositor de algunas de las canciones de Tequila.

Un artista sin suerte hasta mediados de los 90, cuando obtuvo un cierto éxito con su disco “Un Hombre Feo”.

096. Mermelada. Sopla el viento.

Magnífica canción de R&B la que se marca el gran guitarrista Javier Teixidor y su grupo. Aparece en su disco “En el Calor”, de 1988.

097. La Dama Se Esconde. Amenazas.

En la misma línea que Comité Cisne, de pop ochentero, aunque algo más pop siniestro a lo Cure, iban los donostiarras Nacho Goberna e Ignacio Valencia, o lo que es lo mismo, La Dama se Esconde.

Esta canción, incluida en el disco “Armarios y Camas”, se llegaría a escuchar bastante.

098. Radio Futura. Semilla Negra.

En este disco La Ley del desierto/ La Ley del Mar, en 1984, Radio Futura empieza a introducir los elementos de pop latino a su música. Por entonces tenía el merito de la originalidad, casi nadie lo hacía, y daba como resultado algunas buenas canciones como esta “Semilla Negra”. Al tiempo, se iban haciendo cada vez más populares.

099. Un Pingüino en Mi Ascensor. Juegas con mi Corazón.

Y realmente original y simpático fue este primer disco del Pingüino, canciones sin ningún tipo de pretensiones, sencillas a más no poder y con unas letras muy ingeniosas.

100. Elegantes. Este es mi Tiempo.

Los Elegantes grababan esta gran canción en 1982, en un single editado por Record Runner.

Con ella terminamos este listado de 100 canciones en el que, ya digo, el orden es lo de menos, cada día haría uno distinto, y cada día, también pondría o quitaría alguna que otra canción.

Pero en fin, mis gustos de Pop español de los 80 van por aquí.

Esta ha sido la entrada que más trabajo me ha costado escribir. Espero comentarios y sugerencias, a ver si charlamos un rato sobre este pop español de la Edad Dorada.

martes, abril 10, 2007

Pioneros del Rock: Good Rockin’ Tonight. (3)

Good Rockin’ Tonight, no podía ser otro, es el título que he utilizado para un recopilatorio de las que creo mejores (y/o más significativas) canciones de Rock and Roll y Rockabilly clásico. Tres volúmenes y hasta 102 canciones. Mi homenaje a la música rock and roll y rockabilly original, que de esta forma (Bueno, y de todas, ...) viene sonando en mi coche desde hace mucho tiempo.

De estos grandes hay que tener los discos: Espero que te gusten, empieces a investigar y a hacerte con los discos, o con un buen recopilatorio de la Sun Records, si vas a tirar por un estilo más sureño y más rockabilly.

No te arrepentirás.

Estas son, para mí, las mejores canciones de la época (alguna hay algo posterior, aunque no mucho, pero que también son clásicos del género). No necesariamente en este orden, claro.

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1. Elvis Presley. Good Rockin’ Tonight.

2. Big Joe Turner. Shake, Rattle & Roll.

3. Bill Haley & The Comets. (We´re Gonna) Rock Around The Clock.

4. Danny & The Juniors. Rock & Roll is Here To Stay.

5. Jackie Wilson. Reet Petite.

6. Little Richard. Tutti Frutti.

7. The Big Bopper. Chantilly Lace.

8. Jerry Lee Lewis. High School Confidential.

9. Chuck Berry. Roll Over Beethoven.

10. Fats Domino. Hello Josephine.

11. Esquerita. Rockin’ The Joint.

12. Bill Haley & The Comets. See You Later Alligator.

13. Elvis Presley. All Shook Up.

14. Eddie Cochran. Twenty Flight Rock.

15. Gene Vincent & The Blue Caps. Double Talkin’ Baby.

16. Carl Perkins. Your True Love.

17. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. Rockabilly Boogie.

18. Buddy Holly. Rave On.

19. Ritchie Valens. Come On, Let’s Go.

20. Bobby Fuller Four. I Fought The Law.

21. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. Rock Therapy.

