Add Some Music To Your Day

Para escuchar sin prejuicios (1): Abba

2008-04-29T16:59:00.009+02:00

A principios de los años setenta, cuatro suecos llamados Anni-Frid, Agnetha, Bjorn y Benny formaron uno de los grupos de más éxito de los setenta y principios de los ochenta.

Bautizaron el grupo jugando con las iniciales de sus cuatro integrantes. El resultado: ABBA.

Un grupo concebido especialmente para gente dispuesta a disfrutar al máximo con melodías más que pegadizas, grandes estribillos, armonías vocales, sonido muy cuidado y diversión sin mayores pretensiones. Lo que se conoció como “Europop”, en su versión original.

El salto a la fama de Abba tuvo lugar en 1974, cuando ganaron el festival de Eurovisión, celebrado en Brighton, con la canción Waterloo.

Desde entonces ha vendido más de 250 millones de discos.

Discografía:

1973	Ring Ring
1974	Waterloo
1975	ABBA
1976	Arrival
1977	The Album
1979	Voulez – Vous
1980	Supertrouper
1981	The Visitors
1986	ABBA Live

De su discografía, me gustan especialmente tres discos, los que harían los números segundo, tercero y cuarto.

1974. Waterloo:

El primer gran superventas de los suecos, tras su paso por el festival de Eurovisión. En él ya se pone de manifiesto lo que son capaces de hacer: Talento para las melodías y los arreglos, facilidad para encontrar el estribillo adecuado, sentido del ritmo y grandes coros y armonías vocales.

Se trata, además, de un disco muy variado, que recoge desde guitarras distorsionadas casi de Hard Rock (King Kong Song) hasta ritmos caribeños y reggae (Sitting In The Palmtree), pasando por el pop más descarado y pegadizo marca de la casa (Waterloo) y los ritmos de Folk-Rock.

Destacan las canciones Waterloo y Honey Honey, los dos singles de éxito.

1975. Abba:

El disco con el que ABBA empieza a batir records de ventas jamás antes conocidos por ningún grupo sueco. Los Singles I Do, I do y Mamma Mia se convirtieron en grandes éxitos mundiales.

Musicalmente, es una vuelta de tuerca más al estilo que les haría tan populares, incorporando ya en la función elementos de música de baile, junto con esa mezcla de estilos y esos juegos de voces que caracterizan al grupo, y poco a poco dando forma al sonido europop.

1976. Arrival:

Con este disco, ABBA termina de demostrar, si no lo había hecho ya en su disco anterior, que no era un éxito efímero producto de su victoria en Eurovisión.

La música da un paso adelante más en cuanto a calidad de las composiciones y arreglos. Arrival, la composición de aires celtas, (que utilizaría más adelante Mike Oldfield en Tubular Bells) ya era de una complejidad no habitual en el clásico perfil de “ganador de eurovisión”.

Liberados de ese “estigma”, ya se dedican a lanzar un éxito detrás de otro: composiciones discotequeras como Dancing Queen, canciones más melancólicas como Knowing Me Knowing You, y exitazos de puro pop como Money Money Money y Fernando, lanzaron al grupo a lo más alto.

MALEVAJE:

2008-02-04T17:20:00.000+01:00

"Decí, por Dios, ¿qué me has dao,

que estoy tan cambiao,

no sé más quien soy?

El malevaje extrañao,

me mira sin comprender...

Me ve perdiendo el cartel

de guapo que ayer

brillaba en la acción...

¿No ves que estoy embretao,

vencido y maniao

en tu corazón?"

(Enrique Santos Discepolo)

Malevaje, el grupo madrileño de tango, está a punto de publicar su duodécimo disco, “No me quieras tanto (quiéreme mejor)”

"Yo siempre he sido muy tanguero, me viene de familia. Mi abuelo lo era, mis padres también, a pesar de ser madrileños.

Yo siempre cantaba tangos en las fiestas de los amigos. Hasta que nuestro amigo Rafa nos propuso cantar en su bar, El Salero. A la gente le gustó, hubo una discográfica que nos propuso grabar, grabamos, el disco se vendió más o menos bien así que seguimos, se fue liando la cosa y así hasta hoy”

Esto decía, hace unos años, Antonio Bartrina en una entrevista.

Malevaje surge en el año 1984 en torno a Antonio Bartrina. Al principio actuaba en solitario acompañándose él mismo con la guitarra y, ocasionalmente algún invitado al contrabajo.

Después se unieron Fernando Gilabert al Contrabajo, Ramón Godés a la guitarra electroacústica (ambos integrantes de Los Coyotes) y Edi Clavo (Batería de Gabinete Caligari) en las escobillas. Completaba el grupo Virginia Díez como bailarina y tocando las castañuelas.

En Madrid, en esa época, prácticamente valía todo. Así que un grupo de "rockeros" procedentes Gabinete Caligari y Los Coyotes y con una bailarina cantando tangos fue admitido en el circuito de actuaciones de "la movida" como si tal cosa. Es más, con el suficiente éxito como para que les ofrecieran grabar un disco.

Ese disco fue “Tangos”, de 1984. Un minilp de ocho canciones en el que, entre otras, Antonio Bartrina se atreve con clásicos como Malevaje, Mano a Mano, Si soy así, Garufa o Confesión, entre otros.

Antonio Bartrina, obviamente, no es Carlos Gardel, pero es innegable que tiene mucho talento y personalidad para cantar tangos y darles un barniz “moderno”, incluso rockero y de nueva ola, dentro de una línea muy clásica, y muy bien apoyado por el grupo, de los mejores músicos de rock nuevaolero (y con toques latinos o castizos) que había por entonces.

Así el disco resultó ser algo muy original que, sin venderse como rosquillas, lo cierto es que funcionó bastante bien.

Eso les valió una segunda oportunidad, ya con todo un LP, “Margot”. Es entonces cuando conocen al maestro Osvaldo Larrea, Bandoneonista, compositor y arreglista argentino, viejo tanguero que se sorprende de que gente joven y de España se dedique a interpretar tangos, y entra a formar parte de la banda. "Con Osvaldo Larrea, la forma de entender el tango evoluciona y madura sin perder al mismo tiempo la personalidad propia de Malevaje", dicen en su página Web. La inclusión del bandoneón, desde luego, enriquece mucho el sonido del grupo, y eso se nota en su tercer disco “Arriba los Corazones”, grabado ya con el maestro bandoneonista.

Ese enriquecimiento de sonido provoca una diferente manera de entender el tango, más clásico, menos “rock”, y una apertura a otros sonidos y ritmos, como la milonga, La Habanera, La Rumba o el candombe, así que comienzan a introducirse cambios en la formación. Sale Edi Clavo y entra un batería con mayor dominio de la percusión y de los ritmos “latinos”, Celestino Albizu, otro “Coyote”.

A partir de aquí, poco a poco Malevaje se va convirtiendo en una pequeña “orquesta”, abandonando la guitarra y entrando un violín y un violonchelo ya en la formación que grabaría sus siguientes discos, “Un Momentito”, “Inchi Limonchi” y el disco en directo “Envido”.

Para mi gusto, estos últimos discos son mejores y más ricos en cuanto a sonidos y ritmos, sin perder el sonido típico de Malevaje que, claro esta y como no puede ser de otra forma, se lo da la peculiar voz y forma de entender el tango de Antonio Bartrina. Me sigue gustando mucho, pero también es cierto que el grupo va perdiendo frescura y originalidad.

Eso sí, esta riqueza y ortodoxia se traduce en un gran éxito del grupo dentro del circuito de tangos, incluso a nivel internacional, girando con éxito por teatros de Suiza, Francia, etc.

Aunque siguen haciendo versiones de clásicos, cada vez van introduciendo más temas propios, y siguen sacando canciones que obtienen cierto éxito, como “Arroz Blanco”, introduciendo también canciones y ritmos típicamente madrileños y castizos (Chotis, etc).

Y así, aunque Osvaldo Larrea se vuelve a Argentina, entra un nuevo bandoneón y una pianista y se siguen sucediendo los discos, “Va cayendo gente al baile”, “Con Permiso, Don Carlos”, su disco más vendido, o “Plaza Mayor”, su disco más castizo.

A partir de este disco, Antonio Bartrina decide volver a su clásico sonido de Guitarra/ Contrabajo/ Bandoneón. Esta nueva formación grabará, hasta la fecha, dos discos, “Vuelvo al Barrio” y el directo “¿Qué 20 años no es nada?”.

En fin, y ahora sacarán disco nuevo. A partir del tercer disco, yo cada vez los he escuchado menos, pero no he faltado a la cita en la tienda de discos, salvo “Va cayendo gente al baile” los voy teniendo todos (por cierto, si alguien lo tiene y me lo quiere vender… yo no lo encuentro) y aconsejo hacerse, al menos, con los tres primeros. (Hay una edición en CD con los dos primeros discos – y para mi gusto los mejores- , Tangos y Margot, que puede ser muy interesante para iniciarse.)

Y si tienes oportunidad de verlos en directo, tampoco te los pierdas, es muy recomendable. Es una forma muy buena de introducirse y de descubrir el tango, todo un mundo que después, si se profundiza un poco, es más que apasionante.

En fin, como dice Antonio Bartrina en la letra de la canción “A mi modo y con mi acento”: "De la Boca a Lavapiés hay un momento... Por qué no hacer aquí el tango si en Japón se hace flamenco".

Y esta entrada quiere ser un homenaje también al maestro Osvaldo Larrea, fallecido hace pocos años, y sin el que Malevaje, que tantos buenos momentos me ha dado, no hubiera existido de esta manera.

http://www.elsitiodemalevaje.com/

Los Super Ratones

2008-01-30T09:51:00.000+01:00

La buena noticia es que los Super Ratones, el sensacional grupo argentino de Pop Guitarrero, están terminando su nuevo disco y, además, tendremos la oportunidad de verlos en España para el próximo verano.

Después de más de 20 años tocando, la verdad es que han conseguido consolidar uno de los mejores shows en directo que se pueden ver actualmente.

Yo apenas los conocía de oídas cuando los ví en el Felipop, hará unos cuatro o cinco años, y la verdad es que me dejaron con la boca abierta.

La pena es que no todos sus discos son fáciles de conseguir en España, pero los que voy pudiendo escuchar, lo cierto es que no me han decepcionado.

Hacen una música llena de fuerza rockera, capaz de triunfar en un festival tan rocanrolero como el crossroads y, a la vez, sus canciones, llenas de cultura musical, armonías vocales y buen gusto, les permite triunfar también en festivales pop dedicados a la melodía, como el Felipop, donde la verdad es que arrasaron el año que yo los ví y, según me contaron, volvieron a arrasar en su vuelta, hace un par de veranos. Si tenéis oportunidad de verlos, yo no me los perdería. Desde luego si tengo ocasión (y haré por tenerla) yo no me los pienso perder.

Su nuevo disco, además, estará editado en España para la próxima primavera, asi que esta vez lo tendremos un poco más fácil para calentar motores.

Esta es la nota de prensa que ha llegado a mis manos:

SUPER RATONES 2008

Mientras terminan el nuevo disco se preparan para volver a tocar en Buenos Aires

Tan activos como siempre, SUPER RATONES sigue girando por Argentina y grabando nuevas canciones. Tras la partida de Fernando Blanco, la banda se replanteó el disco que estaban haciendo y agregaron nuevas canciones. La próxima placa, aún sin título estaría en las bateas argentinas para el mes de abril y en las españolas para el mes de mayo. En el disco participan invitados como Tavo Kupinsky (Los Piojos) y Juanchi Baleirón (Pericos) entre otras sorpresas.

Mientras continúan con shows por el interior del país, SRT tocará el próximo 16 de febrero junto a La Portuaria en el Anfiteatro Griego de Costanera Sur con entrada libre y gratuita.

Además en los últimos meses grabaron una versión del tema de The Posies “Going, Going, Gone” para un disco tributo que se editará en Estados Unidos por el sello independiente Burning Sky. Por otro lado también participan con dos canciones para el CD “Historias de adolescentes” producido por el Ministerio de Educación junto a otros artistas como La Mosca , Antonio Birabent, etc.

En julio y agosto estarán nuevamente de gira por España, Alemania, Portugal, Bélgica y Noruega.

www.superatones.com www.myspace.com/superatones

El pop en España, años 80 (2) LAS CANCIONES PERDIDAS.

2008-01-15T20:04:00.002+01:00

Todos conocemos, después de incontables recopilatorios, las canciones más significativas del pop de los ochenta en España.

Sin embargo, por diferentes circunstancias, muchos grupos no tuvieron la suerte que merecían, y desaparecieron después de un single, un miniLP o, los más afortunados, uno o hasta dos discos LP que, por llegar ya tarde, por su mala producción o promoción o por las causas más diversas, pasaron desapercibidos o se olvidaron muy poco después.

Esos recopilatorios que estaban tan de moda desde el año 2.000 tienen, sin embargo, una característica principal: Ninguno arriesga, desde aquel vinilo triple de portada roja de “La Edad de Oro del Pop Español, Vol. 1” de finales de los 80, que recogía las canciones más significativas con bastante acierto (y éxito), todos vienen teniendo las mismas canciones, o casi, y últimamente incluyen a músicos y canciones que poco o nada tienen que ver con el pop de la época, o de las que, entonces, cualquier amante del pop nuevaolero renegaba (cantautores, pop ultracomercial, cantantes de rock duro, flamencos, etc). Y es que, con el tiempo, como con la noche, parece que todos los gatos son pardos.

, sería que algunas discográficas, dada la moda de la “movida” que nos asoló hasta hace poco, le querían dar un barniz “nuevaolero” y “modernillo” que, para bien o para mal, jamás tuvieron, a algunos de sus artistas más significativos. (Tales como Joaquín Sabina, Miguel Bosé o hasta los mismísimos Ana y Víctor o Miguel Ríos).

Por cierto, aquel recopilatorio de la Edad de oro del Pop Español tuvo un segundo volumen, también triple, con portada de color negro, en el que sí se recogían grupos más oscuros o menos populares.

Curiosamente, de este recopilatorio tampoco se acuerda ya nadie. Y es que, “cuando uno nace pa’ martillo, del cielo le caen los clavos”, que diría Rubén Blades.

De todas formas, algunos de estos grupos fueron reivindicados posteriormente (por grupos posteriores en los que se integraron sus miembros, o por versiones que, años después, hizo otro grupo más afortunado), otros gozaron de cierta popularidad en su momento para después caer en el olvido.

Voy a recoger, sin ordenarlas de ninguna manera, 50 de esas “canciones perdidas” (o casi perdidas, que alguna sí sonará un poco más) en el olvido, de pop español de los años 80.

unas coincidirán con el otro post sobre Pop español de los 80, ya que las considero de las mejores de la década, otras se me olvidaron en ese momento, y otras, sin ser de las 100 mejores, si son canciones que merecía mucho la pena rescatar y hablar un poco más de ellas.

1. Los Auténticos. “La Estrella”.

Este grupo de pop nuevaolero procedente de Castellón, causó sensación con su maqueta, en la que ya estaba esta canción, una de las mejores canciones de pop que se han grabado en este país, lo que les permite, entre otras cosas, presentarse en Madrid en la sala “El Sol”.

Finalmente, fichan por el sello catalán Edigsa y editan a finales de 1981 un single con “la Estrella” y otra preciosa canción, “Mi abuelo”. Lamentablemente, esta es una de las últimas referencias del sello, que quiebra muy poco después, dejando al grupo con la promoción a medias y sin discográfica.

El single, desde luego, es una auténtica joya que merecía mucha más suerte.

2. Flash Strato. “Cristales Molidos”.

Hubo un tiempo en que las maquetas de este grupo no dejaban de sonar en las radios más “modernas” de la época. Flash Strato era una de las mayores promesas del pop madrileño de principios de los años 80.

Sin embargo una serie de malas experiencias (promesas incumplidas por las discográficas, servicios militares, etc) acabaron con la trayectoria de este grupo, que sólo llegó a editar un single (en el que está su canción más conocida, “Madrid en Tecnicolor”) y un Maxi que pasó totalmente desapercibido y que recogía, entre otras, esta buena canción.

3. Los Modelos. “Noche de Lluvia en Madrid”.

cerca del pop español de principios de los 80, una de las cosas que me resultan más incomprensibles es que no triunfase este grupo, capaz de hacer canciones pop como las cinco que el sello MR editó en un miniLP de 1983.

En la época estaban considerados casi como el prototipo de “pop baboso”, pero eso no es del todo justo. Para mi gusto, se trata de cinco excelentes canciones, no demasiado bien producidas (les falta algo de fuerza) publicadas ya dos años después de la separación del grupo, desanimados ante la “sordera” de las discográficas.

De Hecho, fue reeditado por Twins en 1985, con una portada distinta y el título de "Éxitos", y tampoco gozó de la difusión que merecía.

Escojo esta canción como podría incluir cualquiera de las otras cuatro. De hecho, en el post de mejores canciones de los 80 elegí “Las Gafas Negras”. Me parece un disco imprescindible para cualquier aficionado al pop español de la nueva ola.

Seguimos esperando a que alguien se anime a publicar el resto de material que el grupo dejó grabado en diferentes maquetas.

4. Sanchís y Jocano. “La Crónica de San Sebastián”.

Un grupo que ha grabado ya al menos tres LPs y que sigue en activo y, sin embargo, fuera de su ciudad no los conoce casi nadie.

Con esta joya de inspiración dylaniana estuvieron a punto de rozar el éxito en 1987 y, sin embargo, fuera de su entorno, ya casi nadie se acuerda de ellos. También es cierto, para mi gusto, que no tienen otra canción que se acerque, ni de lejos, al nivel que demostraron en esta (tal vez se acercan en “acuérdate de mí”, y poco más).

Yo sólo tengo este primer LP y, la verdad, tampoco es que me interese demasiado la música que hacen, que me parece aburridísima y desfasada, pero lo cierto es que esta canción es realmente buena y, creo, no merece caer en el olvido.

5. Dóberman. “La Balada de los Días Grises”.

Esta preciosidad de canción está escondida en la cara B del único single que se editó de este grupo asturiano, del que hay poquísima información. La cara A se llamaba “Hey Nena”, y era una canción que iba en la línea del Rock and Roll clásico o revival Rockabilly.

Este es otro de los grupos que tuvo la mala suerte de grabar con la compañía Edigsa, cuya quiebra les dejó sin ninguna posibilidad de promoción.

Para mi gusto es, con los Auténticos y Los Modelos, lo mejor de esta selección de canciones ocultas.

La canción aparece en 1981, y se incluye en el recopilatorio de Edigsa “Ideas”, junto con Los Auténticos, Liquid Car, Carbonilla y Edison. Prácticamente todos esos grupos van a estar incluidos en esta entrada. Un disco que merece mucho la pena.

6. La Banda del Tren. “Esclavo de la Noche”.

Uno de los pioneros de la nueva ola en Asturias, que no pudo sobrevivir a lo lejos que, por entonces, quedaban estas comunidades. Acabó separándose tras un buen disco “Terminal Norte” que, sin embargo, pasó sin pena ni gloria.

Esta canción forma parte de su primer single, editado por la “Sociedad Fonográfica Asturiana” en 1982 y producido por Teddy Bautista. Una gran canción de pop/rock.

La discografía de este grupo sería reeditada en el año 2003, junto con las maquetas y alguna canción en directo.

Lamentablemente, y a pesar de la vuelta del grupo a los escenarios, la reedición gozó todavía de menos difusión y promoción que sus discos de entonces.

7. Edison. “El Rock del Diario Hablado”.

Otro grupo de Edigsa, este barcelonés, y que tocaba canciones de rock / rhythm & Blues clásico, en la línea de otros grupos como Mermelada.