22. Billy Lee Riley. Flying Saucers Rock & Roll.

23. Eddie Cochran. Something Else.

24. Joe Bennett & The Sparkletones. Black Slacks.

25. Buddy Holly. Ready Teddy.

26. Elvis Presley. That’s Alright.

27. Chuck Berry. Maybelline.

28. Gene Vincent & The Blue Caps. Race With The Devil.

29. Carl Perkins. Matchbox.

30. Johnny Kidd & The Pirates. Castin’ My Spell.

31. Dwight Pullen. Sunglasses After Dark.

32. Webb Pierce. Teenage Boogie.

33. Roy Orbison & The Teen Kings. Go!, Go!, Go!.

34. Wanda Jackson. Honey Don´t

35. John Ashley. Born To Rock.

36. Frankie Ford. Sea Cruise.

37. Eddie Cochran. C’mon Everybody.

38. Carl Perkins. Blue Suede Shoes.

39. Elvis Presley. Hound Dog.

40. Jerry Lee Lewis. Whole Lotta Shakin’ Goin’ On.

41. Freddy Cannon. Tallahasee Lassie.

42. Chuck Berry. You Never Can Tell.

43. Fats Domino. My Blue Heaven.

44. Little Richard. Good Golly Miss Molly.

45. Larry Williams. Bonnie Moronie.

46. Dion. The Wanderer.

47. Roy Orbison. Let The Good Times Roll.

48. Wanda Jackson. Let’s Have a Party.

49. Billy Riley. Red Hot.

50. Eddie Cochran. Nervous Breakdown.

51. Carl Perkins. Everybody’s Trying To Be My Baby.

52. Elvis Presley. Trying To Get To You.

53. Buddy Holly. (You’re So Sqare) Baby I Don’t Care.

54. Chuck Berry. No Particular Place To Go.

55. Johnny & The Hurricanes. Red River Rock.

56. Warren Smith. Uranium Rock.

57. Clint Miller. Bertha Lou.

58. Eddie Cochran. Skinny Jim.

59. Gene Vincent & The Blue Caps. Be-Bop-A. Lula.

60. Elvis Presley. Heartbreak Hotel.

61. Everly Brothers. Wake Up Little Susie.

62. Ricky Nelson. Hello Mary Lou.

63. Dorsey Burnette. Let’s Fall In Love.

64. Duanne Eddy. Rebel Rouser.

65. Johnny Cash & The Tennessee Two. Get Rhythm.

66. Chuck Berry. Beautiful Delilah.

67. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. The Train Kept a Rolling.

68. Gene Vincent & The Blue Caps. Blue Jean Bop.

69. Vince Taylor & The Playboys. Brand New Cadillac.

70. Eddie Cochran. Jeanie, Jeanie, Jeanie.

71. Elvis Presley. Jailhouse Rock.

72. Buddy Holly. Oh Boy.

73. Chuck Berry. Rock And Roll Music.

74. Warren Smith. Ubangui Stomp.

75. Frankie Lee Sims. Hey Little Girl.

76. Elvis Presley. Blue Moon of Kentucky.

77. Everly Brothers. Bye Bye Love.

78. Gene Vincent & The Blue Caps. Ain’t She Sweet.

79. Jack Earls. Slow Down.

80. Fats Domino. I’m Walking.

81. Jerry Lee Lewis. Great Balls Of Fire.

82. Little Richard. The Girl Can’t Help It.

83. Chuck Berry, Johnny B. Goode.

84. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. Tear It Up.

85. Roy Orbison. Domino.

86. Eddie Cochran. Sumertime Blues.

87. Jack Scott . The Way I Walk.

88. Mel Robbins. Save It.

89. Johnny Kidd & The Pirates. Please Don’t Touch.

90. Wanda Jackson. Hard Headed Woman.

91. Little Richard. Long Tall Sally.

92. Jerry Lee Lewis. Breathless.

93. Elvis Presley. Don’t Be Cruel.

94. Johnny Burnette. You’re Sixteen, You’re Beautiful & You’re Mine.

95. Sonny Burgess. Red Headed Woman.

96. Larry Williams. Dizzy Miss Lizzy.

97. Johnny Carroll. Rock Baby, Rock It!.

98. Jimmy Lloyd. Rocket In My Pocket.

99. Little Richard. Lucille.

100. Lew Williams. Bop Bop Da Doo Bop.

101. Sonee West. Sweet Rocking Baby.

102. Jack Scott. Leroy.

Pioneros del Rock: Good Rockin’ Tonight. (2)


En 1947 Wynonie Harris versiona el "Good Rocking Tonight", de Roy Brown, y entra en listas en 1948, desencadenando toda una revolución musical. Cambia el ritmo blues a un compás 4/4 de gospel, fusionando estos dos estilos.

Esto no era nuevo, Big Joe Turner, entre otros, lo había estado haciendo durante años, pero fue el disco de Harris el que comenzó la moda del "rocking" en el blues y el R&B de finales de los 40.

Ya tenemos la música, lo que necesitaba era un nombre. R&B era un término demasiado amplio, que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Cualquier otro estilo era considerado R&B, a pesar del estilo musical real.

Como vimos, Alan Freed comienza a llamarlo Rock and Roll, y el término se populariza a partir de 1951.

En 1954 empieza a grabar Elvis Presley, aunque no pasa de ser un ídolo local hasta su contrato con la RCA y sus impactantes apariciones televisivas. Por este mismo año aparece también Bill Halley y sus Comets.

Dentro del ritmo Rocking, en cada lugar se interpretaba a su manera, la gente les iba añadiendo sus influencias locales. En las ciudades del norte, las comunidades italiana y puertorriqueña tocaban "rock and roll" a su manera.

En la costa oeste, los chicanos lo tocaban en castellano. En el sur, los cantantes de country añadían "rock and roll" a su "hillbilly boogie" y nacía el "rockabilly".

Muchas personas sitúan el origen del R&R en Bill Halley y su Rock Around The Clock.

Bill Haley, nacido en Detroit, procedía del mundo del Country, y lo que es indiscutible es que fue la primera gran estrella de este movimiento musical, grabando esta canción en 1954, antes de la aparición de Elvis Presley.

El debut televisivo de Elvis el 28 de Enero de 1956 en la CBS, en el programa de los hermanos Dorsey, constituyó toda una conmoción nacional.

Su popularidad se disparó, catapultando su histórico primer LP al número 1 de las listas, siendo el primer LP de Rock and Roll que alcanzaba tal puesto, y se desencadenó toda una campaña en contra de su manera de moverse, y se dio la consigna de sacarlo exclusivamente de cintura para arriba.

Elvis, un “animal” mediático y televisivo de primer orden, demostró su carisma y su potencial, tanto como el de su música, y el Rock and Roll ya estaba en la cima de su popularidad como estilo.

http://www.youtube.com/watch?v=0IfAJco1h9k

Así, evolucionando constantemente, con épocas mejores y peores, el Rock and Roll ha llegado hasta nuestros días.