El grupo no editó más que un par de singles, pero nos dejaba canciones como esta, publicada en single en 1981. Rock clásico con mucho encanto.
8. Los Modelos. “Las Gafas Negras”.
No me resisto a incluir esta canción, posiblemente la más nuevaolera de las que se editaron de este excelente grupo madrileño que, desde luego, se merecía mucha más suerte.
9. Flash Strato. “Madrid En Tecnicolor”.
Tampoco me resisto con esta, el himno pop a la movida madrileña. Un single publicado en 1983, cuando ya era tarde y que, además, tuvo muy poca promoción. Lástima, porque este grupo la verdad es que prometía mucho más.
10. Trastos. “Te voy a Buscar”
Este grupo, en su día, parecía que iba a ser de lo mejor de la época, y ahora, prácticamente, ni aparecen en guías y recopilatorios.
En realidad, a principios de los 80 resultaba sospechoso decir que te gustaban los Trastos, grupo acusado de montaje por el férreo control que, sobre ellos y sobre su imagen, ejercía su compañía de discos, que los hacía aparecer, ante los aficionados al pop, como un montaje de la discográfica.
Toda compañía, por entonces, buscaba su Tequila, y en este caso CBS cogió a una de las mayores promesas del pop nuevaolera de la época y, con la producción archicomercial del disco, se dedica a convertir a un grupo de power pop en algo insulso, dirigido a quinceañeras. Y así, una de las mayores promesas del pop español de principios de los 80, se tranforma en un fracaso, y en un grupo del que renegaba todo amante de la Movida.
El disco, sin embargo, se queda a medio camino, por lo que no gusta a casi nadie y tampoco responde a las expectativas de ventas de la compañía, y el grupo, ante el fracaso musical y comercial, lamentablemente, decidió abandonar la música.
Para mi gusto la producción – llena de violines, miel y azúcar- no logra tapar del todo algunas de las mejores canciones pop de la época. Aunque, desde luego, podía haber sido muchísimo mejor.
11. Ejecutivos Agresivos. “Te Espío”
En este simpático “supergrupo” militaban muchos músicos que serían bastante conocidos más adelante. Poch, Paco Trinidad, Jaime Urrutia o Carlos Entrenas, por ejemplo.
Su primer (y único) single, con dos canciones más bien veraniegas a ritmo de Ska (Mari Pili y Stereo) sí tuvo cierto éxito, lo que confundió a su compañía de discos, que empezó a verlos como un grupo comercial de corte “veraniego”. Esto provocó importantes diferencias entre el grupo y su compañía, lo que hizo que el grupo se separase poco después, sin llegar ni a editar el single que estaba ya grabado y preparado. En ese segundo single se encontraba esta canción, “Te Espío”.
Posteriormente, ya en 1986 y debido al éxito posterior de alguno de los integrantes del grupo, la compañía editaría un LP, realizado con las canciones que tenían grabadas y algunas maquetas.
Una pena porque el grupo lo tenía todo para triunfar, además de parte del camino ya recorrido.
12. Los Zoquillos. “Nancy”.
Grupo de vida efímera, con un solo single en la calle, y casi más conocidos en su época por el romance que su cantante (Pablo Sela) mantuvo con Alaska.
Su único single, editado por Spansuls en 1983, contenía tres canciones, entre ellas esta canción de rock and roll macarra y ramoniano.
Años después Pablo Sela se integraría en el grupo Melopea. Un grupo de surf y rock garajero bastante flojo, que tendría cierta repercusión.
13. Kiki D’Akí. “Accidente”.
Tras este nombre se escondía María José Serrano, cantante de Las Chinas.
Esta seguramente sea su canción más conocida, una canción compuesta por Fernando Marquez, “El Zurdo”. En su línea de pop “delicado” y elegante. Se publicó en un single de 1983, del sello “Rara Avis”.
Posteriormente, en 1984 publicaría también un miniLP en Nuevos Medios, compuesto en su totalidad por Fernando Marquez para, posteriormente, desaparecer hasta el año 2003, momento en el que el sello Siesta edita un disco titulado “Mi colección”.
En 2006 editaría otro buen disco, también en Siesta y producido por Guille Milkyway, titulado “Villa Flir”.
Pronto, en primavera de 2008, se editará su nuevo disco, “No mires Atrás” que le producirá otro genio del pop español actual, el murciano Parade.
14. Telegrama. “La Chica del Metro”.
Una canción sensacional de Power Pop la que nos dejaron en 1980 estos mods de Barcelona en su único single, para luego separarse (en este caso, como en muchos otros, a causa de los respectivos servicios militares de sus miembros) y reaparecer años después con el nombre de “Hotel” y un cambio total en su estilo, ya dirigido a las pistas de baile.
Recientemente (en el año 2005) el sello Flor y Nata Records ha rescatado las grabaciones del grupo, en su mayoría inéditas, en un CD muy bien editado, con mucha información, fotos, carteles, reseñas de periódicos, etc ,y que recoge nueve canciones: las canciones del single y las maquetas del grupo, además de alguna grabación de estas canciones en directo.
15. Menta. “Ya lo ves”.
Originario de Ponferrada, Este cuarteto de estética y apariencia “Beatle” sólo editó un single de cuatro canciones en 1980, en la línea del pop/rock más clásico. Como decíamos de La Banda del Tren, era difícil sobrevivir haciendo música en una ciudad pequeña y, en aquellos tiempos, tan alejada.
Pese a editar un solo single, este fue bastante escuchado en su época. Y, sin embargo, ha caído por completo en el olvido, ningún recopilatorio, reedición ni nada que se le parezca lo ha rescatado.
Solamente la rescata el grupo “Los Limones”, que la suele versionar en directo. (De hecho, se incluye una versión en el disco en directo de este grupo).

16. Esqueletos. “Intrusos en mi jardín”.

Este grupo sólo llegó a editar un single en 1983, publicado por “Flush”, un subsello de Hispavox . El disco contenía tres canciones sensacionales, Radio 222, Intrusos en mi jardín y Sólo necesito un poco de diversión, tres canciones de pop enérgico y guitarrero, con influencias Punks.
La compañía no prestó la menor atención al disco, que pasó sin pena ni gloria y la banda se separó.
En ella se encontraban nada menos que José Battaglio, que pasó a formar parte de La Frontera, y Enrique Martín, posteriormente bajista de Las Ruedas.
Escojo esta canción, pero merece la pena recuperar también cualquiera de las otras dos. De lo mejor que se ha hecho en España. 17. Bólidos. “Ráfagas”.
Uno de los primeros grupos de la nueva ola madrileña, que en un inicio se llamó Los Rebeldes, y al que se parecen mucho grupos como Fresones Rebeldes.
Sólo llegaron a editar un EP, en 1983, con el grupo ya separado, y que contenía cuatro canciones: Ráfagas, Paraíso, no te creas y La Máquina, sacadas de sus maquetas, que se habían grabado en 1980.
Esta simpática canción fue versionada más adelante por Los Secretos, lo que la dio a conocer al gran público, y hace poco por Cooper, en lo que parece más una versión tomada de los Secretos que de Los Bólidos.
18. Unidad Móvil. “Todo Ha Sido un Juego”.
Único single de este grupo barcelonés, publicado en 1980. Una bonita canción que pasó totalmente desapercibida hasta que los Secretos decidieron rescatarla haciendo una versión, que se incluyó en su disco “La Calle del Olvido” en 1989.
19. Las Chinas. “23 de Enero”.
El primer “grupo de chicas” de la nueva ola española. Otro grupo que podía haber triunfado tranquilamente y que, sin embargo, no tuvo ninguna suerte.
La discográfica, que sí intentó promocionarlas, sin embargo no acertó con esa promoción, consiguiendo dar la sensación de que eran algo así como un montaje, lo que desorientó a los fans e incluso al propio grupo, que terminó separándose.
Sólo nos dejan un single (con dos buenas canciones, El hombre Salvaje y Amor en frío) además de una versión del “Te Espío” de Ejecutivos Agresivos, casi inencontrable, ya que se incluyó sólo en la Banda Sonora de una película poco conocida, “La Próxima Estación”, y un par de canciones en recopilatorios de maquetas como “El Pecado Original”. En ese recopilatorio es dónde se puede encontrar esta canción.

20. Sindicato Malone. “Sólo por Robar”.

Este grupo, alineado en las llamadas “Hornadas Irritantes” junto con, entre otros, Glutamato Ye-Ye, con el que compartía algunos miembros, sacó algunos singles de pop divertido y sin pretensiones, para, finalmente y, ya en decadencia, llegar a grabar todo un LP con DRO, “Antes Morir que perder la vida”, de 1986, más bien flojo y que no llegó a ningún lado.
Sin embargo, en sus singles se encontraban canciones tan divertidas y originales como esta “Sólo por Robar”, su primer single de 1982 y una de las primeras referencias del sello “Producciones Goldstein”.
21. Sprays. “Te Veré a las Diez”
Otro grupo adscrito a la cultura mod, procedente de L`Hospitalet, que publicó únicamente un single con el sello Flor y Nata Records en 1982, y que tuvo cierto éxito en la época.
En él se incluía esta buena canción de power pop fresco, con aires nuevaoleros.
A pesar de funcionar relativamente bien, no tuvieron continuidad y, aunque siguieron funcionando algunos años más, nunca volvieron a editar disco alguno. (los parones de los servicios militares, cambios de miembros etc, no les ayudaron precisamente.)
22. Los Santos. “Tú, Tú, Tú”.
Este grupo bilbaíno de Pop fresco y divertido llegó a grabar, en 1982, un par de singles para “Discos Medicinales”.

Realmente, basta escuchar esta canción, la Cara B del primero de esos discos, para pensar que merecían mucho más. La Cara A, “La Modelo”, o la del otro disco, de doble cara A, compartido con otro grupo llamado Los Impecables, “Historias de Chicas”, también están francamente bien.

Su único LP llega ya demasiado tarde, editado por Fonomusic en 1986, y no tiene ninguna repercusión.
Una verdadera lástima.

23. Johnny Comomollo y los Gangsters del Ritmo. “Por la Cara”.

Con una imagen muy cuidada (de gangsters, obviamente) este grupo se dedicaba más bien a versionar a los clásicos de los 50. Rock & Roll clásico y rockabilly eran la base de su repertorio.
Grabaron dos singles para RCA, el primero de ellos, de 1981, contenía esta canción en la Cara A y una versión del Honey Don’t de Carl Perkins en la Cara B.
Ya en 1982 saldría a la calle su segundo y último single, esta vez con la versión (de Chuck Berry) en la cara A, y la canción propia “El rock de Comomolo” en la B.

Y a partir de aquí, se les pierde la pista y nunca más se vuelve a saber de ellos. Una pena porque tanto las versiones como las canciones propias del grupo estaban francamente bien.
24. Los Auténticos. “Día tras Día”.
A pesar de la quiebra de Edigsa, que les cortó su progresión en su mejor momento, el grupo de los hermanos Villanueva y J.A. Morcillo (más tarde conocido como Morcillo “El Bellaco”) y el batería Jesús Gimeno, demostraron ser inasequibles al desaliento, y fichan por una compañía pequeña llamada RS, en la que, en 1983, editan un Maxi que contenía, entre otras, esta maravillosa canción
El disco no tendría repercusión alguna, lo que hace que el grupo se separe y los hermanos Villanueva formen su propia compañía, Discos Medicinales, en la que editan otro maxi que también contenía esta canción.
Inmediatamente, y ya sólo con los hermanos Villanueva, cambiarán su nombre a Los Plomos. Y... 25. Los Plomos. “El Hombre cosa Ama la Lluvia”.
Editan un maxi, en 1986, en el que se incluye esta sensacional canción, para mi gusto, junto con “La Estrella”, la mejor de las que ha compuesto Miguel Ángel Villanueva (lo que ya es decir) y el grupo desaparece sin llegar ni siquiera a actuar en directo.
La canción pasó totalmente desapercibida.
Afortunadamente, hemos podido seguir disfrutando del (enorme) talento de Miguel Ángel Villanueva, ya sea con los Brujos, ya con el disco que, en 2004, sacó en solitario, otra joya titulada “Ningún Cielo”.
26. Los Ensayos. “Soy un Fanático”.
Estos Mods procedentes de Murcia, vieron publicado un MiniLP, para DRO, en 1988.
Este disco contenía cinco bonitas canciones de Pop sencillo y melódico, entre la que se encontraba esta, “Soy un fanático”, la primera canción de la cara B del disco, que se escuchó bastante en Murcia por aquel entonces.
Y, aunque nos quedamos con ganas de más, nos tuvimos que conformar, porque ya no publicarían más discos.
Realmente, no sé porqué, no sé si el disco no respondió a las expectativas de la compañía, o vaya usted a saber. El grupo sí siguió funcionando en directo unos pocos años más.
27. Plástico. “Nieva”.
RCA le publica a este grupo su único single en 1980, en el que se encontraba esta canción, una canción de pop nuevaolero, que no estaba nada mal. Sin embargo, no tendría ninguna repercusión.
La anécdota de este grupo son los miembros que fueron pasando por él en sus dos años de existencia, desde Eduardo Benavente a Toti Árboles, pasando por Rafael Gutiérrez (posteriormente en Hombres G) y algún posterior miembro de Flash Strato, Trastos y Olé Olé.
Eduardo Benavente se integraría rápidamente en Pegamoides, entrando en la formación que grabó finalmente el single Manolo “Malou”, uno de los componentes del dúo “Los Golfos” (sí, los de “¿Qué pasa contigo, tío?”).
28. Tiernos Mancebos. “Tan Golfo como Tú”.
Este grupo sevillano, que hacía un pop muy cuidado, muy influenciado por The Beatles, llegó a grabar un LP bastante bueno que publicó Polydor en 1987.
El grupo llegó a gozar de cierta promoción, apareciendo incluso en el programa “A Tope” de TVE.
Pero, al parecer, las ventas no estuvieron a la altura de las expectativas de la compañía, desapareciendo y pasando la mayor parte del grupo a denominarse Las Balas, aunque tampoco tendrían suerte con esta nueva denominación.
Posteriormente, varios de sus miembros se integraron en “Los Cavernícolas”, grupo de homenaje a los Beatles, todavía en activo.

29. Waq. “Ladrones de Juguetes”.

A pesar de estar casi diez años en activo, este grupo apenas llegó a grabar un par de maxi singles y un miniLP, pero nos dejó esta joya, un clásico del pop español de los 80, registrada en su primer maxi para MR, un disco editado en 1982 y que se titulaba “Las Cebollas”. Sorprendentemente, la canción nunca se recoge en recopilatorios o listas de la época, cuando es de las mejores.
Una pena porque se trataba de un grupo muy ingenioso y original, que tocaba una especie de “electro pop” con letras muy divertidas.
En 1999 el sello “subterfuge” decidió hacerles un poco de justicia, recopilando sus grabaciones para la serie “Canciones desde la Tumba”.

30. Garage. “Quiero ser un Bogart”.

El sello “Dos Rombos” publicó en 1983 este single, el segundo (y último) de este grupo alicantino en el que militaba Carlos Goñi, posteriormente conocido por sus grupos Comité Cisne y, sobre todo, Revolver.
La canción, sin embargo, es una clásica de canción de pop/rock, bastante bien tocada, por cierto, y con un sonido mejor de lo que se venía haciendo en aquella época, que poco tiene que ver con la música que después haría a lo largo de su trayectoria.
Merece la pena rescatarla.

31. Maruja y Los Filoestuches. “Las Infantas Bailan Rock”

“Nada de polkas ni valses, han puesto a Siouxsie & the Banshees.

Moviéndose con furor en sus trajes de Dior,
ye-ye, ye-ye, yeeee.
Las infantas bailan rock
las infantas bailan rock, ye-ye-ye
¡Desparramo y descontrol!!”

En 1988 el sello Toc Toc Records edita este “clásico”, en forma de single junto con otras dos canciones. La canción, muy divertida y con una letra muy ingeniosa, se escuchó bastante en su día en algunos programas de Radio 3, para después pasar directamente al olvido.
El grupo no volvería a editar nada, aunque tiene algunas canciones más, registradas en diferentes maquetas.
Es raro que no se haya recuperado, porque la canción es un antecedente de lo que después harían grupos como Fresones Rebeldes.
32. Carbonilla. “Corazón Salvaje”.
Otro de los grupos de Edigsa, estos eran originarios de Parets del Vallés (Barcelona). Sólo pudieron ver editado un single en 1981, que también fue recogido en el recopilatorio “Ideas” (recopilatorio muy recomendable).
Se trata de una canción de pop enérgico, muy de la época.
Es una pena que este sello cerrase, porque la verdad es que estaba empezando a apostar por muy buenos grupos, que prometían mucho.
33. Rubi y Los Casinos. “Te podría Besar”.
En 1988, cinco años después de su separación para formar “Tráfico de Rubíes”, Rubi sacó un tercer disco con Los Casinos.

El disco fue editado por Lollipop y, aunque en su día se escuchó en las radios, hoy ya poca gente se acuerda de él.

Bueno, lo cierto es que poca gente se acuerda de ninguna canción de Rubi que no sea “Yo tenía un novio”.
Ello a pesar de que, a lo largo de los tres discos que sacó con los Casinos, tenía otras cuantas canciones que no estaban nada mal, contando en la composición siempre con lo mejorcito de la época (Ariel Roth, Joe Borsani, Nacho Cano, Bernardo Bonezzi, Santiago Auserón, …) y, sin embargo, nunca tuvo el éxito esperado. Sólo tuvieron un relativo éxito canciones como "Me he Enamorado de un fan", pero lejos de las expectativas creadas tras "Yo Tenía un Novio..."
En este disco, como no, sabe escoger incluso mejor, y cuenta con la composición de “Los Vegetales”, J.C. Aured, Ignacio Canut y Bazooka Nut, que, además, le ceden algunas de las canciones de su repertorio, como “El sol no es para tanto”, o “Hasta que la muerte nos separe”.
En fin, la canción que más se escuchó fue esta típica balada sesentera, un tanto ñoña, pero con mucho encanto.
34. Bonezzi & St. Louis. “La Herencia”.
Tras la separación de los Zombies, Bernardo Bonezzi inicia una colaboración con la cantante Didi St. Louis, que cristalizó en un primer proyecto que se llamaría Salambó, con el que editaron un Maxisingle, para posteriormente pasar a llamarse Bonezzi & St. Louis, firmar con CBS y editar, en 1984, todo un LP, que se tituló “El Beso de la Muerte”. Fue un fracaso total de ventas a pesar de presentarse en directo en TVE, en el programa “La Edad de Oro”.
Debido a la poca repercusión y al fracaso en las ventas, Bonezzi decidió que ni siquiera iba a hacer una gira para presentarlo en directo, abandonando su carrera en solitario, que no retomaría hasta el año 2004, y dedicándose a las bandas sonoras, donde le ha ido bastante bien.
Para mi gusto, la verdad es que el disco era una castaña pilonga, pero se salvan algunas canciones, en particular esta de “La Herencia”, que yo creo que merece la pena rescatar.
35. Mogollón. “Secuestro en el Portal”.
Grupo procedente de San Sebastián, que tocaba un pop nuevaolero con toques Reggae y Ska, y que llegaría a grabar dos maxis, uno en 1980 con la discográfica Shanti Records, para posteriormente fichar con DRO y registrar su segundo maxi, que incluía cuatro canciones, entre las que destaca “Complot”.
El disco se publica en 1982, año en el que, además, participarían, a ritmo de ska, en el recopilatorio navideño de DRO, “Navidades Radioactivas”, con una de las mejores canciones del disco, esta divertida “Secuestro en el Portal”.

36. BAR. “Ciudad Enferma”.

Bar eran de lo más power popero de los grupos que surgieron en Vigo a principios de los 80.