Seguramente nunca volverá a ser lo mismo, pero el Rock and Roll es y seguirá siendo mi estilo musical favorito. Muchos de los intérpretes tienen ya una entrada en este blog, y otros muchos, si Dios Quiere, la tendrán.

Para más información, esta serie de artículos está muy bien.

http://cuantoyporquetanto.com/htm/planetasonoro/rockandroll/quepasaconelrockandroll.htm



Pioneros del Rock: Good Rockin’ Tonight(1). Alan Freed.

En un principio, el Rock and Roll resulta absolutamente revolucionario.

Así, el New York Times titula en 1956 “El Rock & Roll es una enfermedad contagiosa”.

Por su parte, el racista Consejo de Ciudadanos Blancos de Alabama declara ese mismo año que “El Rock es un medio para rebajar al hombre blanco al nivel del negro”.

En sus inicios, el Rock and Roll es una forma de encauzar la rebeldía juvenil y, a la vez, una mezcla de estilos multirracial (Country, Swing, Gospel, Blues, Jazz...) que resultó explosiva en una sociedad tan cerrada y segregada como la Americana de los 40/50.

El término "rock and roll" era en su origen un término náutico, que ha sido usado tradicionalmente por los marineros durante siglos. Se refiere al "rock" (movimiento hacia atrás y delante) y "roll" (movimiento hacia los laterales) de un barco.

El término adquirió, en sus inicios musicales, un significado religioso, utilizado en canciones espirituales negras, en grabaciones de Gospel.

En 1947 llega a la música el “doble significado”, con connotaciones sexuales, a partir de la canción "Good Rocking Tonight" del cantante de blues Roy Brown. Versionada de forma magistral por Elvis Presley en 1954, durante sus inicios en la Sun Records, sello de Tennessee, dirigido por Sam Phillips, y que resulta fundamental en la difusión y creación de la música Rock and Roll y, sobre todo, el Rockabilly.

Sam Phillips descubre nada menos que a Elvis Presley, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash y Carl Perkins, entre otros.

En la mencionada canción aparecía la palabra "rocking", aparentemente referida al baile, pero de hecho se trataba de una alusión velada al sexo.

En Cleveland, El DJ, Alan Freed, “Mr. Moondog”, vio el potencial de esta música para una audiencia blanca, a través de un amigo que tenía una tienda de discos, y que le cuenta del aumento espectacular de ventas de discos de Rhythm and Blues de artistas de raza negra.

Alan Freed, convencido de ese potencial, comienza a programar esta música, El 11 de Julio de 1951, haciéndose llamar Moondog, sale a antena el primer programa de Rhythn and Blues para una audiencia blanca en la emisora WJW, rompiendo las barreras raciales y popularizando el término “Rock and Roll” para la música que él programaba.

Lo hizo para evitar las críticas, Alan empezó a llamar Rock´n´Roll a los discos de Rhythm and Blues negros, e intentar camuflar un poco la música “negra” y hacerla parecer un poco más “blanca”.

Por lo tanto, es a Mr. Moondog al que se le atribuye la invención del término Rock and Roll para este tipo de música. Término tomado de la jerga “negra” de la época donde, como sabemos, tenía ya un significado sexual. Ya aludía al baile, al sexo y a la música, donde este término quedaría para siempre para dar nombre a mi música favorita.

También fue el primero en programar y producir conciertos de este estilo musical. En 1952. El “Freed's March 1952 Moondog Coronation Ball en Cleveland”. El concierto registró una audiencia de 10.000 personas, dos tercios de ellas de raza blanca.

En 1954 comienza su etapa en la emisora WINS en New York. Esto supone la emisión de su programa a nivel nacional, conciertos y hasta aparición en películas donde aparecían los grandes del R&R del momento interpretándose a si mismos, incluido el propio Alan Freed.

Posteriormente, ya a finales de los 50, se le acusa de recibir dinero a cambio de radiar una canción y colocarla alto en las listas (Maybelline, de Chuck Berry). Una práctica, por otro lado, bastante habitual y que sigue practicándose hoy día sin que nadie se lleve las manos a la cabeza, pero, una persona tan rompedora como Alan Freed, lógicamente, se había ganado enemigos muy influyentes. Fue la primera de una serie de acusaciones (evasión de impuestos, etc). Es expulsado de la emisora, cae en desgracia y muere muy joven, en enero de 1965, a los 43 años, y con el hígado destrozado.

Para más información, ver:

http://www.history-of-rock.com/freed.htm

http://www.nodo50.org/arevolucionaria/masarticulos/abril2003/alanfreed.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Alan_Freed

http://www.youtube.com/watch?v=X6Po_zTbgms

martes, abril 03, 2007

NAT KING COLE. "WHEN I FALL IN LOVE"

Esta maravillosa canción, para mi gusto una de las canciones de amor más bonitas que se han escrito, también ha conocido muchísimas versiones.

Compuesta por Edward Heyman (un compositor muy famoso, que forma parte del “Songwriters Hall of Fame”, con canciones como Love Letters o A Wonder of You, entre otras) y Victor Young, un compositor fundamentalmente de Bandas Sonoras.

La Canción se compuso para la película “One Minute To Zero” de 1952 (En español “Corea Hora Zero”) con Robert Mitchum.