Llegaron a grabar, en 1982, todo un LP para la discográfica Citola.
De ese LP se extrajo esta canción como single. Una buena canción de Power Pop.
Del grupo nada se volvería a saber, salvo que uno de sus componentes y compositores de las canciones, Silvino Díaz, se integraría años después en Aerolíneas Federales.
37. Materia Prima. “Se han Atascado las puertas del Metro”.
De este simpático grupo sólo se sabe que, allá por 1982, registraron un único single de tres canciones, en el sello Rana Records, un subsello de Lollipop que se dedicaba a publicar discos por encargo.
En este disco estaba esta divertida canción de pop clásico y sencillo, muy de la época. Una de mis favoritas de esta lista.
Como curiosidad, el cantante era Goyo González, conocido después como presentador de TV y actor de alguna serie.

38. Metal y Ca. “Datos”.
Uno de los primeros grupos tecno-pop que aparecieron en Madrid, que hacía unas letras bastante ingeniosas con cierto parecido al estilo “industrial” de las de Aviador DRO, pero se las arreglaban para hacer canciones bastante melódicas, y llegarían a grabar un par de EPS y un Single antes de desaparecer del panorama en 1984 .
En 1982 Lollipop se estrena editando el primer EP, que contenía esta canción, “Datos”. Yo creo que es su mejor canción, y una canción que merece ser recordada.
39. Slogan. “Por la Puerta de Atrás”.
Slogan es el pseudónimo del cantante, compositor, músico y productor José Miguel Nieto, que publicó dos LPs de pop ingenuo y simple, un tanto “Naif”.
El primero, “Cambia de cara” es de 1983, editado por Nuevos Medios. Tiene alguna canción que merece bastante la pena, como “Dentro del Capó”.
De su segundo disco, autoeditado en su propia compañía “Menú”, en 1988, que se titulaba “Somos Como Niños”, podría haber escogido cuatro o cinco canciones. Me quedo con esta que, quizá, sea la más pegadiza.
El caso es que, lamentablemente, jamás tuvo ninguna repercusión.
40. Stock de Coque. “Tristeza”.
Uno de los grupos del sello Menú fue, precisamente, el formado por estos cuatro madrileños, fans de The Beatles y de los Comics de Tintín. Del título de un álbum de Tintín (el número 19, según he leído por ahí) es de donde tomarían su nombre.
Menú les editó un LP en el año 1988, titulado “Sálvese Quien Pueda” y que, pese a tener muy buenas canciones, de pop sencillo y melódico, paso casi desapercibido.
Cierto es que se les veía que estaban un poco verdes pero, por lo que apuntaban, hubieran merecido una nueva oportunidad.
Otra vez será.
41. Palmera. “¡Qué Pena!”
Formados en Las Palmas de Gran Canaria, inicialmente se llamaban “El Eructo del Bisonte”, nombre (no muy afortunado a no ser que hagas Rock Duro o algo por ese estilo) que cambiarían en 1981 por el más popero de “Palmera”.
El grupo si tuvo cierto éxito en su época, especialmente en Canarias, donde aún son recordados y donde fueron precursores del pop nuevaolero.
Llegaron a grabar dos LPS, en 1981 y 1982, de los que, las canciones más conocidas son “Devuélveme las Llaves de la Moto”, la canción por la que este grupo es recordado, y esta “¡Qué Pena!”, que a mí me parece su mejor canción.
En 1995 se publicó un doble CD, llamado “Las Llaves de la Moto”, donde recogen todas sus grabaciones tanto con el nombre de El Eructo del Bisonte, como con el nombre de Palmera.
42. Los Scooters. “Una Vez Más”.
Grupo de San Sebastián, que llegó a grabar un LP, en 1988 con el sello nola que tuvo cierta repercusión, sobre todo en la escena mod, movimiento al que pertenecía la mayoría de sus miembros.
El disco estaba francamente bien, pop con aires sixties y bastante fuerza, con canciones como “Una Vez Más” o “Los Chicos de La Calle”.
Por desgracia el grupo no tuvo la continuidad que merecía y su fundador y líder, Javier Sun, comienza su carrera en solitario, más en la línea de Dylan o Neil Young, de cantautor rockero.

43. Kamembert. “Yo tuve una novia Psicodélica”.

Este grupo se formó en Barcelona en 1981, influenciado por la nueva ola británica y por lo que se estaba haciendo en Madrid por aquella época.
En 1983 el sello DNI les edita un primer single, con la canción “último grito” en la Cara A y esta “Novia Psicodélica” en la cara B.
A partir de aquí empiezan las milis, los cambios de formación, etc. Lo que les hace desaparecer del mapa…

44. Kamembert. “Sha La La”.

… para reaparecer en 1985 con una formación renovada, voz solista femenina y tres chicas más que hacían coros, orientando más su música hacia el Soul Pop (tipo Supremes) y alineándose con la cultura mod.
En 1987 fichan para DRO y editan un miniLP y dos singles. En uno de ellos se encuentra esta canción, posiblemente su canción más conocida.
Recientemente, el sello Flor y Nata Records ha recopilado todas sus grabaciones en un CD doble con una presentación sensacional, en formato libro, con fotos, recortes, etc. Todo un lujo que se editó con el título de “En Barcelona no hay Nadie Como Tú”.
45. Cámara. “Electricidad”.
Grupo, como otros muchos de la época, de vida muy corta, y que es recordado por tener entre sus miembros iniciales a uno de los componentes de Danza Invisible.
Se presentaron a un concurso discográfico en Jerez de La Frontera, quedando entre los finalistas y teniendo la oportunidad de grabar una canción en un EP compartido con otros tres grupos, los ganadores Danza Invisible y otros dos grupos llamados Spray y Krazy Boys.
Este disco se publicó en 1981 por el sello “polifonía”, y contenía esta canción del grupo Cámara, una muestra de pop oscuro y elegante, que es lo mejor del disco.
Esto no pasa desapercibido para el sello Tres Cipreses, que les edita un single al año siguiente, con dos canciones “frío en mis manos” y “Pecado Mortal”, en la misma línea de pop con tintes “Góticos”.
A partir de aquí, el grupo desaparece hasta 1984, donde tiene una fugaz reaparición que no se traduce en disco alguno, y ya se separa definitivamente.
46. Fracción del Ejército Rojo. “Algo Hace Tic Tac”.
Una broma rarísima en plan comando “comunistoide”, formada por miembros “anónimos”, que nunca revelaron su identidad, aunque todo el mundo sabía que se trataba de miembros de Glutamato Ye-Ye.
Su EP de 1982 fue la referencia número 1 del sello “Producciones Goldstein”, una cosa desconcertante llamada ni más ni menos que “Partisanos del Soviet”, pero que tiene una canción divertida y más que aceptable como ésta, al lado de cosas como “la danza de los consejos obreros” y tal.
Una gamberrada muy de la época, cuando estas cosas, felizmente, se podían tomar con sentido del humor. Ahora sería difícil ver una broma parecida.
47. Los Cafres. “Sólo Soy Una Alimaña”.
Pero tengo corazón. La canción más conocida de este grupo vigo-pontevedrés de Power Pop –más o menos-, incluida en su único disco, un miniLP publicado en 1987 y producido por Alberto Torrado, llamado “Tractor Cerebral”.
La mayor parte de sus componentes, tras este disco, se integraron en otros grupos, como Los Motores o Killer Barbies.
48. Moncho e Mai-lo Sapoconchos. “Chicas de Verano”.
Grupo Vigués formado en 1985 y que, tras patearse España entera presentándose a concursos, ganando incluso alguno de ellos, y dando conciertos allá donde alguien quisiera escucharles, y moviendo sus maquetas por España entera, consiguen finalmente que GASA les edite un miniLP, ya en 1990, donde estaba esta canción y la famosa “Cultura Popular”, versionada por Siniestro Total, canciones en clave R&B y Rock and Roll con toques de Soul y de Funk.
Una vez conseguido editar un disco, el grupo se separa debido a diferencias sobre la evolución musical del grupo. (Una de las excusas habituales que se dan en estos casos.)

49. El Pecho de Andy. “A Años Luz”.

Este grupo toledano que toma su nombre de una canción del “Transformer” de Lou Reed, estuvo en activo entre 1986 y 1988, tiempo en el que publicaron dos LPs y un maxi, “El pecho de Andy, con la discográfica independiente Rocco en 1986, y Llegará Octubre, ya con nuevos medios en 1987.
Era un grupo de pop algo oscuro y frío, en la línea de grupos como The Church, y que trabajaban mucho sus canciones, tanto la música como las letras.
A veces conseguían buenos resultados en forma de canciones como esta “A Años Luz”, y otras como “La Coartada”.

Sin embargo, resultaban un poco pretenciosos y el público nunca los terminó de aceptar, quedándose siempre en un Status de “Grupo de Culto”.

50. La Honorable Sociedad. “El Profesor Rebelde”.

Este grupo llegó a tener cierta fama en su momento para después, como tantos otros, perderse en el olvido. (Bueno, eso aquí, en España, ya que en países como Perú están considerados uno de los grupos más famosos y apreciados del pop español de los 80.
El caso es que consiguieron editar, con Twins, dos discos entre 1987 y 1989, “Imágenes de Archivo” y “Rumbo a Caracas”. Discos de pop divertido y sin pretensiones, con versiones de grupos de principios de los 80 como Zombies, Pegamoides o KK de Luxe, y canciones propias.

El grupo fue telonero de los Hombres G en pleno esplendor en 1987, y estaría a punto de participar en Eurovisión con “El Profesor Rebelde”, canción en la que canta su teclista (y también de Pop Decó) Merche De Miguel.

Eran suplentes de Patricia Kraus, que pudo participar sin problemas.
He leído que dentro de muy poco se van a reeditar en CD, para Perú y Latinoamérica, el disco “Imágenes de Archivo”, con la inclusión de algunas canciones del segundo disco como bonus tracks.
La reedición la hará Neu Discos, un sello independiente peruano en la que va a ser, parece, su primera referencia. Se titulará “Canciones de Archivo”.
A ver si a España llega alguna copia.
En fin, y hasta aquí esta revisión de canciones olvidadas o casi olvidadas de los 80. Sé que me dejo bastantes grupos algunos por considerarlos más conocidos, (Como Las Ruedas) otros por ser muy específicos de algún estilo (como Los Hurones o los Zippers, grupos de Rockabilly, Los Cómplices de Valencia, Ox Pow o Radio Océano, grupos de Punk, o Rock DAM, grupo de Rock duro) y otros porque en algún momento había que poner el freno, si no quiero estar años preparando esta entrada. (Fahrenheit 451, Episodio, Escándalos, Vitamina, Tacones, Motos, Mañana Más, Desiertos, Mario Tenia y Los Solitarios, China, Delghetto, y unos cuantos más).

Tal vez para una segunda parte.

Agradeceré, de todas formas, todas las aportaciones que me podáis hacer sobre canciones y grupos de los 80 españoles desconocidos que merece mucho la pena o, simplemente, que es curioso recuperar.

FELIZ NAVIDAD

2007-12-24T17:56:00.000+01:00

Pues eso, feliz navidad a todos.

Esta es la versión de Rocky Sharpe & The Replays.

THE CARS. ”Heartbeat City” (1984, Elektra)

2007-12-21T11:20:00.000+01:00

Después de unas semanas un poco “ajetreadas” volvemos a lo grande. Una gran portada para un gran disco. Uno de mis favoritos de siempre.

Para mi gusto el mejor disco del que fue uno de los grandes grupos estadounidenses de la New Wave, de los muchos –y buenos- que surgieron a partir de mediados de los 70 (Blondie, Devo, B-52’s, Suicide, Talking Heads, etc). También fue uno de los que más éxito obtuvo.

Este éxito se debe seguramente a que acertaron con unas producciones, orientadas al mercado masivo (producciones para todos los públicos, a veces muy cerca del AOR) pero sobre todo por su gran facilidad y talento para crear melodías y estribillos casi perfectos, y su habilidad para situarse en un lugar intermedio entre el pop y el rock, su estética y su acierto al utilizar los vídeoclips, una forma de promoción que estaba empezando por entonces.

Así, el video de "You might think", fue el primer ganador del "video del año" de la recién fundada MTV.

Además, consiguieron llamar la atención de Andy Warhol, que no sólo les dirigió otro video de este álbum ("Hello again") sino que encima sale en él. En esa época, eso era sinónimo de buenas críticas de los gurús del “pop de vanguardia”, por muy comerciales que fueran The Cars.

The Cars, formados en 1976 en Boston, estaban liderados por Rick Ocasek, que se repartía la voz principal con el bajista Benjamin Orr, acompañados por el guitarrista Elliot Easton, el teclista Greg Hawkes (que le daba ese sonido característico y, por entonces, innovador) y el batería David Robinson.

Su primer éxito lo obtuvieron con una gran canción, de las mejores del grupo, “Just what i Needed”, que alcanzó el nº 3 en la lista Billboard, y se mantuvo con otros singles de su primer disco, como "My Best Friend's Girl"

Después de otros tres discos (Candy-O, Panorama, Shake it Up) con singles de cierto éxito, en 1981 se tomaron un descanso para dedicarse a sus carreras en solitario, y en 1984 vuelven con este Heartbeat City, su quinto y mejor disco, una colección sensacional de singles: canciones pegadizas, estribillos redondos, producciones comerciales con esos teclados “marca de la casa” y un cierto toque “Glam”: “Hello Again”, “Magic”, “You Might Think”, “Heartbeat City”, “Drive”, “It’s not the Night”, “Looking for Love” … que les llevaron a los primeros lugares de las listas de ventas de todo el mundo, ayudadas claro está, por su acierto con los vídeos.

Después de este disco, The Cars ya prácticamente desaparecieron del mapa. Simplemente un grandes éxitos, de 1985, y un último disco “Door to Door” que no tuvo apenas repercusión, por lo que decidieron separarse y continuar sus carreras en solitario, de la que la más destacable es la de Rick Okasek, más como productor (destacan especialmente sus producciones de los discos azul y verde de Weezer) que como músico (ha sacado varios discos que no están mal pero sin demasiada repercusión, por ejemplo “troublizing”, de 1997, me parece un disco bastante bueno).

En fin, un grupo y un disco que hay que tener muy en cuenta.

B-MOVIE. “Nowhere Girl”.

2007-11-06T12:48:00.000+01:00

Si hay una canción de los 80 que me encanta desde la primera vez que la escuché, y que jamás me canso de escuchar, esa es el himno de Tecno-pop nuevaolero de los ingleses B-Movie.
Esta es la canción más recordada de este grupo, originario de Mansfield, Inglaterra. Hasta el punto de que es uno de esos casos en los que la canción “devora” al grupo.
Todo el mundo, o casi, recuerda esta canción, que tuvo mucho éxito en España, sobre todo en su versión larga, la del Maxisingle.
Sin embargo, casi nadie recuerda al grupo y, en el caso de recordarlo, siempre unido a esta canción. Muy pocos serán capaces de decir otra canción de B-Movie.
Pero tenían otras muchas canciones, y muy variadas, (más tecno, más oscuras, más guitarreras) y, para mi gusto, con un nivel medio bastante bueno, como Remebrance Day o Marilyn Dreams, por ejemplo.

Sobre la canción y sobre el grupo, se podrían contar muchas curiosidades, y datos relativamente desconocidos, por ejemplo:

· Se formaron en Mansfield, Inglaterra, y estaban liderados por Steve Hovington, bajista y cantante, además de compositor.
· En un principio (finales de los 70) se llamaban The Aborted, y eran una banda de Punk Rock.
· Se cambiaron el nombre a B-Movie inspirándose en el título de un cuadro de Andy Warhol.
· No tenían teclados hasta 1981, con la incorporación del teclista Rick Holliday, reclutado a través de un anuncio en una revista musical, buscando un cambio de estilo a sonidos más nuevaoleros que, efectivamente, se produjo.
· Su primer éxito no fue Nowhere Girl, sino "Remembrance Day" en 1981, que alcanzó el puesto 61 en las listas británicas.
· De hecho, Nowhere Girl no fue su mayor éxito en Inglaterra, ya que sólo pudo alcanzar el número 68 en las listas. No así en el resto de Europa, donde alcanzó el Top Ten en varios paises ,como Holanda o Francia.
· Antes de lanzar el single de Nowhere Girl, ya vinieron a actuar a España, en una gira europea por Holanda, Bélgica, Francia y España, que les trajo a Barcelona y Madrid (el recordado concierto en rockola). Curiosamente en esos países es dónde más éxito tuvo posteriormente el single (supongo que no sería casualidad).
· El título de la canción, "Nowhere Girl" está basado en el título de una novela de Angela Huth.
(http://astore.amazon.co.uk/genrebookrevie09/detail/0002210762)
· Formaron parte de la gira Some Bizarre, junto a otras bandas nuevaoleras, como Soft Cell, Depeche Mode y The The, que tocaron ante 3000 personas en 1982 en el Lyceum de Londres, uno de los acontecimientos importantes en los inicios de la new Wave inglesa.
· Compartían manager con Soft-Cell, que, tras el éxito de la versión de Tainted Love, pasaron a ser favoritos, ocupando prácticamente todos los esfuerzos de promoción del manager.
· Tampoco tuvieron demasiada suerte con su compañía, Deram, que prácticamente no los promocionó debido a los muy modestos éxitos conseguidos en su momento (siempre por debajo del 60 en listas).

En fin, es un buen momento para recordar a este grupo, que practicaba una música nuevaolera en el estilo de Depeche Mode, Human League, Soft-cell, etc, y que no tuvo la suerte que merecía, y la canción por la que han pasado a la historia.

De hecho, en 2002 se publicó un recopilatorio con versiones alternativas para las sesiones de la BBC, que merece bastante la pena, como cualquiera de sus otros recopilatorios (Nightmares in Wax, por ejemplo, aunque con pocas canciones, está muy bien.)

nowhere girl you're living in a dream,

nowhere girl you stay behind the scenes,

nowhere girl you never go outside,

nowhere girl cause you prefer to hide.

every night, every day
in that all old familiar light

you hang up when i call you at home.

and i try to get through

ant i try to talk to you

but there's something stopping me from getting through.
nowhere girl what you had you need,

nowhere girl all functional and neat,

nowhere girl in self-imposed exile,

nowhere girl a martyr-like denial.

every night, every day

in that all old familiar light

you hang up when i call you at home.

and i try to get through

and i try to talk to you

but there's something stopping me from getting through

Y aquí va esta maravilla:

http://es.youtube.com/watch?v=l8viHVNdeZM

JEFF LYNNE

2007-10-19T10:35:00.000+02:00

El que es, para mi gusto, uno de los mayores genios como intérprete, compositor y productor, de la música popular de todos los tiempos, nació en Shard End (Birmingham) el 30 de diciembre de 1947.

En 1967 forma un grupo de pop psicodélico, Idle Race, que graba dos sensacionales LPs, ”Idle Race” y “Birthday Party”, muy bien considerados por la crítica pero con muy poca (o ninguna) repercusión ni éxito comercial.

Las cosas empiezan a cambiar cuando un amigo suyo, otro genio llamado Roy Wood, le propone unirse al grupo The Move.

Después de que Roy Wood le insistiera varias veces, Jeff Lynne accede, y este excelente grupo grabaría, con Jeff Lynne en su formación, dos discos “Looking On” y “Message From The Country”, hasta que los propios Lynne y Wood lo disuelven para dedicarse a una tarea más ambiciosa, unir el pop al más puro estilo Beatle, con la música clásica. El resultado es lo que se conoció como pop/rock sinfónico.

Esta música, tal y como la imaginaban estos dos genios, requería la utilización de violines, violonchelos y otros instrumentos nada habituales en una formación de pop/rock, para lo que contratan músicos con formación clásica, y forman la Electric Light Orchestra, uno de los mejores grupos de pop/rock de todos los tiempos, que publicaría su primer LP en 1971 con el título de ELO.

A este disco, por cierto, en los USA se le tituló “No Answer” debido a una confusión, ya que el jefe de la discográfica americana le dijo a su secretaria que llamase a Don Arden (manager de la ELO y dueño de Jet, la discográfica inglesa que lo publicó) y le preguntase el nombre del disco.

Y como no le contestaban el teléfono, la secretaria le dejó una notita a su jefe que ponía "No answer".

El jefe pensó que se llamaba así, y hasta el día de hoy y para siempre, ese es el título del primer disco de la ELO en los Estados Unidos.

Después de este disco, Roy Wood decide abandonar la ELO, formando otro buen grupo, Wizzard, dejando en la ELO el liderazgo indiscutible de Jeff Lynne, que, en principio, sigue la misma línea, aunque va integrando nuevos elementos (sintetizadores, etc) que van conformando el sonido inconfundible no ya de la ELO, sino de todas las producciones firmadas por Lynne.

Los discos de la ELO se van sucediendo, y cada vez va obteniendo un mayor éxito comercial, sin perder ni una gota de su calidad (al contrario, las composiciones también van ganando cada vez más, sobre todo en cuanto a melodías y coros, de inspiración “beatle”).

Así en 1976, publica “A New World Record”, una obra maestra que obtiene un éxito comercial enorme, que se repetiría con “Out of The Blue”, un sensacional disco doble que termina de poner al grupo entre los más famosos, escalando hasta lo más alto de las listas de éxitos con Mr. Blue Sky, Sweet Talking Woman, Turn to Stone, etc.

El disco, además de comercial, es de una calidad extraordinaria. A día de hoy todavía se le considera el mejor de la ELO.

Ya casi en los 80, y con el modelo un poco agotado, Lynne se dedica a experimentar, logrando buenos discos como “Discovery” (Very Disco), donde hace sus experimentos con la música discotequera, con canciones como “Last Train to London”, bandas sonoras como “Xanadú”, a la que la ELO aporta cinco excelentes canciones, y “Time”, gran disco, de sonidos y temática un tanto marcianos, y su último número 1 en las listas de ventas.

A partir de aquí, aún con alguna buena canción, los discos ya empiezan a decaer, y el sonido empieza a hacerse repetitivo, y la ELO pierde su frescura, por lo que Jeff Lynne decide disolver el grupo y comenzar su segunda gran etapa, la de productor, compositor y recuperador de sus artistas favoritos, alguno de ellos en horas bajas.

La cosa empieza con la vuelta de George Harrison a las listas de éxitos produciendo el disco “Cloud 9”, y aprovechando para fundar el Supergrupo Travelling Wilburys, formado nada menos que por Jeff Lynne y George Harrison, junto con Tom Petty, Roy Orbison y Bob Dylan, que graban dos discos, el primero de ellos sensacional, y el segundo, ya sin Roy Orbison, no tan redondo aunque sí con algunas canciones muy buenas.

Entre medias recupera también a Roy Orbison, produciendo y componiendo su primer gran éxito comercial después de muchos años, la canción “You Got It”, y el disco en el que está incluida, “Mistery Girl”.

Posteriormente produciría otros discos, nada menos que de Tom Petty, Joe Cocker, Ringo Starr o Del Shannon, entre otros, y colaboraría como co-productor y co-compositor en la vuelta de Brian Wilson, y en el “Flaming Pie” de Paul McCartney.

También cumpliría su sueño: Trabajar con (o para) los mismísimos Beatles en su Anthology (1996), produciendo las dos canciones inéditas que contiene: Free As A Bird y Real Love.

Además, en 1990 publica su único disco en solitario, con la colaboración de George Harrison y Richard Tandy (teclista de la ELO), “Armchair Theatre”, un disco bastante bueno que, sin embargo, no tuvo ninguna repercusión. Pero que merece mucho la pena.

A principios de este nuevo siglo y superados ciertos problemas legales con el nombre, Jeff Lynne recupera a la ELO, publicando en 2001 un buen disco, “Zoom”, en el que vuelve a colaborar su amigo George Harrison y que, en realidad, es prácticamente otro disco en solitario, ya que de la formación de la ELO sólo queda Richard Tandy, además, claro, del propio Jeff. Destaca, entre todas, una gran canción: “Moment in Paradise”.

Últimamente, se sigue dedicando fundamentalmente a producir, con su inconfundible estilo, otros discos, como el disco póstumo de George Harrison, “Brainwashed”, y el último de Tom Petty, “Highway Companion”.

Aquí está, sacado de Youtube, el clásico “Sweet Talkin’ Woman”, del LP doble “Out of The Blue”, una de mis canciones favoritas de la ELO.

Esta canción me encanta, porque además de la melodía y el estribillo, geniales; es prácticamente un muestrario de todo lo que suele incluir este fenómeno en su sonido: Los violines, los coros, las marcianadas, etc.

http://es.youtube.com/watch?v=_pVihntUEVw

Bob Dylan. “Time Out of Mind”. (1997, Columbia)

2007-10-10T13:27:00.000+02:00

El 30 de septiembre de 1997, por fin, Bob Dylan estaba de vuelta. Llevaba siete años sin publicar composiciones propias, sólo un par de discos de versiones de viejas canciones Folk y Blues y un directo.

Lo cierto es que ya no se esperaba demasiado de él, parecía que iba a ser otro de los grandes “dinosaurios” que habían sido grandes en el pasado y se dedicaban a vivir de las rentas.

Y, de repente, el genio estaba de vuelta. Bob Dylan sorprende al mundo musical con un disco excepcional, para mi gusto una obra maestra y uno de los mejores de su carrera, el que hacía el número 30 de sus discos grabados en estudio: Time Out Of Mind.

Ahora es muy normal ver a Bob Dylan recibiendo todo tipo de parabienes y de críticas positivas por cada cosa que hace, antes de este disco eso no era tan habitual. Aquí es dónde el genio de Minessotta recupera el crédito. El disco fue recibido por la crítica con muy buenos ojos, y alcanzó el Top Ten, obteniendo un disco de platino, cosa que Dylan no conseguía desde hacía 20 años, y ganando 3 premios Grammy. (Mejor disco, Mejor disco Folk y mejor intérprete masculino de Rock por la (sensacional) canción “Cold Iron Bounds”.

Durante su discurso, dijo: "Sólo me gustaría decir que una vez cuando yo tenía dieciséis o diecisiete años, fui a ver a Buddy Holly en el Duluth National Guard Armory... Estaba a tres pasos de él... y me miró."

Bob Dylan decía que el espíritu de Buddy Holly había presidido la grabación de este disco, salía a cenar, y estaba sonando, ponía la radio en el coche, y sonaba, entraba al estudio, y alguien lo estaba escuchando… Bueno, anécdotas aparte, lo cierto es que la música de Bob Dylan no tiene demasiado que ver con la del tejano. Tampoco en este disco.
El caso es que su éxito resucitó el interés por Dylan, que dura hasta el día de hoy, y las entradas de sus conciertos se agotaron muy pronto.
Poco después caería gravemente enfermo, de una dolencia cardiaca, pericarditis, que casi le cuesta la vida. Es curioso porque, conociendo este hecho, se puede interpretar en alguna de las letras que Bob Dylan no se sentía bien físicamente (por ejemplo en la canción que más me gusta del disco, “Not Dark Yet” – Aún no ha oscurecido, pero no va a tardar, dice en esta canción.)

Por lo demás, las canciones del disco son, en su gran mayoría, canciones de amor. De amores perdidos, de amores no correspondidos, de amores perseguidos, la desilusión, la pérdida… canciones tristes en su mayoría, pero desde luego canciones muy bonitas, dignas del repertorio de este grande.
Musicalmente las principales influencias son las del Dylan de toda la vida, el Folk con toques country, las clásicas baladas acústicas cantadas con su peculiar voz rota, el blues y el R&B con toques Folk, cantadas como hace mucho tiempo que no cantaba Bob Dylan, y con un sonido y unos arreglos, para mi gusto, muy logrados, con la producción de Daniel Lanois, viejo colaborador de Bob Dylan, por ejemplo, en “Oh, Mercy”, en colaboración con Jack Frost Productions (Bueno, Jack Frost, en realidad, no es otro que el propio Dylan). Crean una atmósfera y un sonido desconocido en Bob Dylan, y que contribuye a hacer del disco algo nuevo, diferente.
El genio estaba de vuelta, y una vez recuperado, ganaría el Oscar por la canción “Things Have Changed”, de la película “Jóvenes Prodigiosos”, y, con el crédito totalmente recuperado, empezaría a publicar discos excelentes ya hasta el día de hoy, y se volcaría en dar conciertos a lo largo de todo el mundo. Hasta hoy, prácticamente, no ha parado.
En fin, un disco muy emocionante que marcaba la sorprendente vuelta de Bob Dylan, que parecía ya en decadencia, a la primera línea, para mi uno de los mejores discos en su carrera, por su sonido, incluso la forma de cantar y, por supuesto, por sus canciones.
Por todas las canciones: “Love Sick”, “Standing in The Doorway”, “Trying To Get To Heaven”, “Not Dark Yet”, “Cold Iron Bounds”… en fin, por destacar algunas.

LA SAGA DE LOS GATOS DESCARRIADOS:

2007-09-24T18:03:00.000+02:00

Después de un tiempo investigando, al fin he conseguido seguir de una forma bastante exhaustiva la discografía de los Stray Cats, sus diferentes grupos y sus miembros en solitario. Al final queda un “dossier felino” creo que bastante completo.

La cosa empieza más o menos así:

Nos encontramos en Massapequa, New York, año 1979, cuando Brian Setzer comenzaba sus primeros pasos en un grupo nuevaolero llamado “Bloddless Pharaohs”, bastante alejado de lo que iba a ser su estilo.

Brian reniega un poco de esta época, como algo “mercenario”. Nos han llegado grabaciones más o menos piratas de este grupo, aunque la verdad es que no merece demasiado la pena más que como curiosidad “completista”.

Afortunadamente, de forma paralela, Brian da sus primeros pasos rockeros en directo junto a su hermano Gary a la batería y Bob Beecher al bajo, pronto sustituido por Leon Drucker (más tarde conocido como Lee Rocker), con el nombre de Tomcats, que graban un par de discos con un repertorio formado en su gran mayoría por versiones de clásicos del rockabilly y del r’n’r.
Posteriormente el hermano de Brian abandona, y se les une su compañero de instituto Jim McDonnell (alias Slim Jim Phantom) en la batería y se formó Stray Cats.

Se han editado varios conciertos bajo el nombre de Brian Setzer and the Tomcats y, aunque en alguna de las portadas aparece Slim Jim, éste nunca llegó a grabar con los Tomcats.
Con la incorporación de “Slim” Jim al grupo, el trío comienza a actuar como Stray Cats. En el verano de 1980, la banda decide trasladarse al Reino Unido buscando la oportunidad de iniciar una carrera musical en condiciones.

Tras su tercera actuación en Londres, Dave Edmunds se ofrece a la banda para producirles el que sería primer álbum de Stray Cats. La banda no se lo piensa y comienza a trabajar en el disco, que graban en sólo cinco días en el estudio Eden (Londres), y que se publica por Arista Records en 1981 con el título “Stray Cats”, un éxito absoluto que revoluciona la escena del Rockabilly, marcando un antes y un después, y del que ya se ha hablado aquí, y que les permitiría, ese mismo año, grabar otro disco, con más medios pero menor fortuna, “Gonna Ball”.

Después de este disco, autoproducido y que no les había dejado satisfechos ni a ellos con el sonido, ni al público, teniendo poca respuesta, vuelven a reunirse con Edmunds, con el cual las relaciones siempre han sido buenas, y en poco mas de un mes sale a la calle, en 1983, “Rant n Rave with the Stray Cats”, fabuloso disco que les pone de nuevo en circulación.

Mientras tanto la EMI, consciente del éxito discográfico de estos tres gatos en el viejo continente, y tras una exitosa gira teloneando a los mismísimos Rolling Stones, apuesta por ellos, lanzando a la calle un recopilatorio de los trabajos anteriores (Built for speed)., con el que obtienen gran éxito en E.E.U.U., y la EMI les ofrece un contrato al que no pueden negarse y se instalan en su país.

Este disco estuvo en las listas de éxitos mas de 30 semanas y vendió alrededor de dos millones de copias. Este éxito será el principio del fin. (bueno, del primer fin, ya que volverían a reunirse y a separarse varias veces.)

El regreso a casa repercute en la banda y Brian decide abandonarla. Michael Goldberg (de Rolling Stones) dió a entender que la ruptura tuvo que ver con el enfado de éste con la actitud de la banda y el estilo de vida de sus compañeros.

Tras esta separación, Lee Rocker y Slim Jim, con unas pintas tremebundas (¡qué permanentes, por Dios!) hacen su debut junto al guitarrista de David Bowie, Earl Slick, con el nombre de Phantom, Rocker & Slick, publicando su primer disco en 1985, producido por Keith Richards.

El disco se titulaba como el grupo, “Phantom, Rocker & Slick”. Y, a pesar de las pintas, no está mal.
Antes de su separación, este grupo publicaría en 1986 un segundo LP, titulado “Cover Girl”.

Por su parte, Brian Setzer graba su primer disco en Nueva Cork y California, y lo publica en 1985 con el título de “The Knife Feels Like Justice”.

Todos los miembros, en estas aventuras, habían sacado discos algo alejados de su sonido rockabilly tradicional, por lo que les vuelve a picar el gusanillo rockabilly y los Stray Cats se reúnen en 1986 para sacar un buen disco, con un sonido muy tradicional, “Rock Therapy”.

El disco se graba en Los Angeles, en dos semanas y, después de que, en 1988 Brian edite su segundo disco, mucho más cañero que los anteriores, “Live Nude Guitars”, y participe en la película “La Bamba”, en el papel de Eddie Cochram, con una gran versión del “Summertime Blues”,y Slim Jim y Lee Rocker participen en un programa de la TV inglesa, homenaje a Carl Perkins, en un concierto acompañando al propio Carl Perkins, la mítica “Rockabilly Session”, con Dave Edmunds, Ringo Star y Eric Clapton, entre otros, el trio ya se centra en actuar y grabar nuevos discos, y así vienen, en 1989 “Blast Off!”, en 1990 “Let’s Go Faster” y en 1992 “Choo-Choo Hot Fish”, hasta que, desanimados por la escasa repercusión en relación con épocas anteriores, ponen fin a la historia (de momento) con un disco de versiones, “Original Cool”, publicado en 1993.

En 1994 Brian Setzer comienza a hacer realidad su sueño, recuperar el Swing a través de una Big Band, añadiéndole el sonido de su guitarra y su voz.
El sueño comenzó en 1982, Setzer aparece en un programa de la TV y se queda fascinado con la orquesta y empieza a proponer la idea a sus compañeros de grupo de formar una big-band. Por aquel entonces Stray Cats arrasaban por el Reino Unido y a sus compañeros la idea no les hacía ni pizca de gracia.

Así que el proyecto se aparca hasta 1992. Entonces revive casi por casualidad. Un buen día, cuando Setzer se dirigía a su casa de Los Angeles un músico de sesión le reconoce y le invita a tocar con la que después sería la BSO.
Setzer acepta y lo hace de lujo, convenciéndose (por si necesitaba más) de las posibilidades que una big-band ofrecía. El propio Brian declaró que la única razón por la que antes nadie se había atrevido a formr un rockin´ big-band como la suya es debido a que se necesita escribir la partitura para los músicos. Y tiene que ser a mano, para ganarse el respeto de los mismos, nada de programas informáticos. (Setzer sabía escribir música, y conocía los acordes de jazz gracias a su primer profesor de guitarra, un viejo italiano).
Brian volvió a realizar alguna sesión más con la orquesta y ya fue esta vez él quien propone la idea a los músicos de hacer algo de manera seria y profesional. Los músicos aceptan y comienzan los conciertos por los clubs de L.A.. cosechando un éxito espectacular. Así que les propone hacer una gira por los USA. No le fue fácil, ya que los músicos ganaban más dinero en Los Ángeles que de gira, pero al final, y debido al respeto ganado al escribir a mano las partituras de cada uno de los instrumentos, la banda aceptó.
Lo cierto es que al principio perdió mucho dinero y mucha gente le dijo que no triunfaría con la big band, pero él estaba seguro de su proyecto.
En 1994 The BSO graba su primer L.P,producido por el propio Brian Setzer para Hollywood Records, titulado “The BSO”. Ese mismo año participa con una canción de este LP, en la banda sonora de La Máscara.
En 1995 The BSO vuelve al estudio para grabar su segundo álbum, titulado "Guitar Slinger".
Por fin, ya en 1998, se produce el triunfo absoluto de la Brian Setzer Orchestra, con su LP, “The Dirty Boogie”, Por el disco obtiene tres nominaciones a los premios "Grammy" a mejor álbum por "The Dirty Boogie", mejor canción instrumental por "Sleepwalk" y mejor canción por "Jump, Jive An´ Wail" De los tres, obtiene las dos últimas nominaciones. El grupo sale en todas partes y participa en numerosas bandas sonoras y discos recopilatorios. El disco vende más de dos millones de copias. La BSO llega a actuar en 1999 en la segunda edición del festival de Woodstock.
El éxito continúa y aún se amplía con el siguiente disco, Vavoom, del año 2000, donde repite grammy a la mejor canción instrumental por “Caravan”.
De momento, y hasta el día de hoy, la BSO no volvería a editar un disco con canciones nuevas. Se limita a sacar dos discos de villancicos, Boogie boggie Crhistmas, de 2002, y Dig That Crazy Christmas, de 2005.
Entre medias, la banda editará un grandes éxitos, “Best of The Big Band”, de 2003, y un directo, “The BSO Collection Live”, de 2004, además de varios DVD. (Live in Japan, Live in Montreal, Christmas Stravaganza, etc), y, ya en 2007, un disco interpretando temas de música clásica, titulado “Wolfgan’s Big Night Out”.

Además, Brian Setzer ha ido alternando su carrera en la Setzer Orchestra, a partir de 2001, con diversos proyectos en solitario que le permiten mantener su “dosis” de rockabilly y de Rock and Roll. Como el mismo dice “Yo soy un guitarrista de Rockabilly, no lo voy a negar a estas alturas”.
Así, en 2001 se embarca en un proyecto al que llama 68 Comeback Special con el batería y el contrabajista de la BSO, (Bernie Dresel y Mark W. Winchester). Con ellos graba un sensacional disco, titulado “Ignition”.

Posteriormente, y ya en solitario, editaría Nitro Burnin`Funny Daddy en 2003, Rockabilly Riot Vol 1, un disco de versiones de clásicos de la Sun Records, en 2005, otro disco titulado “13”, en 2006, y acaba de editar en 2007, “Red, Hot & Live”, una muestra de sus ultimos directos por Japon con The Nashvillians ,Robbie Chevrier,Ronnie Crutcher y Bernie Dresel. Con una formación de cuatro músicos (los tradicionales Guitarra, contrabajo, batería, y un segundo guitarrista/teclista). En el incluye canciones de sus dos ultimos discos,Rockabilly Riot:A tribute to Sun Records y 13., además de clásicos de Stray Cats y la BSO.

Por su parte, Lee Rocker, tras la separación de Stray Cats en 1993, comienza a tocar junto con una banda llamada Lee Rocker & Big Blue, con la que saca dos excelentes discos, Big Blue de 1994 y Atomic Boogie Hour de 1995.
Componen esta sensacional banda de Rockabilly con toques blues, Lee Rocker al contrabajo y voz, Mike Eldred a la guitarra y Henree DeBaun a la batería, todos ellos músicos de blues de gran prestigio.
A partir de 1998 y con el disco “No Cats”, comienza su sensacional y altamente recomendable carrera en solitario, editando un disco tras otro, a cual mejor.