Pero quien la hizo famosa fue Doris Day, que la grabó en ese mismo año (1952).


Por supuesto, para mí, la versión definitiva es la del maravilloso cantante Nathaniel Adams Coles, más conocido como Nat King Cole. La grabó en 1956, aunque no la publicó como single, sino dentro del LP “Love is the Thing”.

Como curiosidad, a pesar de su impresionante y preciosa voz, Nat King Cole no empezó su carrera musical como cantante, sino que era un notable pianista de Jazz.

Formó varios grupos, fundamentalmente el “Nat King Cole Trio”. Un trío compuesto por piano, guitarra y contrabajo, una fórmula que, entonces, era muy original, que es su gran aportación al mundo del Jazz, y con el que se hizo muy famoso en la década de los 40.

El Nat King Cole trío acompañaba a su propia cantante (Bonnie Lake) ya que a Nat no le convencía demasiado su voz, y nunca se consideró un gran cantante.

No obstante, cantaba algunas de las canciones, y de hecho, alcanzó el número 1 en 1950 con la canción “Mona Lisa” y, a partir de ahí, dio un giro a su carrera, dedicándose a cantar. (Especialmente baladas). La crítica le acusó de “venderse” a la música comercial, aunque él nunca deja de ser un músico de raíces Jazz.

En todo caso, su aportación en cuanto a originalidad y estilo, ahí queda y se le reconoce por los aficionados al Jazz.

When I fall in love,

It will be forever
Or I'll never fall in love.
In a restless world like this is,
Love is ended before it's begun
And too many moonlight kisses
Seem to cool in the warmth of the sun.
When I give my heart,
It will be completely
Or I'll never give my heart.
And the moment I can feel that
You feel that way, too,
Is when I fall in love with you.
And the moment
I can feel that
You feel that way, too,
Is when I fall in love with you.

http://www.youtube.com/watch?v=F-DVRMM064k&mode=related&search=



lunes, marzo 19, 2007

BLUE MOON




Se me ocurre hablar hoy, en vez de discos o intérpretes, de una canción, una muy especial porque es una de las canciones que más me gustan de todas las que se han compuesto, si no la que más.

Compuesta en 1934 por Richard Rodgers y Lorenz Hart, compositores de MGM, inicialmente para la película de Jean Harlow “Hollywood Party”.

Con la letra que conocemos, fue grabada por Connee Boswell en 1935 para columbia Records, y se mantuvo como balada para “Crooners” y , sobre todo, en el mundo del Jazz, donde fue versionada prácticamente por todos los grandes.

Ya en 1954 la graba y publica Elvis Presley, siendo la primera versión en el mundo del rock, aunque en forma de balada.


En 1961 se publica la maravillosa versión de los Marcels, grupo de Doo-Wop que la lleva a su estilo y le da un giro, abandonando el tiempo de balada.

Esta última es mi favorita de todas las que he escuchado, versión que vendió más de un millón de copias y convirtió la canción en una de las más populares y versionadas de todos los tiempos. Entrando a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame.


Blue Moon

You saw me standing alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own


Blue Moon


You know just what I was there for

You heard me saying a prayer for

Someone I really could care for


And then there suddenly appeared before me

The only one my arms will hold

I heard somebody whisper please adore me

And when I looked to the Moon it turned to gold


Blue Moon

Now I'm no longer alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own


And then there suddenly appeared before me

The only one my arms will ever hold

I heard somebody whisper please adore me

And when I looked the Moon had turned to gold


Blue moon

Now I'm no longer alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own


Blue moon

Now I'm no longer alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own

Si alguien quiere más y mejor información, es muy recomendable este artículo de Wikipedia:
http://en.wikipedia.org/wiki/Blue_Moon_(song)

De la infinidad de versiones de esta maravillosa canción, he escogido unas cuantas, las que me parecen mejores o las más significativas o curiosas, intentando que estén representados todos o la mayoría de estilos, desde el Jazz y el Swing a la balada Crooner, el Doo-Wop, la balada rockera o sesentera, el country, el surf y hasta el fado o la Bossa Nova, hasta la curiosa versión Punk Pop de MXPX. Espero que lo disfrutéis.


http://rapidshare.com/files/21776255/Blue_Moon.rar.html

Connie Boswell.
Django Reinhardt.
Benny Goodman. (Vocals by Helen Ward).
Glenn Miller.
Ella Fitgerald.
Billie Holliday.
Frank Sinatra.
Dean Martin.
Tonny Bennett.
Elvis Presley.
The Marcels.
Bobby Vinton.
Nat King Cole.
Sam Cooke.
Santo & Johnny.
Pat Boone.
The Ventures.
Bob Dylan.
Amalia Rodrigues.
Rita Lee e Sergio Dias.
Showaddywaddy.
Tennessee.
Sha Na Na.
Cybil Shepherd.
Chris Isaak.
Swing Cats. (Vocals by Claudia Cummings).
The Mavericks.
Rod Stewart.
MXPX.

miércoles, marzo 07, 2007

THE MOODY BLUES. ”Long Distance Voyager” (1981, Polydor)


Grupo de Birmingham (Inglaterra) fundado en 1964 y que, en la década de los 60, era un buen grupo de R&B en la línea de lo que se hacía entonces en las islas británicas (con tan buenos resultados como Yardbirds, Them, Manfred Mann, Animals, o los mismísimos Rolling Stones, entre otros). De esta época, además, es muy recomendable hacerse con un grandes éxitos.