Así, editará un directo, Lee Rocker Live, en 1999, Blue Suede Nights en 2001, The Curse of Rockabilly y un grandes éxitos llamado “Burning Love, The Best of Lee Rocker”, en 2005, “Racing With The Devil” en 2006 y su último disco hasta la fecha, el recién salido “Black Cat Bone”, de 2007.
Además, Lee Rocker se dio en 2002 el lujazo de realizar una gira con el guitarrista Scotty Moore –el guitarrista de Elvis, que había ya colaborado en el disco “Big Blue”— a lo largo de los Estados Unidos.

Slim Jim Phantom, por fin, tampoco se queda atrás en cuanto a currículo, y ya en 1999 forma parte de los Swing Cats, junto con Danny B. Harvey (Rockats, 13 Cats, etc...) a la guitarra, y el propio Lee Rocker al contrabajo y voz.
Este grupo editaría cuatro discos, “Swing Cats”, de 1999, “Swing Cat Stomp”, en 2000 y, ya sin Lee Rocker, el “Special Tribute to Elvis”, disco versiones de Elvis Presley con colaboraciones de la talla de Lemmy Kilmister (Motorhead), Johnny Ramone (Ramones) o 13 Cats, del año 2000, además de un disco de villancicos, “Rockabilly Christmas”, de 2001.
En el año 2000 forma The Head Cat, un curioso grupo formado junto a otros dos fenómenos, Danny B. Harvey de Rockcats y Lemmy Kilmister de Motorhead.
Este grupo grabaría dos discos: en el 2000 “Lemmy, Slim Jim & Danny B.”, y el año pasado, en 2006, “Fool’s Paradise”.

Además, se integraría en otros dos supergrupos, Col. Parker junto a Gilby Clarke de Guns n’Roses y Tracii Guns de LA Guns, de los que se edita en 2001 el LP “Rock and Roll Music”, y Dead Men Walking, junto a Billy Duffy de The Cult y Glenn Mattlock de The Sex Pistols, con los que grabó en 2003 el directo “Live at Leeds”.

Slim Jim ha formado parte también del fantástico grupo de neo rockabilly 13 Cats, junto con el propio Danny B. Harvey y Smutty de los Rockcats y Tim Polecat, de The Polecats.
13 Cats han editado dos discos, “In The Beginning!”, de 2002 y “13 Tracks”, de 2003.

En 2004 se edita, además, un curioso disco: En se rescatan los temas grabados por Elvis Presley en las Sesiones Hayride: Unas canciones en directo para la radio, sobre las que RCA no tiene los derechos, del año 55.
Se editan de estas sesiones, seis temas con una nueva base ritmica, que a veces no tiene nada que ver con la original, a cargo de Slim Jim Phantom (bateria), Lee Rocker (Contrabajo) y Danny B. Harvey (Guitarras), es decir, los Swing Cats, con las mezclas de Gilby Clarke. Una curiosa revisión de varios de los clásicos de la primera época de “El Rey”.

Por fin, el año pasado, 2006, Slim Jim participa en el primer proyecto que lleva su nombre y en el que es cantante principal: Slim Jim’s Phantom Trio.

Este proyecto se completa con dos sensacionales músicos, el contrabajista Johnny Bowler, de los míticos Guana Batz, y el gran guitarrista de los Enforcers, Darrel Higham, considerado uno de los mejores guitarristas de rockabilly que actualmente se puede encontrar.

Este grupo ha grabado hasta la fecha un disco, editado en 2006, “The Kat Men”.

Para terminar, no se puede olvidar la histórica reunión de los Stray Cats en 2004, para celebrar el 25 aniversario de la formación del grupo.
Esta reunión tuvo como momento cumbre la espectacular gira europea, en 18 ciudades, entre ellas Gijón y Barcelona.

El concierto de Londres en el Brixton Academy of Music fue recogido en el CD y DVD Rumble in Brixton.
Además, cada uno de estos 18 conciertos fue editado en CD, disponibles tanto por separado como en edición de lujo, los 18 en una caja, con el título de “Live in Europe”.

SWING REVIVAL

2007-08-28T13:37:00.000+02:00

En la segunda mitad de los años 90 del siglo pasado aparecieron, no se sabe muy bien de dónde ni por qué razón, un montón de grupos y bandas dispuestas a recuperar la estética y el sonido Swing de los años 30 y 40.

A este tipo de bandas se las encasilló con una etiqueta llamada “Neo Swing”, unas, más files al estilo tradicional del swing años 30, otras, más renovadoras. Casi todas incluían el uso de la guitarra eléctrica, y muchas mezclaban los sonidos Swing con otros más roqueros, como el rockabilly, y hasta con música latina e incluso Ska.

Normalmente se trataba de grupos con formación tradicional de grupo de rock, Guitarra, bajo (bueno, normalmente contrabajo, que tiene un sonido más propio del estilo) y batería, a los que añadían elementos de percusión típicos de la música latina, piano y, por supuesto, la imprescindible sección de viento, compuesta por trompeta, saxo y trombón.

Mis grupos favoritos de este estilo son Big Bad Voodoo Daddy, Indigo Swing, Royal Crown Revue, Cherry Poppin’ Daddies, Hipster Daddy-O & The Hand Grenades o Atomic Fireballs. También me gusta mucho Colin James, un guitarrista canadiense, muy bueno, aunque más orientado al blues, pero que ha sacado un par de discos con canciones en esa línea, acompañado por “The Little Big Band”.

Pero el gran grupo de este “movimiento” o estilo es la Brian Setzer Orchestra. Fue el que hizo popular el estilo, entrando en las listas con “Jump, Jive an’ Wail,”, una versión de Louis Prima, tocada a todo trapo, porque este fenómeno, que todo lo hace a lo grande, no se conformó con una formación típica de Neo Swing, sino que incluye una sección de viento compuesta por trece instrumentos (cuatro trompetas, cuatro trombones y cinco saxofones). Con lo que su sonido se acerca mucho más al de una Big Band, con el añadido de la inconfundible guitarra de Brian Setzer.

Brian Setzer es un músico al que prácticamente le debemos la recuperación del Rockabilly clásico en los 80, con los Stray Cats (Con Robert Gordon, Crazy Cavan o Matchbox, pero la aportación de Stray Cats fue fundamental).

En los 90 se le metió en la cabeza la recuperación del Swing, formando la Brian Setzer Orchestra y grabando discos formados fundamentalmente por versiones, aunque incluyendo alguna canción propia, tanto nueva como de la época de Stray Cats, a pesar de todas opiniones que se lo desaconsejaban, y lo consiguió, con bastante éxito tanto artístico como de ventas y de crítica. Obteniendo, además, dos Grammys al mejor guitarrista, por sus interpretaciones de Sleepwalk y de Caravan.

Para mi gusto, sus dos mejores discos son “The Dirty Boogie” y “Vavoom”.

Esta es una recopilación que he hecho como ejemplo de este estilo musical, que espero sirva para despertar el gusanillo y dar a conocer la música de estos grupos que me parece muy aconsejable, alegre, potente, llena de energía y de ritmo.

Sería una pena que esta recuperación del Swing, ahora que ya no es tan popular, se convirtiera en una moda pasajera. El caso es que, Brian Setzer aparte, los actuales reyes del género, Royal Crown Revue, (uno de los mejores directos que se pueden ver actualmente) editan sus discos en una independiente, con una difusión mucho menor que hace unos años. Y es una lástima.

http://rapidshare.com/files/51808748/Swing_Returns.rar.html

1.The Brian Setzer Orchestra. Gettin’ in The Mood.
2.Big Bad Voodoo Daddy. I Wanna Be Like You.
3.Cherry Poppin’ Daddies. Zoot Suit Riot.
4.Big Rude Jake. Queer For Cat.
5.The Brian Setzer Orchestra. Jump Jive an’ Wail.
6.Big Bad Voodoo Daddy. Mr. Pinstripe Suit.
7.Swing Cats. All I Want Is You.
8.Big Time Operator - It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing).
9.Hipster Daddy-O & The Hand Grenades. Fancy Free.
10.The Flying Neutrinos. Mr. Zoot Suit.
11.Ray Condo, Swing Brother, Swing!
12.The Blues Jumpers. Good Morning Judge.
13.Big Bad Voodoo Daddy. Big Time Operator.
14.The Brian Setzer Orchestra. Americano.
15.Royal Crown Revue. Hey Patchuco!
16.Big Bad Voodoo Daddy. Always Gonna Getcha.
17.The Jive Aces. Blue Moon.
18.Colin James & The Little Big Band. Safronia in B.
19.The Vanguard Aces. Way Down Low.
20.Dr. Zoot. Jumpin’ At One.
21.Big Bad Voodoo Daddy. When it Comes to Love.
22.Royal Crown Revue. Beyond The Sea.
23.Steve Lucky & Rhumba Bums - Come Out Swingin'.

New York State of Mind

2007-08-09T11:03:00.000+02:00

William Martin Joel, cantante, pianista y compositor, Nace en el Bronx en 1949, aunque su familia se muda a Long Island, también en Nueva York, siendo muy niño.

A lo largo de su carrera ha grabado 15 discos, ha ganado seis Grammys, incluyendo el Grammy Leyenda en reconocimiento a su carrera,y ha vendido más de 100 millones de disco en todo el mundo. Además, es el sexto artista de la historia que más discos ha vendido en Estados Unidos.

Él cuenta que, cuando vio a los Beatles en el Show de Ed Sullivan, decidió que se iba a dedicar a la música. Tenía 14 años cuando ingresó en su primer grupo, un grupo de versiones, que se llamaba “The Echoes”.

En un principio, además de tocar el piano, se dedicó al boxeo, formando parte del circuito amateur, que abandonaría, afortunadamente, antes de dar el salto al profesionalismo (según él, empezaba a ser muy difícil y peligroso) , para decidirse por la música.

Tiene un gran talento para contar historias, una excelente voz y una gran habilidad como pianista.

Como el mismo dice: "Mi música es una síntesis de toda la música que me gusta. Yo mezclo todos los tipos: clásica, rock and roll, blues, jazz, lo que sea".

Después de pertenecer a varios grupos más, ya en 1972 firma un contrato como solista con Paramount Records. En esta época obtiene cierto éxito en radio con una canción, “Captain Jack”, pero diversos problemas le obligan a irse a California.

Allí se dedicó a tocar el piano en bares con el pseudónimo de Bill Martin, y de esta experiencia viene la famosísima "Piano Man".

Sin embargo, a pesar del reducido éxito, “Captain Jack” no pasaría desapercibida: llamó la atención de Columbia Records que lo fue a buscar a Los Ángeles.

Firma un contrato y entra en el estudio a grabar el clásico “Piano Man”, canción que da título a su primer LP de éxito y seguramente su canción más conocida, la primera que logra entrar en el Top 20, y que se hace famosa en todo el mundo.

En España esta es su canción más famosa, gracias a Ana Belén. Aunque, seguramente, pocos saben de la existencia del original, a pesar de la gran popularidad de Billy Joel, al menos en los USA.

Aquí está el videoclip de este clásico, en dailymotion:

Billy joel - piano man
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Un año después vuelve a Nueva York y graba el disco "Turnstiles". En este disco se encuentra la maravillosa "New York State of Mind" (para mi gusto su mejor canción, de la que haría una inolvidable versión, muy emocionante, en el concierto homenaje a los héroes del World Trade Center, con un casco de bombero sobre el piano. Una de las canciones más bonitas que yo he escuchado, y de las más bonitas que se le pueden dedicar a una ciudad).

En 1978 conseguirá su primer número 1, el LP "52nd. Street". Y se embarcará en una gira de 12 semanas por los USA, que termina con 3 conciertos en el Madison Square Garden. Todos con el cartel de “Sold Out”. A partir de este año, Billy Joel ya es una gran estrella de la música. En ese momento es el músico americano que más discos ha vendido para Columbia.

Le falta sólo el detalle de un single número 1. Eso lo conseguirá en marzo de 1980 con "It´s Still Rock And Roll To Me". Incluido en el LP “Glass Houses”. Este disco tendrá también otros singles de éxito como “All For Leyna”.

Su siguiente disco de gran éxito sería tres LPs después, "An Innocent Man”, con el clasicazo, "Uptown Girl".

Este disco colocó 6 canciones en el Top 40 y 3 en el Top 10.

Posteriormente, vendría su famosísima presentación en la URSS, con disco en directo incluido, y su carrera seguiría cosechando éxitos hasta el día de hoy.

Es aconsejable tener, al menos, un recopilatorio de este hombre, disfrutar de canciones como Piano Man, Uptown Girl, You May Be Right, It´s Still Rock and Roll To Me, New York State of Mind, etc. Hay muchos, hace poco se publicó uno de la colección "The Essential", por ejemplo.

Aquí está la preciosa versión de New York State of Mind que canta en el "A Tribute to Heroes". Traída de Dailymotion.

Billy Joel - New york state of mind
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Malcolm Scarpa

2007-08-06T11:54:00.000+02:00

Este guitarrista y cantante, además de escritor, es, para mi gusto, uno de los mejores músicos y de los compositores con más talento que tenemos en España y, sin embargo, es todo un desconocido para el gran público, cosa que realmente no parece preocuparle en absoluto.

A pesar de llevar ya más de 20 años de carrera y más de diez discos grabados, cantando en Inglés y en castellano, sigue a su ritmo, sin preocuparse de modas, de sonar en las radios. Parece ajeno totalmente al negocio musical.

Sus canciones son toda una muestra de buen gusto y cultura musical, alejado de cualquier moda para mezclar, de una forma muy personal, ingredientes como el Jazz, el blues, la psicodelia, el pop con sabor a Ray Davies, o el ragtime y la música más cabaretera.

Canciones bonitas, compuestas e interpretadas con gusto y con sencillez, con cierto aire romántico y una sensación de estar ahí desde siempre y, sin embargo, de ser algo distinto, original.

La crítica siempre lo ha puesto por las nubes aunque, como él mismo dice “De buenas críticas se puede empapelar un cuarto de baño”.

Da la sensación de que puede estar otros 20 años en esto de la música y seguirá siendo un artista de culto, al que no le faltan conciertos tanto para tocar blues como para tocar pop, pero seguirá siendo un perfecto desconocido para la mayoría.

En la segunda mitad de los 90 se integró en un grupo “The Jacquelines”, con el que sí parece que gozó de un poco más de promoción, llegando a actuar en el festival de Benicassim, con buenas críticas, como siempre, pero el proyecto no prosperó y fracasó comercialmente. Lástima, no es lo mejor que ha hecho pero estaba bien.

Sus mejores discos, para mi gusto, son “My Devotion” y “The Road of Life Alone”, los dos cantados en inglés y llenos por todas partes de canciones buenas y bonitas, acústicas, cantadas a media voz, casi al oído. Dos discos muy cálidos que recuerdan un poco, aunque con producciones distintas, más desnudas, aquel disco de Pete Dello de principios de los 70.

Recientemente ha publicado su primer disco totalmente en castellano, “Las Cosas Cambian”. Pero no parece que cambien demasiado para él, otro buen disco, otra colección de canciones bonitas que, otra vez, pasan desapercibidas para el público en general.

Eso sí, queda demostrado que también es muy buen letrista.

http://www.myspace.com/malcolmscarpa

MEAT LOAF. ”Bat Out of Hell” (1977, Epic)

2007-07-11T12:37:00.000+02:00

Nacido el 27 de septiembre de 1947 en Dallas, Texas como Marvin Lee Aday, y apodado Meat Loaf por razones obvias, es un cantante dotado con una espectacular voz, y que realiza una música que, como su forma de cantar, está a medio camino entre el Rock and Roll y la interpretación teatral.

De hecho su carrera comenzó en el musical: Muy joven se trasladaría a Nueva York para cantar en obras musicales de gospel, una de ellas, “More Than You Deserve”, escrita por el pianista, compositor y arreglista Jim Steinman. El primer encuentro con un personaje que iba a ser fundamental en la carrera musical de Meat Loaf.

Más tarde, desempeñaría el papel de Eddie en la versión para el cine de la obra musical “The Rocky Horror Picture Show”.

Jim Steinman, con quien Meat Loaf coincidiría en varias ocasiones más, había escrito “Never Land”, un musical futurista basado en el cuento de “Peter Pan”. Ese proyecto sería transformado, junto a Meat Loaf, en “Bat out of Hell”, el drama rockero que lanzó a Meat Loaf al estrellato.

“Bat Out of Hell” es una frase hecha que viene a significar algo parecido a “Como un pulpo en un garage”, aunque Jim Steinman juega con dobles significados.

El álbum se basa en las composiciones, tanto de letra como de música, de Steinman y cuenta con la producción de un genio como Todd Rundgren, además de contar entre los músicos que lo grabaron a los componentes de la E Street Band, Roy Bittan y Max Weinberg, y, por supuesto, con la personalidad y presencia singular de Meat Loaf, y su poderosísima voz.

Meat Loaf y Steinman trabajaron con el material durante un año antes de empezar a grabar, con la idea de construir una avalancha de sonido al más puro estilo Spector.

El disco, efectivamente, es un exceso en todos los sentidos, la orquestación, el muro de sonido, la interpretación de Meat Loaf, las letras, las canciones, todas ellas en un tono épico y grandilocuente, la espectacular portada del dibujante de comics Richard Corben, el ritmo de las canciones, sólo roto por alguna balada …

El disco se queda entre la opera rock y el Hard Rock, aunque es una mezcla de estilos imposible de clasificar, con canciones como “Paradise by the Dashboard Light” (cantada espectacularmente con Ellen Foley – una cantante especializada en obras de Broadway, y que también podemos escuchar en algún disco de los Clash-, y con la voz del comentarista del equipo de los Yankees de Nueva York, Phil Rizzuto), “Two out of Three Ain’t Bad” una tremenda y espectacular balada, y “You Took the Words Right out of My Mouth (Hot Summer Night)” y la espectacular “Bat Out of Hell”, se escucharon por todas partes, y el álbum llegó a ser uno de los 25 álbumes más vendidos de todos los tiempos. En los años 70 vendió 14 millones de discos, y he leído que ya lleva vendidos más de 30 millones. Uno de los 10 álbumes más vendidos de los años 1970 y uno de los discos de debut más vendidos de todos los tiempos.

Para mi gusto es, además, un clásico de la historia del rock y “Paradise” una de mis canciones favoritas. Excesivo, épico, tal vez pretencioso, teatral, a la medida de la voz, forma de cantar, interpretar e incluso ser de Meat Loaf, cuya voz encaja en las composiciones y la producción como un guante.

El disco tendría su continuación años después, con una segunda parte en los 90, y una tercera el año pasado, en la misma línea, para mí dos discos también muy recomendables, aunque no tan buenos.

ELO: TIME (1981 Jet Records)

2007-07-06T10:05:00.000+02:00

Por encima de una musiquilla "futurista" escuchamos una voz robótica y marciana (utilizan un "Vocoder") que dice:

Just on the border of your waking mind

There lies another time

Where darkness and light are one

And as you tread the halls of sanity

You feel so glad to be

Unable to go beyond

I have a message from another time

Este es el comienzo de uno de los discos más famosos y vendidos de la Electric Light Orchestra, publicado en 1981. Y uno de mis discos favoritos.

Su noveno disco, después de su participación en la Banda Sonora de “Xanadú”, con Olivia Newton John. Película que fue un completo fracaso comercial, no así la banda sonora, que colocó a la “Orquesta” de Jeff Lynne , tras sus éxitos con “Out of The Blue” y “Discovery”, en la primera línea mundial.

Este éxito permitió a la ELO contar con todos los adelantos y los medios para la producción de “Time”, un disco futurista y “marciano”, muy ochentero, sensacionalmente producido y que suena a lo que todos entendemos como sonido característico de Jeff Lynne, pero con todo lujo de medios y detalles.

Tal vez por eso se le critica como un disco que ha envejecido mal, demasiado marciano, y que ha quedado desfasado, además de que empieza ya a ser repetitivo y muestra el desgaste de un grupo que empezaba ya a decaer.

Yo esa crítica no la comparto. Creo que muy pocos fans de la ELO la comparten.

Para mi gusto, se trata de un disco magnífico, que se puede escuchar perfectamente a día de hoy, al menos tanto como cualquiera de los otros discos de la Electric Light Orchestra, y lleno de canciones memorables, desde el comienzo con Twilight, producidas y arregladas de forma genial, con coros, melodías, un toque electrónico, vocoders, sintetizadores,… vamos, el Jeff Lynne de toda la vida pero con todos los adelantos y medios de los que no siempre había dispuesto, ya sea por falta de dinero, ya sea porque no se habían inventado aún.

Adapta todos esos nuevos elementos y adelantos técnicos perfectamente a su estilo. Sigue haciendo ese sonido inconfundible que sólo Jeff Lynne es capaz de hacer.

Y no se trata de un disco decadente, la prueba es que arriesga en su sonido, incorporando todos esos elementos sin perder su identidad ni su sonido tradicional.

Con lo único que estoy de acuerdo es con que es un disco muy comercial, en la línea que habían empezado sumándose a la música disco con Discovery, se sumaban ahora a la moda tecno.

Pero es la discusión de siempre. Que un disco sea comercial no es “malo en sí mismo”. Se puede hacer música comercial sin dejar de ser un genio, sin dejar de ser un mago para los estribillos, las melodías y los coros, se puede hacer música comercial sin perder calidad, si eso es exactamente lo que se quiere hacer, si no se renuncia al sonido que a un músico le gusta. Y el sonido de Time, por encima de toda esa parafernalia marciana y futurista en arreglos y letras, es 100% Jeff Lynne.

El disco es una sucesión de “singles”, reales o potenciales, uno tras otro: Twilight, 2095 Yours Truly, Ticket to The Moon, Rain is Falling, Here is The News, Hold On Tight, etc.

Yo aconsejo rescatarlo. Nunca es tarde para descubrir (o redescubrir) a uno de los grandes genios de la música moderna.

John Henry Hammond. Un cazatalentos con ojo.

2007-06-18T12:53:00.000+02:00

El productor, crítico musical y músico (y padre de músicos) de Jazz y Blues John Hammond es prácticamente todo un desconocido para el gran público, y sin embargo es una de las figuras más importantes e influyentes en la música popular del pasado siglo XX.

Nacido en Nueva York el 15 de diciembre de 1910, estudiante de piano desde los cuatro años, a los ocho ya sabía tocar también el violín, especialidad que estudiaría en la Universidad de Yale más adelante.

Con una gran formación en música clásica, el prefería, sin embargo, el blues y el Jazz, la música que terminó de engancharle después de ver actuar a Bessie Smith en 1927 en el Alhambra.

Comenzó a escribir en distintas publicaciones como crítico musical, destacando entre ellas sus artículos para Melody Maker, donde se convirtió en uno de los principales divulgadores de la música Jazz y Blues, de los artistas de color, y en gran defensor de los derechos civiles y la lucha contra el racismo.

En 1933, tras ayudar a formar su orquesta a Benny Goodman, entra a trabajar para la industria discográfica, produciendo la última sesión de Bessie Smith, y realizando su primer descubrimiento: una cantante de 17 años, nada menos que Billie Holiday. Grabando su primera sesión con la orquesta de Benny Goodman.

Por si no era suficiente, se dedicó a traer a Nueva York a los grandes intérpretes de Swing y, en 1938 organizó una serie de conciertos llamados “From Spiritual to Swing”, en el Carnegie Hall, descubriendo para el gran público, entre otros, a Big Joe Turner y a Count Bassie. Robert Johnson, que estaba anunciado, no pudo actuar ya que falleció poco antes.

Después de realizar el servicio militar (durante la segunda guerra mundial), y ya a finales de los ’50, entra a trabajar para Columbia Records, firmando a Pete Seeger y otros cantantes de folk, y descubriendo a la que, por entonces, era una prometedora cantante de gospel de 18 años, “una tal” Aretha Franklin, y contratando también al fabuloso guitarrista y cantante de Jazz George Benson.

Ya en los ‘60, y después de toda esa carrera, Hammond realizaría uno de los descubrimientos por los que es más conocido y por el que merece mi eterno agradecimiento: En 1961 asistiría a una audición de un jovencísimo cantante de folk recién llegado a Nueva york y que había adoptado el nombre artístico de Bob Dylan, y se empeñaría en firmarlo para Columbia, contra la opinión de los ejecutivos del sello, que lo consideraban un “capricho”, al que accedieron en atención a la trayectoria del productor y cazatalentos, que por entonces ya era uno de los productores más importantes del sello. No se equivocaron al permitirle el “capricho”, desde luego.

Además, trabajaría para la recuperación de las grabaciones del bluesman Robert Johnson, realizando las ediciones póstumas que tanta influencia han tenido en la música blues, y que se editaron con la producción de Frank Driggs.

Terminaría su carrera para Columbia firmando, ya a finales de los 60, al cantautor canadiense Leonard Cohen y se permitiría un último capricho y otra de sus apuestas más fuertes y consideradas entonces como arriesgadas, ya en los 70, tratando de descubrir a un “nuevo Dylan”, descubriría y firmaría para el sello nada menos que a Bruce Springsteen.

En 1975 se retira del sello, aunque haría todavía un último servicio, ya en 1983, descubriría, ficharía para Columbia y sería el productor ejecutivo del primer disco del magnífico guitarrista Stevie Ray Vaughan.

Toda esta trayectoria le valdría para conseguir un Grammy Honorífico y entrar en el Rock and Roll Hall of Fame en 1986 , antes de su fallecimiento el 10 de julio de 1987.

De esas personas que trabajaron toda la vida en la sombra, sin llevarse casi nada de la gloria, pero que, con su trabajo y su talento, han ofrecido la oportunidad a algunos de los músicos más influyentes en la historia de la música popular, en ocasiones apostando muy fuerte. Merecen ser reconocidos, ahora que estamos en una época en la que las discográficas van a lo seguro y difícilmente dan oportunidades a nuevos talentos.

Después nos quejamos de no tener actualmente un músico joven capaz de tomar el testigo de los Bob Dylan o Bruce Springsteen.

Seguro que a esos músicos los tenemos en algún lugar, esperando a un John Hammond que apueste por ellos. Pero tal vez eso sea lo que no tengamos.

En fin, puede que sean otros tiempos pero genios como John Hammond, creo yo, nunca sobran.

BRUCE SPRINGSTEEN WITH THE SESSIONS BAND: LIVE IN DUBLÍN. (Columbia, 2007)

2007-06-10T11:06:00.000+02:00

La verdad es que me quedé sin palabras después de escuchar por primera vez el nuevo doble CD y ver el DVD de Bruce Springsteen con la Seger Sessions Band. Ahora, después de seis o siete escuchas, y subiendo, ya puedo decir que es lo mejor que he escuchado en muchos años.
Y es que esta maravilla de disco es, para mí, el mejor disco en directo no ya del año, de lo que va de siglo. Y uno de los mejores discos en directo de la historia.

El lanzamiento se compone de dos discos y un DVD que recogen 23 canciones grabadas en directo durante los conciertos celebrados los días 17, 18 y 19 de noviembre de 2006 en The Point, el mítico auditorio de Dublín.

En esos conciertos, Springsteen presentaba el disco “We Shall Overcome: The Seeger Sessions” , acompañado por “The Sessions Band”, una banda muy, pero que muy competente de 18 músicos. Y la grabación incluye canciones de este disco, algunas versiones, inéditas, y revisiones de alguno de sus clásicos. (Alguna de ellas, como la de Open All Night, dejarán con la boca abierta).

Según Jon Landau, mánager de Springsteen, a través de estos singles se refleja “la visión de Bruce de la música americana: folk, blues, dixieland, country, swing, gospel, rock... todo grabado con la clásica energía de Bruce”.

Además Landau ha calificado este recopilatorio como uno de los mejores trabajos de Bruce Springsteen. Para mi gusto, no lo dice sólo porque es el último y hay que vender (cosa que tampoco es que, a estas alturas, Bruce Springsteen necesite presentaciones de ese tipo).

A mí también me lo parece. Llevo días en que no puedo escuchar otra cosa, y creo que la exclusiva me va a durar otro par de semanas, por lo menos.

Al igual que hace en el disco que presentaban, Bruce Springsteen se dedica a revisar su música sumergiéndose en la tradición musical americana, desde el country más clásico al más sureño y rockero al estilo Charlie Daniels, hasta el folk de Pete Seeger, pero también hay Gospel, Blues, Jazz, Dixieland, Swing, incluso a veces entrando de lleno en el folk irlandés al más puro estilo de los Pogues o de la Oyster Band, y todo ello con su forma inconfundible de cantar, su carisma, sus tablas y una banda espectacular, perfectamente sincronizada y en plena forma.
Yo aconsejaría no perdérselo de ninguna manera.

Están incluidas las siguientes canciones:

1. Atlantic City 2. Old Dan Tucker 3. Eyes on the Prize 4. Jesse James 5. Further on Up the Road 6. O Mary Don't You Weep 7. Erie Canal 8. If I Should Fall Behind 9. My Oklahoma Home 10. Highway Patrolman 11. Mrs. McGrath 12. How Can A Poor Man Stand Such Times And Live 13. Jacob's Ladder 14. Long Time Comin' 15. Open All Night 16. Pay Me My Money Down 17. Growin' Up 18. When the Saints Go Marching In 19. This Little Light of Mine 20. American Land 21. Blinded By the Light (Credits) Bonus Songs: 1. Love of the Common 2. People We Shall Overcome.

Y la magnífica banda está formada por los siguientes músicos:

Bruce Springsteen - Vocals, Guitar, Harmonica. Sam Bardfeld - Violin, Vocals. Art Baron - Sousaphone, Trombone, Mandolin, Penny Whistle, Euphonium. Frank Bruno - Acoustic Guitar, Vocals, Field Drum. Jeremy Chatzky - Bass. Larry Eagle - Drums, Percussion. Clark Gayton - Trombone, Vocals, Percussion. Charlie Giordano - Accordion, Piano, Organ, Vocals. Curtis King Jr. - Vocals, Percussion. Greg Liszt - Banjo, Vocals. Lisa Lowell - Vocals, Percussion. Ed Manion - Saxophone, Vocals, Percussion. Cindy Mizelle - Vocals, Percussion. Curt Ramm - Trumpet, Vocals, Percussion. Marty Rifkin - Steel Guitar, Dobro, Mandolin. Patti Scialfa - Acoustic Guitar, Vocals. Marc Anthony Thompson - Acoustic Guitar, Vocals. Soozie Tyrell - Violin, Vocals.

SURF & HOT ROD. Grupos vocales.

2007-05-28T12:43:00.000+02:00

Muchos aficionados a la música surf, los más puristas, dicen que la música surf es estrictamente instrumental.

Ninguna composición que incluya voz puede ser calificada de música surf.

La música surf nació como una música hecha por aficionados al Surf, y que tenía este deporte como temática principal.

En un principio, las composiciones eran todas instrumentales, y así quedó constituido este género musical, como género de Rock Instrumental de temática surfera y playera: The Ventures, Dick Dale, The Atlantics, The Mar-Kets, The Bel-Airs, The Chantays, ... decenas de grupos que surgieron a finales de los 50 y principios de los años 60. Que conformaron este estilo musical que todavía hoy, aunque ya no en primera línea de superventas, sigue teniendo muy buena salud. (Hay grupos excelentes como Los Coronas, Los Straitjackets, Bambi Molesters, Cosmonauti, Lost Acapulco, y grupos muy imaginativos e innovadores dentro del estilo como Man or Astroman?, o Blue Hawaiians).

De vez en cuando alguno de los clásicos del género vuelve a primera línea con ocasión de alguna película (por ejemplo, las de Tarantino) o anuncio de TV, demostrando que siguen teniendo gancho aunque ya no tengan promoción.

El surf era algo más que un deporte, era toda una forma de vida, además de la moda del momento en California, en la sociedad optimista y despreocupada de los 50 y principios de los 60 americanos.

Para muchos jóvenes y adolescentes, el surf era la diversión, las fiestas, la playa y, sobre todo, las chicas. Era algo muy atractivo no sólo para los aficionados al deporte.

Ese modo de vida que se estaba haciendo muy popular, gustaba a muchos jóvenes, era cuestión de tiempo que atrajese a los músicos, o que muchos de esos jóvenes quisieran serlo para contar las maravillas de ese estilo de vida despreocupado y optimista. El mundo en el que ellos se movían.

Había muchas cosas que contar, y músicos dispuestos y deseosos de contarlas, así que, de repente, en 1962 comienzan a aparecer voces en estas composiciones playeras.

Por suerte para los que nos gusta este tipo de música, pronto se vio que también había un público dispuesto a escuchar estas canciones y, claro, a comprar esos discos, y el estilo se haría muy popular.

Si aceptamos que la música surf sólo es instrumental, entonces el surf vocal, no es propiamente música surf, sino pop de temática surfera. En principio, después veremos que no sólo surfera, también aparece la temática “Hot Rod”. Aunque este tipo de discusiones, en realidad, siempre sean lo de menos.

Lo importante son las canciones: Y se dice que la primera canción sobre surf fue la mítica "Surfin''" de los Beach Boys, publicada por primera vez en Diciembre de 1962.

Curiosamente, sólo uno de los Beach Boys practicaba el surf, Dennis Wilson, que fue quien propuso escribir la canción, que finalmente compondría junto con su hermano Brian y su primo Mike Love.

Los Beach Boys comenzaron con el surf vocal al estilo que le gustaba a Brian Wilson, canciones muy optimistas, alegres y pegadizas, que mezclaban las melodías y armonías vocales heredadas de los grupos vocales de los 50 y los ritmos básicos del surf rock.

La canción, a pesar de estar grabado en un sello muy pequeño, obtuvo un notable éxito, sobre todo a nivel local. Así que los Beach Boys continuaron por esa línea, con "Surfer girl" y "Surfin' safari", entre otras.

Y este éxito, cada vez mayor, como siempre, animó a otros muchos grupos a hablar de surf, a salir con tablas en las portadas de sus discos, en la playa o sobre las olas, y no sólo en California. En California estaban Beach Boys, Jan & Dean y los Surfaris, como máximos representantes, pero también a lo largo de los USA estaban The Trashmen, igual que los Surfaris, un grupo más bien de Frat Rock, pero que se animó a introducir la temática surfera en la mítica “Surfin`Bird”, o como los Rivieras, de Arizona, o los Trade Winds, de Nueva York.

Además de la temática surfera, y más o menos a la vez, y con canciones del mismo estilo, aparece el Hot Rod.

El Hot Rod no es sino más de lo mismo, pero donde los grupos surferos ponen la playa y la tabla, los Hot Roders ponen la carretera y los coches. Lo demás, en música y letra, más o menos igual. Diversión, chicas, verano, etc.

Aquí destacaban, además de Jan & Dean y Los Surfaris, y ocasionalmente los Beach Boys (por ejemplo, Little Deuce Coupe) los Rip Chords, un grupo en el que estaba Bruce Johnston, que tenía canciones que se hicieron famosas como “Hey Little Cobra”, o los grupos de Gary Usher (The Hondells, The Super Stocks).

El estilo conoció muchísimo éxito entre los años 1962 y mediados de 1964, año en el que prácticamente desapareció de las listas. Por la razón que todos nos imaginamos. El 9 de Febrero de 1964, precedidos por una gran campaña publicitaria ideada por Brian Epstein (el famoso “200 años después Los Estados Unidos se rinden ante Gran Bretaña”), Los Beatles actúan en el show de Ed Sullivan, comenzando la llamada British Invasion y arrasando de los primeros puestos de las listas a todos los grupos americanos que, por entonces, las habían venido ocupando.

A los grupos surferos no les quedó otra que reciclarse, desaparecer o seguir, pero ya en un segundo plano, del que ya prácticamente no volverían a salir, salvo recopilatorios puntuales cada X años, a cargo de los Beach Boys, y cosas así.

Sin embargo, el estilo nos dejó un buen puñado de clásicos, unas canciones y un sonido divertido, pegadizo y muy agradable de recuperar en cualquier momento, y sobre todo ahora que se va acercando el verano.

Además, y fuera de los años 60, varios de mis grupos favoritos, empezando por el más grande, los Ramones, han recuperado parte de ese sonido y de ese espíritu, alegre, divertido y optimista, a la hora de hacer canciones.

Cogieron el testigo grupos como Barracudas con su “Drop Out” y el disco surfero de los Chesterfield Kings, “Surfin` Rampage” en los 80, más recientemente Travoltas, Sonic Surf City o The Queers, y actualmente Surfin’ Lungs, música surf desde Inglaterra, y, por supuesto, Airbag, para mi gusto, de largo, el mejor grupo que hay en España.

AMERICAN COSMIC MUSIC. La leyenda de Gram Parsons. (y 4)

2007-05-21T17:06:00.000+02:00

“G.P. + Grievous Angel” (1972-73, Reprise)

Después de su etapa en los Flying Burrito Brothers, y antes de su fallecimiento, a Gram Parsons todavía le daría tiempo a grabar los que, para mí, son sus mejores discos.

A principios de los setenta comienza su carrera en solitario, que daría lugar a estos dos únicos discos: GP y Grievous Angel, éste de edición póstuma.

Tanto G.P. como Grievous Angel me parecen dos obras maestras imprescindibles, y son dos de mis discos favoritos de siempre.

En G.P. está una de las canciones más bonitas que yo he escuchado, de esas que hacen llorar de emoción: “The New Soft Shoe”. Una canción sobre la incomprensión, haciendo un paralelismo entre su música y otros genios incomprendidos, como Tucker.

Al no tener problemas de dinero, dado su origen, se pudo permitir ciertos lujos, al margen de las ventas o expectativas de venta de sus discos: Como la colaboración vocal de un ángel, por entonces bastante desconocido, llamado Emmylou Harris, que hace unas segundas voces absolutamente maravillosas, acompañando a la voz de Gram Parsons, rota ya por los años de excesos, y la guitarra de Barry Tashian, de The Remains, y uno de los mejores guitarristas de la época, así como de tres de los instrumentistas que tocaban con Elvis en Las Vegas (los cuales paga Gram de su bolsillo, al negarse la discográfica a costearlos).

En estos discos, como a lo largo de toda la carrera de Gram Parsons, lo mismo nos encontramos con canciones de estilo totalmente country (como “Still Feeling Blue”) más rockeros, (“Kiss The Children”), o canciones mezcla total de estilos, pero que suenan más emocionantes que nunca, (“She”, “A Song for You”, “Love Hurts”, “in My Hour of Darkness”, “The New Soft Shoe”,...).

No tienen desperdicio, son dos discos maravillosos e imprescindibles, que no deben faltar en la colección de todo aficionado al rock con raíces country, y que enganchan ya desde su primera escucha, y crecen un poco más cada vez que uno los pone.

Hay, además, una reedición de 1990 que recoge en CD los dos discos.

Parecía, al fin, que empezaba a despegar su carrera, pero todo se vio truncado con su fallecimiento en 1973, el mismo año en que se editaba su debut en solitario.