Con la entrada de Justin Hayward, los Moody Blues pasan a hacer una música “más compleja”, psicodelia y sonidos orquestales, entrando en un sonido que les convertiría en uno de los grupos de pop sinfónico más importantes de todos los tiempos, y que les proporcionó su mayor éxito, la canción “Nights in white satin”, que se incluía en el gran disco conceptual y orquestal “Days of future passed”.

Tras varios cambios de formación a lo largo del tiempo, y su separación en 1972, se volvieron a unir a finales de los años 70, volviendo a ocupar los primeros puestos de las listas con discos como este “Long Distance Voyager”.

A pesar de que está considerado por los fans del grupo como “una obra menor”, y seguramente lo sea en cuanto a complejidad musical, a mí es el disco que más me gusta de esta banda desde su primera época, incluso más que su tradicional sonido sinfónico. Para mi gusto, siempre han sido más importantes las canciones y las melodías que el sonido en sí o la calidad en las interpretaciones, que está muy bien pero como medio, que está al servicio de las canciones, y no como fin en sí mismo, que deja a la canción en segundo plano y acaba siendo hueco y muy aburrido. Yo, al menos, lo entiendo así.

Long Distance Voyager es un disco mucho más popero, muy comercial, introduciendo incluso sonidos AOR, obteniendo un gran éxito con el single “Gemini Dream” .

El sonido recuerda más a la ELO que a los tradicionales Moody Blues.

Es un disco muy bien interpretado, tanto en las voces como en los instrumentos, y muy bien producido dentro de los gustos de la época, los “temibles” 80, con arreglos orquestales, sintetizadores, o con la introducción de instrumentos no demasiado habituales en grupos de pop, como la flauta que, sin embargo, no parecen fuera de lugar.

Pero lo mejor, como siempre, es que contiene varias canciones muy buenas, desde baladas como “In my world” o la magnífica “Nervous”, hasta canciones de pop sinfónico como la preciosa “Talking Out Of Turn”, y canciones más cerca del AOR, como “The Voice”, “Gemini Dream” o “22.000 Days”.

Muy buen disco, que tuvo muy buenas ventas, aunque fue criticado por los fans más tradicionales del grupo, y cayó después en el olvido.

Yo aconsejo rescatarlo.

lunes, febrero 19, 2007

DION & THE BELMONTS. ”The Wanderer. The Best of 58-63” (1989, Laurie)

A finales de los cincuenta, En el Bronx neoyorkino nace un nuevo sonido, el Doo-Wop.
Los italoamericanos lo crean a partir del Rock-a-billy y con unas grandes dosis de melodía que proviene de las canciones napolitanas de sus orígenes.
1958 es el año en que las formaciones vocales formadas exclusivamente por blancos (white groups) fueron apareciendo masivamente en el panorama musical americano después de obtener por vez primera uno de ellas un TOP 20 en las listas pop con un tema propio.

Dicho grupo no fue otro sino Dion & The Belmonts con la canción" I Wonder Why" entre mayo y septiembre de 1958.

Esto ocasionó que los grupos armónicos blancos llamaran la atención de las compañías discográficas y tuvieran su oportunidad a partir de ese año.

Dion & The Belmonts rompieron todos los moldes conocidos hasta ese momento dentro del estilo con su ritmo rock & roll/pop, con un toque de jazz, sabiendo aprovechar al máximo las voces de acompañamiento.

La excelente voz de Dion Dimucci, el rey indiscutible de este género musical, y sus letras callejeras proceden de las calles del Bronx, en las que convivían géneros como el Rock and Roll, el R&B y los grupos vocales, que se reunían a cantar en los llamados "Street Corners".

Dion reclutó a otros rockers vecinos suyos y formaron Dion & The Belmonts, con canciones tradicionales y composiciones propias de Dion y de otros genios como Pomus/Shuman o el gran Ernie Maresca, compositores claves en la historia del Rock and Roll.

Dion conocía a The Belmonts de toda la vida, vecinos de barrio, aunque no pertenecían a su mismo círculo.

De hecho, Fred Milano y Carlo Mastrangelo pertenecían a los Imperial Hoods, una banda rival (Dion pertenecía a los Fordham Daggers).

Angelo Dáleo era el único que había recibido clases de canto.

The Belmonts habían tomado su nombre de la Avenida Belmont donde solían cantar rhythm´n´blues, inspirado en los grupos vocales negros, así como Rock and Roll.

Dion solía pararse a escucharlos, y en ocasiones se unía a ellos, hasta que, por fin, en 1957 Dion graba con The Belmonts, para el recién creado sello Laurie, el mencionado single “I Wonder Why”, un tema considerado como una de las grandes joyas del “doo-wop”.
No vuelven a alcanzar un éxito notable hasta 1959, año en que sacan al mercado la magnífica “A Teenager in Love”, una preciosidad vocal llena de ritmo y armonía, con la que alcanzan el puesto 5 en las listas.

Esta recopilación recoge las grabaciones de la primera época del grupo, para Laurie Records, así como algunos de los clásicos de Dion en solitario. Aquí están las famosas I Wonder Why, o los grandes clásicos A Teenager In Love, Runaround Sue o The Wanderer.