Tenía sólo 26 años, y su muerte también tiene su propia leyenda, que ayudó bastante a convertir a este gran músico en un mito: su familia reclamó el cadáver para enterrarlo en New Orleáns, en el panteón familiar, pero su íntimo amigo Phil Kauffman, acompañado del roadie Michael Martin, se las arreglaron para robar el féretro con el cadáver en el aeropuerto de Los Ángeles, cumpliendo a continuación la voluntad que había expresado previamente Gram: ser incinerado y que sus cenizas descansaran en el desierto californiano, en el parque nacional de Joshua Tree, que él adoraba, y donde murió. (Hay una película, “El legado de Gram Parsons”, que cuenta ese suceso).

De todas formas, su música nunca muere ni pasa de moda. Al contrario, cada vez se le reivindica más, convirtiéndose en uno de los músicos “de culto” más importantes e influyentes de la historia del rock. A pesar de seguir siendo todo un desconocido para la mayoría.

AMERICAN COSMIC MUSIC. La leyenda de Gram Parsons. (3)

2007-05-14T16:14:00.000+02:00

The Flying Burrito Brothers. “Guilded Palace Of Sin + Burrito Deluxe” (1969-1970, Edsel)

Continuamos con la apasionante carrera de Gram Parsons.

Abandona los Byrds al negarse a girar por la Sudáfrica del Apartheid, y le sigue Chis Hillman, otro apasionado de los sonidos country.

Juntos fundan este gran grupo de nombre extraño (y un poco ridículo a primera vista) : The Flying Burrito Brothers. (un Flying Burrito es una especie de crep de carne picante, típico de la zonas de Nuevo México y California), junto al extraordinario Pete “Sneaky” Kleinow, en la Pedal Steel Guitar, considerado uno de los mejores intérpretes de este instrumento de todos los tiempos, y Chris Ethridge. (que había sido miembro, junto con Gram Parsons, de la International Submarine Band.)

Los Flying Burrito Brothers, con Gram Parsons, graban dos sensacionales e imprescindibles discos que terminan de crear las bases de lo que, más tarde, se pasará a llamar Country Rock (y Gram Parsons llamaba American Cosmic Music) y que ya se había empezado a construir en el “Sweetheart of the Rodeo”, y antes con el “Safe at home” de la International Submarine.

Hay una edición muy buena con los dos discos juntos, de 2004. Aunque el primero, (Gilded Palace of Sin) el más country de los dos, es para mi gusto el mejor, los dos son dos joyas muy, muy recomendables.

Con estos señores músicos: Sneaky Pete Kleinow y Chris Ethridge, Gram Parsons y Chris Hillman se dedicaron a cocinar la receta habitual de “casa Parsons”, mezclar el country, el soul, el rock,... modernizando los sonidos country con ingredientes como psicodelia, y revisando clásicos como “Dark End Of The Street” o “Do Right Woman”.

Guilded Palace of Sin, en su día, no vendió más de 50.000 copias, como le pasa a Gram Parsons a lo largo de su trayectoria, puede que se adelantasen demasiado a su tiempo y fueran demasiado Country para el público Rock, o demasiado roqueros para el conservador público Country, el caso es que es un paso adelante en la propuesta de Gram Parsons, sin la que, como ya comenté, todo el Country Rock de los 70 (Eagles y compañía), el “Nuevo Rock Americano” de los 80 (Long Ryders, Green on red, ...) o el actual movimiento del country rock , conocido como “Americana” (Jayhawks, Wilco, Son Volt...) no serían iguales o, simplemente no serían.

Además, independientemente de esta influencia, el disco es muy, muy bueno. Magníficas canciones, y muy bien interpretadas.

A este disco le siguió el “Burrito deluxe”, último de los grabados por los FBB con Gram Parsons, y otro gran disco, más abierto, un poco menos Country, más pop estilo Byrds, (versión de Bob Dylan incluida) un paso más en la mezcla de estilos.
Este disco contaba con Parsons en voz y piano, Sneeky Pete Kleinow en la steel guitar, Bernie Leadon (futuro miembro de Eagles) a la guitarra y el dobro, Chris Hillman (ex Byrds) al bajo y Michael Clarke (ex Byrds) a la batería.

El disco incluye, además, la primera versión de "Wild Horses", el clásico escrito por Jagger y Richards, y que más tarde harían famoso los Rolling Stones, que este último prestó a Parsons y que Gram grabó con los Flying Burrito Brothers y Leon Russell al piano. (Cuenta la leyenda que en realidad el tema está compuesto o, al menos, inspirado por el propio Gram, junto con su amigo Keith Richards).

AMERICAN COSMIC MUSIC. La leyenda de Gram Parsons. (2)

2007-05-13T18:40:00.000+02:00

The Byrds. “Sweetheart of the Rodeo” (1968, Columbia/Legacy)

En el año 1968, el fantástico grupo The Byrds había quedado reducido a Chris Hillman y Roger McGuinn, tras los abandonos de David Crosby y Michael Clarke.

Chris Hillman presentó a Gram Parsons a McGuinn y le ofrecen entrar a formar parte de los Byrds.

Gram parsons, todo un desconocido por aquel entonces, ni lo duda, abandona su grupo The International Submarine Band y se integra en The Byrds, un grupo de primera línea entonces, y uno de los mejores de la historia del rock, para mi gusto.

Este trío junto al batería Kevin Kelly (primo de Hillman) firmaron el sexto disco de los Byrds, "Sweetheart Of The Rodeo" pieza clave del country-rock.

Gram Parsons estuvo sólo cinco meses con ellos pero fue tiempo suficiente para contagiarles su visión musical, arrastrando a los Byrds, que buscaban un nuevo sonido, hacia el country-rock. En los Byrds encontró la complicidad de Hillman (gran amante del country, y cuyos inicios como músico se desarrollaron en el bluegrass).

De esta forma, el sonido final de "Sweetheart of the Rodeo" parecería más propio de los Flying Burrito Brothers, el siguiente proyecto de Parsons, que de lo anteriormente grabado por The Byrds. El disco contenía varios temas originales de Parsons, incluyendo la magnífica "Hickory Wind".

Este nuevo sonido dividió a los seguidores del grupo, ya que muchos echaban en falta los característicos sonidos primerizos de la guitarra de Roger McGuinn, y muchos consideran que rompió la trayectoria de los Byrds hacia sonidos más psicodélicos, como los que acababan de hacer en su disco anterior, el también excelente “Notorius Byrd Brothers”.

La anécdota, en este disco, es la regrabación de la voz solista por McGuinn en temas originalmente cantados por Gram Parsons, (actualmente con su reedición en C.D por Columbia/Legacy que incluye maquetas de dichos temas con Parsons en la voz, es posible reconstruir el contenido original).

La razón fue la resistencia de Lee Hazelwood (dueño de LHI Records) a que Gram, un artista con contrato con su sello como parte de la International Submarine Band, apareciese en esta grabación.

En todo caso este disco es no sólo la última gran obra de los Byrds, sino también el inicio de lo que se llamaría “Country Rock”.

Es una obra maestra, en la que esa repentina "conversión" al country suena muy convincente, gracias a los excelentes músicos de sesión ("steels", banjos, mandolinas, violines y guitarras) capaces de dotar de "autenticidad" a estos “novatos”.

La propuesta de los Byrds, (más bien la de Gram Parsons), llegaba demasiado pronto, y fue incapaz de superar la guerra abierta por entonces entre dos mundos, el del rock y el del country, que en su enfrentamiento reflejaban un conflicto generacional y hasta cultural.

Así que, si el mundo del country, un mundo muy cerrado, recibió el disco de la International Submarine con indiferencia, con el de los Byrds, un grupo con cierta notoriedad, pasó directamente a recibirlo con manifiesta hostilidad, negándose a programarlo en las radios country, etc.

El mundo del rock le da también la espalda, el disco es demasiado country y se considera, por muchos, un paso atrás definitivo en la evolución de un grupo como los Byrds, que venía de firmar varios discos buenísimos en una línea influenciada por sonidos folk, pero dentro de una música psicodélica.

Yo no diría tanto. Para mí el disco, sin ser tan bueno como lo que haría Gram Parsons posteriormente (en solitario y con los Flying Burrito Brothers), no deja de ser, para mi gusto, una obra maestra. Y uno de mis discos favoritos.

Claro que, a quien no le gusten los sonidos country, le resultará insufrible, el disco es country rock, pero todavía más country que rock. Tampoco le faltan versiones de temas soul (como You Don`t Miss your Waters, con sonidos y arreglos totalmente country, eso sí) o las habituales versiones de Bob Dylan. (You Ain´t Going Nowhere).

AMERICAN COSMIC MUSIC. La leyenda de Gram Parsons. (1)

2007-05-03T23:45:00.000+02:00

THE INTERNATIONAL SUBMARINE BAND.

El 19 de Septiembre de 1973 Gram parsons fue encontrado muerto con tan sólo 26 años en el Joshua Tree Inn, un motel situado en su adorado Parque Nacional de Joshua Tree, en el sur de California, por fallo cardiaco, producido por una dosis excesiva de heroina, morfina y alcohol.

Parsons fue el creador de lo que él llamó "Música cósmica Americana". Dicho de una forma más sencilla, el origen del "country-rock".

Nacido el 5 de noviembre de 1946 en Waycross, Georgia, y bautizado como Ingram Cecil Connor III, de familia acomodada (lo más parecido a la aristocracia, si en USA existiera tal cosa), pero marcada por la desgracia, Gram Parsons es uno de los músicos claves en la historia de la música ROCK.

Su prematura muerte, su “Rock and Roll Way of Life”, así como su talento, su curiosidad y su empeño en innovar y combinar diferentes estilos musicales han convertido a Gram Parsons en un mito.

Un mito, sin embargo, no demasiado conocido para el gran público, ya que no obtuvo demasiado éxito en vida. Sin embargo, su origen y su posición económica le permitía hacer la música que realmente deseaba hacer, sin necesidades económicas ni, en consecuencia, presiones por las ventas. Su música resultó tal vez demasiado rockera para entrar en las listas country, y demasiado "vaquera" para triunfar en el mundo del rock, por entonces dominado por los sonidos psicodélicos y los inicios del Hard Rock.

Sin embargo, muchas de las cosas que vinieron después, grupos como The Eagles, todo el nuevo rock americano de los 80 (Long Ryders, Green On Red, los mismísimos REM) o el actual movimento conocido como “Americana” no habrían tenido lugar sin la aportación del genio de Gram Parsons. Y los propios músicos reconocen esta influencia. Por ejemplo, Sid Griffin, líder de los Long Ryders es un fan confeso de Gram Parsons, hasta el punto de haber escrito una biografía. ("Gram Parsons: A Music Biography").

En su (desgraciadamente) corta vida como músico, a Gram Parsons le dio tiempo a participar en seis magníficos discos. (con International Submarine Band, The Byrds, Flying Burrito Brothers y en solitario).

El primero de ellos fue publicado en 1968 con The International Submarine Band, titulado Safe At Home.

Safe At Home está considerado como el primer disco de country-rock de la historia. Aunque, en este caso, todavía es más country que rock.

Desde el principio de su carrera, Gram Parsons se dedicó a mezclar todas sus influencias musicales (rock and roll, rockabilly, folk, bluegrass, country, Gospel, Blues o soul, y hasta sicodelia) que unió en una combinación que él mismo denominó "Cosmic American Music".

Concebía su música como una manera de hermanar a todos los pueblos de los Estados Unidos, blancos con negros, sur con norte, a través de la fusión de sus músicas, buscando crear una música común, la música cósmica americana.

La International Submarine Band se formó en Nueva York, aunque la grabación de Safe At Home tuvo lugar en Los Angeles.

Tras fichar por el sello LHI de Lee Hazlewood iniciaron la grabación de Safe At Home durante 1967.

Un disco con un sonido más que mejorable, pero que destaca, como no, por sus canciones, cuatro de ellas compuestas por el propio Gram Parsons, y cinco versiones procedentes de sus muy diversas influencias. (Johnny Cash, Merle Haggard, etc)

Antes de salir el disco, Gram Parsons ya había abandonado The International Submarine Band para unirse a The Byrds, y la banda ya era historia, pero esto pertenece a otro capítulo.

Aunque Safe At Home pasó prácticamente desapercibido en su momento, es un buen LP, con nueve grandes canciones. Especialmente el clásico “Luxury Liner”.

Además, al margen de las canciones, el disco es esencial para poder entender el nacimiento del country-rock y la evolución de la música estadounidense en los años posteriores a su publicación.

IMMACULATE FOOLS.

2007-04-23T09:47:00.000+02:00

Esta banda, formada por dos parejas de hermanos (los Ross y los Weatherill) es el típico ejemplo de artista con relativo (o más bien muy escaso) éxito en su país pero que por circunstancias inexplicables arrasan en algún otro lugar.

En este caso ese otro lugar fue España. Hasta el punto que el grupo acabaría viviendo aquí durante una larga temporada y grabando parte de su discografía posterior en unos estudios de Vigo.

Se daba el caso curioso de que casi subsistían gracias a España.

En el Reino Unido, su repercusión era prácticamente nula, en cambio, en España, muy buenas canciones como Immaculate Fools, Save It o Hearts of Fortune, del primer disco, junto a otras de discos posteriores (Tragic Comedy, Wish You Were Here o Sad) se escucharon bastante, tanto como para que su segundo LP, Dumb Poet fuera disco de oro en España mientras que en su país ni entró en listas.

Immaculate Fools combinan muy buenas canciones con influencias del folk británico con otras más épicas y difíciles, muy en la línea nuevaolera de los 80 de otros grupos como, por ejemplo, Psychedelic Furs (comparación que he leído varias veces, en parte por el parecido de la voz de Kevin Wheatherill con la de Richard Butler).

Sus producciones son las clásicas y correctas producciones británica de los años 80.

Su sonido más bien intimista y desencantado, en los 90, podría haber tenido mucho más éxito, no sólo en España. Sin embargo, para la moda del pop de los 80 en Europa, fuera de la onda siniestra, en la que desde luego no militaban, los gustos iban lejos de esta línea intimista y oscura.

Se cuenta por ejemplo la anécdota de un DJ de una importante radio inglesa, que cortó la emisión de uno de sus singles en mitad de canción por ser, en sus propias palabras, "demasiado deprimente". Seguro que, años después, se infló a pinchar y poner por las nubes discos también bastante oscuros como, por ejemplo, el Automatic for The People, de REM, o el Violator, de Depeche Mode.

Sin embargo, no toda la crítica los ponía tan mal, y de hecho la revista Sounds (por entonces de las más prestigiosas) calificó su primer disco, Hearts of Fortune, con un 5 sobre 5.

Es muy difícil encontrar reediciones en CD, especialmente de sus primeros discos. Sorprendentemente, apenas hay reediciones de un grupo que, en su época, llegó a conseguir en España el disco de oro, por Dumb Poet y el de platino por Another Man’s World (disco que también tuvo bastante éxito en Alemania, donde fue disco de oro), y que ahora ha sido olvidado casi hasta por sus propios fans.

De repente, incluso antes de terminar su carrera, desaparecieron sin dejar apenas rastro.

Su música, es cierto, es muy de su época, con muchas canciones que han envejecido mal, pero otras muchas eran tan buenas que han sobrevivido perfectamente. Y sobre todo las canciones de sus últimos discos, discos acústicos con una gran influencia de los sonidos celtas, sobreviven perfectamente al paso del tiempo.

Yo ya no los escucho tanto como antes, pero me siguen pareciendo muy buenos y, desde luego, no creo que se merezcan caer en el olvido, me parece injusto.

Y, por cierto, recientemente me he enterado de que Kevin Weatherill ha sacado al menos un disco en solitario, con el nombre artístico de Dirty Ray, que edita el mismo y vende por internet y en algunas tiendas por catálogo.

http://www.users.dircon.co.uk/~dirtyray/

No he escuchado nada de él, aunque sí he leído en su página que va en una línea mucho menos Folk que los últimos discos con Immaculate Fools, acercándose mucho más a sonidos blues. Habrá que investigar.

En estos momentos, se encuentra además en gira por España, aunque la mayor parte de las actuaciones son en el norte (Galicia, Castilla y León). Un buen momento para redescubrir su música.

Immaculate Fools:

We talk of changes
We talk of many things
When there is sadness
We re-arrange the dream
Those tainted promises
They fade and die
We forget so easily
The love inside

We are enchanted
We are immaculate
We are selected

I looked out my window
Thought i heard you come
Looked inside my mirror
To see what i had done
Faith hope and charity
They passed you by
Call them now they can´t refuse
Get, side by side

We are enchanted
We are immaculate
We are selected

The pretty tune is at an end
It´s down to you and me again
All the things that i don´t need
Always seem to follow me
Every day´s a holiday
Sink or swim
Laughing as the ship goes down
We shall live again

http://www.youtube.com/watch?v=7uxLJRtPc6o

El pop/ Rock en España: Años 80.

2007-04-18T22:40:00.000+02:00

Tengo un poco abandonado el pop español, así que le voy a dedicar una entrada, que será bastante larga, para hablar del pop/rock español en su época dorada, los años 80.

No quiere decir que en España no se haya hecho muy buena música, al contrario, los años 80, aunque un poco mitificados, realmente supusieron un gran momento para los grupos españoles, tanto en popularidad, como en ventas, como en creatividad.

Voy a recoger aquí las que yo considero 100 mejores canciones de esa década en España (bueno, año arriba -90- año abajo -79-). Una lista muy subjetiva, lógicamente, pero que haré suficientemente amplia para recoger todos los estilos que me gustan, eso sí, prescindiendo de las canciones de estilos o géneros muy específicos (Heavy, Rock Urbano, Celta, Flamenco, rockabilly, etc) y que no entran dentro de lo que para mí es el concepto (ya de por sí bastante amplio) de pop/rock.

El número en la lista es un poco lo de menos, ya que cada día haría un orden diferente.

001. Loquillo & Intocables. Autopista.

En 1981 todavía no existían los Trogloditas, y Loquillo y Sabino Méndez se encontraban en los Intocables. Sabino compuso esta gran canción, que, a día de hoy, es para mí la mejor canción de la década. Lo tiene todo, fuerza, ritmo, una letra llena de tópicos roqueros que tiene que tener una canción “de ruta”.

002. Alaska y los Pegamoides. El Hospital.

Si Sabino Méndez es el mejor compositorde la década para canciones más roqueras, Carlos Berlanga lo es para canciones más pop. Esta es una de las muestras de su talento en una canción en la que, además, canta.

003. La Mode. Cita en Hawai.

Una gran canción de Fernando Márquez “El Zurdo”.

En su mítico LP “El Eterno Femenino”, y entre “celofán” y fuegos artificiales y pop sofisticado a lo Roxy Music, hay joyas pop como esta. Entre otras, como comentaremos más adelante.

004. Mamá. Escóndete.

Todo adolescente de principios de los 80 se sabía de memoria las canciones de uno de sus grupos favoritos: Mamá.

No se caracterizaban por sus buenas letras, precisamente, pero sí por hacer maravillosas canciones de pop nuevaolero, especialmente esta. Un grupo que gana mucho si se escuchan sus maquetas, pero que fue una de las víctimas de los productores de la época, que no estaban precisamente familiarizados con los nuevos sonidos.

El caso es que, curiosamente, esta es, para mi gusto, la única canción que gana en su versión disco.

005. Los Pistones. Que el sol te dé.

En la década de los 80, los Pistones se hartaron de hacer canciones buenas. Esta es la primera muestra, y a la que le tengo un cariño especial.

006. Los Nikis. Maldito Cumpleaños.

Junto con Los Pistones, mi grupo favorito de la época. Se caracterizaba por sus letras, historias en las que no se dejaba ni un cabo suelto.

007. La Granja. Qué cerca veo el final.

Preciosa canción del que es el mejor grupo de pop de guitarras de la segunda mitad de los 80. Incluida en su LP “Soñando en tres colores”.