En general abundan las baladas y los tiempos lentos pero también hay canciones más movidas, uptempos, como las citadas Runaround Sue, The Wanderer o Lovers Who Wander.
Un clásico que no se puede dejar escapar.

martes, febrero 13, 2007

THE CURE.”Standing on a Beach. The Singles” (1986, Elektra)


Hoy, otro de los grupos más grandes para mi gusto, con un gran recopilatorio que resume su primera época, recogiendo los singles publicados hasta 1986.

The Cure es uno de los mejores grupos surgidos en la Inglaterra de finales de los años 70, con una estética peculiar y un sonido que, en sus inicios, estaba entre la new wave y el post-punk británico, aunque fue tendiendo cada vez más hacia el movimiento “Gótico”, composiciones pop, de tono oscuro y atmósfera un tanto enfermiza.

Robert Smith el alma mater del grupo, formó el grupo Easy Cure en 1976, cuando se unió con el bajista Michael Dempsey, el guitarrista Porl Thompson y el batería Lol Tolhurst. La banda comenzó a actuar en locales y a componer sus primeros temas. Tras el abandono de Thompson, el terceto restante, que recortó su nombre a The Cure, llamó la atención de Chris Parry, quien trabajaba en Polydor Records, que les firma su primer contrato discográfico para grabar el sencillo “Killing An Arab”.

Posteriormente, y ya para la grabación de su segundo LP, se les unió el fantástico bajista Simon Gallup, responsable en buena parte del sonido del grupo.

Este recopilatorio, titulado en su reedición en CD “Staring at the Sea”, marcará el paso de grupo de culto a grupo “mainstream”, la primera llegada del grupo al gran público, catapultándolos a los primeros puestos en las listas de ventas y entrando por primera vez en el Top 50 en los USA, cerrando una primera etapa, la que más me gusta del grupo.
En la segunda etapa conseguirían todavía más éxito, pero ya hablaremos de ello en otra ocasión.

En "Standing on a Beach" se recogen los singles de los primeros años de la banda, desde el primero, "Killing an Arab" publicado en 1979 hasta “Close to Me”, de 1986.

El disco es bueno para repasar los inicios de la banda, más cercanos al pop nuevaolero que a los sonidos más oscuros por los que les conoce la mayoría del público, aunque de todo hay, y en el podemos encontrar magníficas canciones como "Boys Don't Cry", “Play for Today”, “A forest”, "Close to Me", “The Lovecats”, “In Between Days”, etc.

Un disco ideal para introducir a aquellos que no tengan ningún disco de esta primera época del grupo, para mi gusto, la más recomendable, aunque a mí, de The Cure, prácticamente me gustan todos los discos que han grabado.

jueves, febrero 01, 2007

THE HOUSEMARTINS. ”Now That´s What I Called Quite Good” (1988, Go!)

Hay grupos que alargan su carrera años y años, aunque ya no tengan nada nuevo que decir, y otros que aparecen de repente, y desaparecen rápidamente por donde han venido, dejando unas cuantas canciones imprescindibles.

Ese último es el caso de The Housemartins.

Aparecieron a finales de los años 80 con un fantástico single:” Happy Hour”, que se incluía en el disco debut London 0, Hull 4, y buena parte de la crítica se deshizo en elogios hacia la nueva banda, saludándola como un soplo de aire fresco. Una gran canción, con una cara B en la que se incluía un instrumental, genial y divertido, "The Mighty Ship".
The Housemartins eran Paul Heaton (voz, guitarra), Norman Cook (bajo), Stan Cullimore (guitarra) y Hugh Whitaker (batería, más tarde reemplazado por Dave Hemmingway).

Con una instrumentación clásica del pop de guitarras, sencilla, sin demasiados alardes en arreglos y producción, voces estupendas (como se puede comprobar en los temas a capella Caravan of love o He ain't heavy), guitarras y voz que recordaban lejanamente a los Smiths, pero más accesibles, con melodías pegadizas, brillantes y muy divertidas, que contrastaban con unas letras ácidas y sarcásticas, muy comprometidas políticamente, consiguieron hacerse un hueco en el panorama musical, dominado entonces como ahora (y prácticamente siempre) en su inmensa mayoría por "artistas" prefabricados por las discográficas.

Pero ante joyas poperas del nivel de Happy hour, Think for a minute o We´re not Deep, entre otras, el público supo reconocer la valía del grupo, y disfrutaron de unas ventas más que aceptables.

El segundo disco se publicó al año siguiente, bajo el título The people who grinned themselves to death con los mismos ingredientes, destacando Me and the farmer y Five get over excited, las canciones más lentas Build y The light is always green, además de la preciosa obra de arte Bow Down. (Para mi gusto, su mejor canción y una de mis favoritas de siempre).

Y aquí termina la historia, las discusiones internas y cierta frustración por el estancamiento de las ventas y la notoriedad, lejos de la esperada, terminaron por convencer al grupo de que ya no había nada nuevo que aportar, así que se van "con la música a otra parte".

Ellos dicen que se habían comprometido a estar juntos sólo ese tiempo. El caso es que ya sólo publicaron este recopilatorio , con la inclusión de algunos temas aparecidos en singles, como el número 1 “Caravan of Love”, caras B y temas inéditos, y los Housemartins fueron historia.

El cantante Paul Heaton formó The Beautiful South (un grupo que a mí no me gusta tanto, ni de lejos) y el bajista Norman Cook, es ahora famoso con el alias de Fatboy Slim.

A nosotros siempre nos quedará el recuerdo de unas canciones excelentes y divertidas, y la duda de si habrían podido superarse de haber continuado más tiempo.

Las canciones, además, han envejecido muy bien y merece la pena recuperar y disfrutar los discos cada poco tiempo. Es muy saludable.

jueves, enero 18, 2007

SANTANA. ”Abraxas” (1970, Columbia)


Un año después de apacecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, el segundo de su carrera y su gran obra maestra, Abraxas, posiblemente el mejor disco de rock latino que jamás se haya grabado, que ha tenido una influencia enorme en la música posterior.

Santana experimenta e innova, introduciendo sonidos étnicos, Jazz e incluso música clásica, que el añade a la base de su música, mitad blues, rock y r&b, con sus dos mayores influencias, B.B. King y Jimi Hendrix, y mitad ritmos y música tradicional latina, que él prefiere llamar afrocubana.

A día de hoy su música no parece tan nueva, porque sus innovaciones han sido adoptadas por multitud de músicos de todos los estilos y porque hoy parece que la música latina está de moda, pero Carlos Santana, al frente de su banda, fue el primero en incorporar los difíciles ritmos de la música latina dentro del rock, creando una especie de world music treinta años antes de que se inventase esa etiqueta. Reconocen su influencia los músicos más diversos, desde el rock latino hasta el hip hop, pasando por los sonidos latinos del Jazz fusión, el reggae, el acid jazz y un largo etcétera, sin dejar de ser nunca un músico de Rock y de R & Blues.

Abraxas aparece en plena época "hippie", y se ve influido por la estética de la época ya desde su portada, así como el título esotérico, y su sonido, con alguna influencia de la psicodelia (vía Jimi Hendrix) .

La fusión de rock, blues y jazz, y los sonidos étnicos dan un toque especial y original al disco, con versiones excelentes como "Oye Como Va" (Tito Puente) y "Black Magic Woman" (compuesto por Peter Green de Fleetwood Mac).

Santana y su banda, no solo tocan de lujo, también participan en la composición: Santana hace el genial "Samba pa ti”, uno de los instrumentales más bonitos que he escuchado, interpretado, además, de una manera genial, espectacular y emocionante.

Abraxas, obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas y más de un millón de copias vendidas por aquel entonces, algo rarísimo y difícil para un grupo básicamente instrumental, como el de Carlos Santana.

Posteriormente tendría una carrera llena de altibajos, tanto artísticos como comerciales, alternando discos muy buenos, aunque, para mi gusto, nunca al nivel de Abraxas, con otros más que mediocres, y grandes superventas con periodos en los que casi ha desaparecido.

Pero ha podido llegar hasta el día de hoy, y ha podido ver como el estilo que prácticamente inventó está más de moda que nunca, lo que hace que pueda presumir de ser el artista que más grammys ha conseguido en un mismo año, un total de 8 para su disco “Supernatural”, de 1999.

lunes, enero 15, 2007

BRIAN SETZER. ”The Knife Feels Like Justice” (1986, Razor & Tie)


Tras la primera disolución de los Stray Cats, Brian Setzer grabó un par de discos que lo alejaban de su habitual sonido rockabilly.

Este es el primero de ellos, un disco muy bien producido, en el que prueba con un rock americano estilo Tom Petty o John Mellencamp, que tal vez despistó un poco a los fans más rockabillys.

Un disco prácticamente único en su discografía, ya que el siguiente (“Live Nude Guitars”) es diferente, más sencillo y muchísimo más guitarrero, y con un sonido mucho más sucio, este es un disco de rock americano clásico, de banda, con un acompañamiento de teclados en la línea de lo que se venía haciendo en la época, y un sonido muy cuidado.

Se le critica por ser un disco muy comercial, pero yo no lo creo, al menos no creo que esa fuera la razón del cambio de estilo, Brian Setzer ya tenía el suficiente éxito con los Stray Cats como para seguir vendiendo sin cambiar de estilo. Quería sonar diferente, hacer cosas nuevas, probar nuevos sonidos. Y, lo más importante de todo, las canciones son muy buenas.
La critica lo veía como un intento de convertir a Brian Setzer en un artista maduro, serio, incluso en la imagen, y tal vez sea así, pero eso no se traduce ni mucho menos en una música mediocre, sino al contrario, en un disco brillante, una gran demostración de que este talentazo podía hacer muchas más cosas que centrarse en el rockabilly, (género que a mí me encanta desde siempre, pero que tiene sus limitaciones) como demostró después recuperando y volviendo a poner de moda el Swing, con su BS Orchestra.
Simplemente le apetecía cambiar un poco, y realiza, acompañado, eso sí, de grandes músicos como Mike Campbell, un disco bastante brillante, con su habitual competencia como cantante y guitarrista, y añadiendo una banda de Rock en toda regla (teclados, batería, etc) que le da más posibilidades.
A estas alturas es evidente que Brian Setzer es un guitarrista de rockabilly (tal vez el mejor), y es lo que mejor hace, pero no estaría de más que hiciera más incursiones de este tipo, en el rock americano clásico, con grandes canciones tipo The Knife Feels Like Justice, Boulevard of Broken Dreams, Aztec, Bobby´s Back,...

Un gran músico, en un estilo y un sonido que no ha repetido. Un disco que merece la pena rescatar.

martes, enero 09, 2007

RORY GALLAGHER. ”Tattoo” (1973, Buddha)


Rory Gallagher es un músico desconocido para muchos, a pesar de que se le cita entre los mejores guitarristas de la historia del rock y el blues.
Es uno de los dioses de la guitarra más subestimados, pero está a la altura e incluso por encima de muchos de mayor renombre.
Con todo, durante sus treinta años de carrera, vendió más de 30 millones de discos, y es uno de los más influyentes rockeros irlandeses y músicos de blues de todos los tiempos. También en España ha sido muy influyente, sus conciertos muy recordados y, por ejemplo, Rosendo ha declarado que le debe el haberse dedicado a la música, a raiz de asistir a uno de sus conciertos en los 70. (Y, de hecho, a Rory Gallagher está dedicada la canción “Agradecido”.

La mayor parte de su éxito comercial y fama la alcanzó a finales de los años 60 (con el grupo Taste, y sobre todo, en los 70. Inexplicablemente (al menos para mí, ya que los discos siguen siendo buenísimos), cayó en el olvido en los 80.

Su prestigio como músico de directo, uno de los mejores directos de la historia (dicho por todo aquellos que tuvieron la suerte de verlo actuar) y sus magníficos discos no le dieron la fama y memoria que mereció, a pesar de ser solicitado por grandes músicos de estilos tan diversos como Blues, Rock o incluso Folk (tocó en discos y actuaciones, por ejemplo, de The Dublinners, o de Davy Spillane), y se dice que le ofrecieron nada menos que sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones. A lo que renunció, porque quería hacer su propia música.

Influenciado por los sonidos “negros”, toca y canta como si de un negro se tratara, en un estilo muy parecido, por ejemplo, al de Albert King. Su música es blues-rock interpretado con emoción, casi con rabia, con una voz desgarrada, rabiosa pero a la vez dulce, y unos solos y riffs llenos de energía, intensidad y potencia.

A pesar de no abandonar el clásico Blues Rock, se las arregla para que sus canciones suenen personales, originales y, sobre todo, sinceras. Poco a poco fue, además, endureciendo su sonido, hasta acercarse al Hard Rock.

“Tatoo” es, para mí gusto, su mejor disco, aunque nos dejó varias joyas antes de fallecer, tras muchos problemas con el alcohol, el 14 de junio del año 1995, cuando su hígado dijo basta. Tenía 46 años.

En este disco se encuentra una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, la fabulosa “Tattoed Lady”, pero es que todas las canciones son buenas, “cradle rock”, “A million Miles Away”,...

Un músico y un disco imprescindibles en cualquier colección que se precie. Te gustará si te gusta el blues, te gustará si te gusta el Rock o el Hard Rock y hasta si te gustan los sonidos más folks, más irlandeses.

martes, enero 02, 2007

THE SLEEPY JACKSON "Personality (One Was A Spider, One Was A Bird)" (2006, Astralwerks).


Vamos a empezar el año con el que, para mí, es el mejor disco y el gran descubrimiento del año 2006.

En realidad, The Sleepy Jackson, más que un grupo, es el proyecto de un solo músico, el australiano (de Perth) Luke Steele, cantante, compositor, productor, arreglista y multi- instrumentista.

Después de un disco debut muy bueno (“Lovers”, del año 2003) , pero que pasó casi desapercibido y no tuvo apenas distribución, necesitó tres años para preparar este segundo LP, “Personality”, esta vez con mucha más distribución, lo que le ha permitido ser un poco más conocido fuera de su país.

De entrada, la producción está tremendamente cuidada, en la línea (sesentera, barroca y preciosista) de los grandes productores de Sunshine pop, tipo Curt Boetcher, una producción muy trabajada y elaborada, con un gran gusto por los arreglos, las melodías, las orquestaciones (estilo Spector, como no) y los coros y armonías, en la línea de grandes como los Beach Boys o los Beatles.

Así, combina melodías y guitarras al puro estilo George Harrison (“Devil Was in My Yard”) con canciones más elaboradas, de pop más barroco, como la que abre el disco “You Needed More” , mi favorita “God Knows”, o la gran balada “Miles Away”. Tiene también elementos del pop Glam (Tal vez la voz, que a mí me recuerda a la de Marc Bolan) como por ejemplo en “God Lead Your Soul”, o en “Dream On”. Y, además, no se queda anclado en los sonidos sesenteros, sino que las canciones suenan modernas, en un estilo psicodélico, en la línea de sus amigos y colaboradores Flamin Lips o Mercury Rev.

En fin, un disco sensacional, que merece la pena escuchar, de un músico que, al menos, trata de elaborar pop del bueno, melodías, coros, todo eso que se va perdiendo para buscar más “canciones inmediatas”, propias de la era internet, donde casi todo son ventajas pero, a veces, hace que con demasiado para escuchar y poco tiempo, cada vez tengamos menos paciencia para escuchar los discos con la calma que muchos merecerían.

Se agradece que haya músicos que todavía sigan buscando la belleza en voces, coros y arreglos, y la melodía perfecta. A veces aciertan, a veces caen un poco en el exceso, en la grandilocuencia.

En fin, poco más de 40 minutos que se hacen muy cortos, y que merece la pena escuchar con calma. Ya se hacen muy pocos discos así. No me refiero a así de buenos en plan nostálgico, en plan “no se hacen como antes”, ni mucho menos, me refiero a que pocos son los músicos que siguen apostando por este estilo.

Luke Steele sí apuesta y, además, para mi gusto, al menos en lo artístico, gana. Ojalá lo comercial le vaya igual de bien, el disco lo merece.

Muy recomendable.