008. Los Auténticos. La Estrella.

Otro de esos grupos que no tuvo la suerte que se merecía. En Castellón también sabían lo que era hacer magníficas canciones de pop nuevaolero. Tal vez si hubieran sido madrileños, la cosa habría pintado diferente.

009. Farmacia de Guardia. Cazadora de Cuero.

Eh!, que a Murcia también habían llegado los nuevos sonidos. Todo un himno del gran grupo murciano de la época.

010. La Frontera. La Ciudad.

La Frontera abría con este cañonazo de pop/rock el que, para mi gusto, es su mejor LP, “Si el Whiskey no te arruina, las mujeres lo harán”.

011. Los Elegantes. Adiós al verano.

Ya recién entrados en los 90, los Elegantes, otro de mis grupos favoritos, se despedían con un gran disco “A Fuego Lento”, que tuvo como primer single este precioso medio tiempo.

012. 091. La Torre de La Vela.

José Ignacio Lapido es otro de los grandes compositores del Pop español. Este fue el primer single del disco de su grupo, 091, que más éxito y popularidad obtuvo, “Debajo de las Piedras”. Un muy buen disco y una canción redonda.

013. Alaska y Los Pegamoides. Otra Dimensión.

El segundo single de los Pegamoides, en 1981, incluía esta canción. Pop pegadizo y desenfadado.

Seguramente sea esta la primera canción que compusieron juntos Carlos Berlanga y Nacho Canut, según ha confesado este último en una entrevista.

La canción gana en su versión maqueta, aparecida en el disco “Mundo Indómito”.

014. Los Pistones. Metadona.

Una de las mejores canciones de los Pistones, un himno grabado en su primera época y que fue regrabado para el gran primer LP, “Persecución”.

015. Las Ruedas. Viva Corrales.

Este maravilloso medio tiempo aparece en el segundo disco del grupo, titulado también “Viva Corrales”. Una gran canción de un grupo que merecía también mejor suerte.

016. Los Enemigos. Desde el Jergón.

En 1990 se publica “La Vida Mata”, el disco que más me gusta de los Enemigos y seguramente en el que están sus canciones más conocidas, la propia Desde el Jergón y la todavía más famosa, “Septiembre”.

017. Burning. ¿Qué Hace una chica como tú en un sitio como este?

¿Hay alguien que no conozca esta canción? Publicada en 1979, en su LP “el fin de la década”, y que les dio a conocer.

Y, ¿Qué hacían unos roqueros como Burning en un sitio como la “movida madrileña”?

Burning se encontraron con la movida por casualidad (Ellos tiraban más hacia otros tipos de música, más clásicos, Rolling Stones y tal) y supieron subirse al carro y hacer canciones de pop tan inolvidables como esta.

018. Los Negativos. Cigarras Panameñas.

Esta preciosidad de canción está incluida en el mítico disco “Picnic Caleidoscópico” de los Negativos. Acaso el mejor disco de revival garajero y pop psicodélico que se ha hecho en España. Y seguramente al nivel de cualquier disco del género en todo el mundo.

Buen gusto, letras surrealistas, bonitas melodías sixties y una gran cultura musical caracteriza las composiciones de este grupo.

019. Tequila. Que el tiempo no te cambie.

El grupo Tequila, también más roquero, saludaba la década de los 80 con el disco “Viva Tequila”, donde se incluye esta canción, más pop de lo habitual.

Ya era su tercer LP y, por entonces ya eran el grupo número 1 en España y sospechosos simplemente por el hecho de vender muchísimos discos y de ser todos unos ídolos para las adolescentes de la época.

Sin embargo, este grupo de argentinos afincados en España sabía hacer grandes canciones de rock and roll al más puro estilo Rolling Stones, o de pop/rock, como esta gran canción.

020. Los Modelos. Las Gafas Negras.

Otra joya de pop nuevaolero la de este grupo madrileño que, desde luego, mereció mucha más suerte de la que tuvo.

021. 091. Buen día para olvidar.

El segundo disco de 091 “Más de 100 Lobos” fue producido ni más ni menos que por Joe Strummer, líder de The Clash.

En él se incluían grandísimas canciones, como la sensacional “Buen día para olvidar”.

022. Brighton 64. La Casa de la Bomba.

Una canción garajera y pegadiza, la de estos mods de Barcelona, y con la que alcanzaron bastante éxito, en el maxi editado por la multinacional EMI en 1986.

El LP, “El Problema es la Edad”, sin embargo, no tuvo el éxito esperado. La banda se disolvió aunque los hermanos Gil han seguido haciendo música hasta el día de hoy, en formaciones como Brigatones, Matamala o Top Models.

023. Los Flechazos. Quiero Regresar.

Ya a finales de los 80, los leoneses y también mods, los Flechazos daban sus primeros pasos.

En el segundo LP, “En el Club”, de 1989, se incluía esta preciosa canción de pop sesentero, con una preciosa melodía y, sobre todo, los coros.

024. Los Elegantes. La Calle del ritmo.

Sin movernos del movimiento mod, nos encontramos otra vez con los Elegantes.

Este himno, con un estribillo memorable, es la canción que dio a conocer al grupo.

Se incluía en su primer LP para Zafiro “Ponte ya a Bailar”, de 1984. Había sido publicada de forma independiente para “Rara Avis”, disco actualmente inencontrable.

025. Nacha Pop. ¿Qué hiciste conmigo anoche?

Se diga lo que se diga, “Buena Disposición” es uno de los mejores discos LP de la historia del pop español.

En este segundo disco, Nacha Pop incluía joyas power poperas como esta canción.

026. Radio Futura. Enamorado de la Moda Juvenil.

Gran canción que abría el disco de Radio Futura “Música Moderna”.

El título del disco lo decía todo. Nueva Ola.

027. Décima Víctima. Tan Lejos.

El grupo de los hermanos Mertanen, guitarrista y bajista suecos que venían de Ella y los Neumáticos, y de Carlos Entrenas, que había sido cantante de Ejecutivos Agresivos, se dedicaba a hacer una música más bien para minorías dentro de lo que era la onda Siniestra, en la línea de Joy Division.

Sin embargo, tras un primer EP en esa línea, en 1982 publican un segundo EP esta gran canción, en la que se abren a sonidos más pop, más accesibles, aunque sin abandonar el toque siniestro. Para muchos la mejor canción del pop español de todos los tiempos.

028. Derribos Arias. Branquias bajo el Agua.

Un grupo completamente diferente. Liderados por el gran Poch, realmente no se parecían absolutamente a nada de lo que se hacía ni en España ni fuera.

Un grupo muy irregular, cuando estaban inspirados eran realmente geniales, como en esta canción, aunque también tienen cosas muy difíciles de escuchar a día de hoy.

029. Glutamato Ye-Ye. Corazón Loco.

Gran canción de pop típicamente ochentero, este single de 1982. La mejor de este grupo.

030. Gabinete Caligari. Golpes.

Otro de los grupos que se apuntó a la onda siniestra, sacando esta canción de letra “sadomasoquista” y que ahora sería difícil poner ni en la emisora más alternativa y políticamente incorrecta.

Lástima, porque es la mejor canción de este grupo, para mi gusto, que luego se pasó a territorios mucho más comerciales, aunque siguió haciendo buenas canciones.

031. Los Nikis. Mi Chica se ha Ido a Katmandú.

Los Nikis, en su línea. Canciones divertidas y letras “marca de la casa”.

032. Parálisis Permanente. Esto no es.

Tremenda canción. Uno de los mejores grupos españoles que ha habido, en la línea de Punk Siniestro que le caracterizó. Tienen canciones más conocidas, pero a mí la que más me gusta es esta.

033. Los Vegetales. Odio el Verano.

Lo mismo. Grupo sin pretensiones, de punk pop estilo ramoniano. Uno de mis favoritos de la época. También tienen otras más conocidas, pero a mí me gusta sobre todo esta.

034. Zombies. Groenlandia.

No creo que necesite presentación. Groenlandia, de las canciones más famosas de la época. Y la más conocida de un grupo que, por otra parte, alternaba en sus discos canciones muy buenas, como esta, y auténticos peñazos. Pero siempre hay dos o tres canciones que merecen mucho la pena en cada disco.

035. Rubi y los Casinos. Yo tenía un novio (que tocaba en un conjunto Beat).

Tampoco habrá que presentar esta canción a estas alturas. Muy bonito y pegadizo medio tiempo con el que se dio a conocer esta cantante argentina y su grupo.

036. Golpes Bajos. Malos Tiempos para la Lírica.

O te gustan o los odias, estos vigueses no tienen término medio. Cierto que era una música muy original, pero la mayoría de sus canciones son difíciles de escuchar a día de hoy, de ahí que sus “reuniones” hayan pasado siempre con más pena que gloria.

Claro que, todavía se pueden aprovechar las mejores, como esta, incluida en su primer EP.

037. Ejecutivos Agresivos. Mari Pili.

La canción más conocida de este simpático “supergrupo” en el que militaban muchos músicos que serían bastante conocidos más adelante. Poch, Paco Trinidad, Jaime Urrutia o Carlos Entrenas, por ejemplo.

038. Siniestro Total. ¿Quiénes Somos?, ¿De Dónde Venimos?, ¿ A dónde Vamos?

Gran letra la de esta canción que se incluye en el tercer LP del famoso grupo vigués, “Menos mal Que nos Queda Portugal”.

039. Ilegales. Revuelta Juvenil en Mongolia.

Primer single del grupo asturiano, en su línea rabiosa y macarra, rock con toques punk.

040. Los Cafres. Soy Una Alimaña.

Pero tengo corazón. La canción más conocida de este grupo vigo-pontevedrés de Power Pop –más o menos-, incluida en su único disco, un miniLP llamado “Tractor Cerebral”.

041. La Frontera. Mi dulce Tentación.

Esta gran canción, muy roquera, se incluye también en el segundo LP de los madrileños, “Si el Whiskey no te arruina…”

042. Loquillo y Los Trogloditas. Pégate a mí.

Otra muestra de lo que es capaz de componer Sabino Méndez, incluida en el mítico “Ritmo del Garage” de Loquillo y Los Trogloditas.

043. Los Pistones. Los Ramones.

En sus principios, los Pistones ya componían y grababan himnos como este, una sencilla canción de pop.

044. El Aviador Dro y sus Obreros Especializados. Programa en Espiral.

En el mítico EP de Aviador Dro había canciones pop tan bonitas como esta. Este disco es actualmente casi imposible de conseguir en vinilo a precios razonables.

045. La Mode. Aquella Chica.

Otra muestra de pop elegante la que se marcan, también en el LP “El Eterno Femenino”.

046. Los Pistones. Las Siete Menos Cuarto.

Otro de los primeros singles de Los Pistones, el magnífico grupo madrileño liderado por Ricardo Chirinos, que después de hincharse a hacer canciones buenas, va a pasar a la historia por una de sus canciones más flojas, el Pistolero.

047. Nacha Pop. Alta Tensión.

Un precioso medio tiempo incluido, como no, en el LP “Buena Disposición”. Obra maestra de Antonio Vega y compañía.

048. Los Secretos. No supe que Decir.

No es de las canciones más conocidas del grupo de los hermanos Urquijo, de hecho fue la cara B del single “Ojos de Perdida”, aunque se incluía en el mítico primer LP de los madrileños. A mí es la canción que más me gusta de este grupo.

049. Más Birras. Apuesta por el Rock and Roll.

Mala suerte la que tuvieron estos zaragozanos, un gran grupo que no tuvo ni la décima parte del éxito y reconocimiento que se merecía, y que serán recordados por esta gran canción, a raíz de ser versionada por Héroes del Silencio.

050. Paraíso. Para Ti.

Fernando Márquez creía que se iba a comer el mundo con este grupo, y al final la cosa se quedo en casi nada, como él mismo cuenta en su libro “Música Moderna”.

Bueno, nos dejan canciones como esta, una de las más conocidas, y de las más bonitas, de todo el pop español de los 80.

051. Los Negativos. Bagdad.

Una muestra de que hay Negativos más allá del Picnic Caleidoscópico, es esta gran canción, incluida en su LP “18 Sábado Amarillo”.

052. Los Flechazos. La Chica de Mel.

Para un grupo mod, lógicamente, la iconografía pop de finales de los 60 tiene que ser a la fuerza una fuente de inspiración.

De ahí esta canción sobre el artista pop californiano Mel Ramos, conocido fundamentalmente por sus cuadros de desnudos femeninos, Pin-Ups con la marca del bañador o del bikini, y rodeados de productos de gran consumo.

Los Flechazos la incluyen en su segundo LP, “En el Club”.

053. Loquillo & Trogloditas. No Surf.

Otra joya, una canción muy sencilla y pegadiza, incluida también en “El Ritmo del Garage”.

054. Burning. Una Noche sin Ti.

Un himno esta balada de Burning, ya del LP “Noches de Rock & Roll” de 1984.

055. Trastos. Te Voy a Buscar.

A principios de los 80 resultaba sospechoso decir que te gustaban los Trastos, grupo acusado de montaje por el férreo control que, sobre ellos y sobre su imagen, ejercía su compañía de discos.

Al final, y con la producción archicomercial del disco, se convirtió una de las mayores promesas del pop español de principios de los 80 en un fracaso, y en un grupo del que renegaba todo amante de la Movida.

Sin embargo, la producción – llena de violines, miel y azúcar- no logra tapar del todo algunas de las mejores canciones pop de la época.

056. Radio Futura. La Estatua del Jardín Botánico.

Los hermanos Auserón y compañía, un grupo muy creativo, uno de los mejores grupos españoles de pop. Tanto la música, los cambios de ritmo, como la letra, hacen de esta canción algo casi hipnótico.

057. Los Pistones. Lo que quieras Oir.

Una de las baladas más bonitas de todo el pop español. Se incluía en el fabuloso LP “Persecución”. Seguramente, para mi gusto, el mejor LP de pop publicado en España.

058. Elegantes. Guitarras son cuchillas.

Esta gran canción que habla de un grupo desencantado con las compañías de discos, abría el disco en directo de los Elegantes, “En el Corazón de la resaca”.

Yo he preferido rescatarla del disco de 1987, “Los gatos de mi Barrio”, producido por el gran Elliott Murphy. Un disco que marca la “americanización” del grupo y su ruptura con el movimiento mod, hartos de críticas y de insultos.

059. Loquillo & Trogloditas. El Ritmo del Garage.

Para esta canción, la que da título al LP, de sobra conocida, Los Trogloditas y Loquillo contaron con la colaboración estelar de Alaska, cantando a dúo con el Loco.

060. 091. ¿Qué Fue del Siglo XX?

Una de las “12 canciones sin piedad” con las que se despachaba en 1989 el fenomenal grupo granadino. Excelente letra para redondear una gran canción. La primera de la cara B del mencionado disco.

061. Alaska y Dinarama. Mujeres Rusas.

En la cara B del primer single del grupo, “Perlas Ensangrentadas”, de 1983, se encontraba esta joya. Demuestra que vale la pena a veces investigar. Dinarama, pero al más puro estilo Pegamoide.

062. Los Romeos. Mi Vida Rosa.

En el primer disco de Los Romeos está esta canción, que se hizo bastante conocida, ya a finales de los 80.

La representación española de los grupos guitarreros con chica, el sonido que se llevaba por entonces en Europa, con ejemplos como Primitives, Transvision Vamp o Darling Buds.

063. Morcillo el Bellaco y Los Rítmicos. No trates de volver o te morderé.

Como Los Romeos, también desde Castellón y con algunos protagonistas que repiten, Morcillo, el bajista de los Auténticos, es una debilidad personal. Pop divertido, guitarrero y con sabor a años 60.

064. Los Zoquillos. Nancy.

Grupo de vida efímera, con un solo single en la calle, y casi más conocidos en su época por el romance que su cantante (un tipo con cierto aire a Joey Ramone, que se llamaba Pablo Sela) mantuvo con Alaska.

Se dice de ellos que ensayaban sólo en sus actuaciones.

En ese single se contenía esta canción, rock and roll macarra y ramoniano.

065. Paraíso. Estrella de la Radio.

Grabada a finales de 1979 en la primera maqueta de Paraíso.

Fue adjudicada a varios de los más famosos DJs radiofónicos de la época (Gonzalo Garrido, Paco Pérez Brian), tiene una dosis importante de mala leche en su letra, y es una buena canción de pop nuevaolero.

066. Los Pistones. Flores Condenadas.

Otra de las joyas del magnífico “Persecución”. Hay quien la considera la mejor canción de los Pistones. Yo no llego a tanto, pero sí a incluirla entre mis 100 favoritas del pop español de la década.

067. Flash Strato. Madrid En Tecnicolor.

Un himno a lo que estaba pasado en el Madrid musical a principios de los 80, grabado por el grupo que, en su momento, llegó a ser la mayor promesa del pop español de la época, pero que, tras una serie de malas experiencias (relaciones frustradas con discográficas, servicios militares, etc) se quedó en un miniLP.

Una pena, porque con joyas como esta canción y alguna otra, la verdad es que podía haber llegado mucho más lejos.

068. Los Stukas. Hazañas Bélicas.

Tenían mucho mérito. No es fácil ser uno de los pioneros del pop nuevaolero en España, cuando se vive en la, por entonces, lejana Asturias.

Esta mítica balada da título al no menos mítico primer LP de este grupo, de 1981.

069. Banda del Tren. Esclavo de la Noche.

Los mismo, desde Asturias, había grupos capaces de componer y grabar canciones como esta.

Lástima que su único LP, publicado tras este single, “Terminal Norte”, apenas tuviera trascendencia, lo que hizo que el grupo se separase poco después.

070. Los Ronaldos. Me gustan las Cerezas.

Grupo que tiene un primer LP muy bueno, y que luego, poco a poco, se fue diluyendo, aunque llegó a tener muchísimo éxito. De este primer disco, la canción que más me gusta siempre fue esta.

071. Siniestro Total. Bailaré Sobre tu Tumba.

Puede que la canción más conocida de los vigueses. Daba título a su cuarto disco, de 1985, y es una canción que no puede faltar en una fiesta.

072. Aerolíneas Federales. No me Beses en Los Labios.

La aventura paralela del “Siniestro” Miguel Costas, se iniciaba en 1986 con un disco en el que estaba incluida esta canción. Pop divertido y sin pretensiones.

073. Alaska y Los Pegamoides. No sé Porqué.

Será por los teclados, será por la melodía, no sé porqué, pero sé que esta canción me encanta.

074. Loquillo y Los Intocables. Rock and Roll Star.

La canción más conocida de la primera época de Loquillo. Compuesta por Sabino Méndez, se publicó en el disco “Los Tiempos están Cambiando”, y es uno de los grandes clásicos del pop español.

075. 091. Fuego en mi oficina.

La gran cara A del primer single de este fenomenal grupo granadino. Otro clásico.

076. Desperados. Escupiré sobre vuestra Tumba.

Excelente medio tiempo de pop/rock guitarrero estilo “americano”, donde no falta la imprescindible armónica.

Aparece en su segundo disco “¿Qué hay de nuevo, viejo?” de 1986, muy buen disco que me ha costado mucho trabajo conseguir. Apenas hay reediciones de un grupo que nunca llegó a ser tratado como se merecía.

077. Kiki D’Akí. Accidente.

Tras este – un tanto ridículo- nombre, se escondía Jose, cantante de Las Chinas.

Esta seguramente sea su canción más conocida, una canción compuesta por Fernando Marquez, “El Zurdo”. En su línea de pop “delicado” y elegante.

078. Los Plomos. El Hombre Cosa Ama La Lluvia.

Sensacional canción de Pop, así con mayúsculas, aparecida en el único disco de este grupo, formado por los hermanos Villanueva tras la separación de Los Auténticos, un maxi de tres canciones editado por Discos Medicinales en 1986.

079. Menta. Ya lo ves.

Grupo berciano, que sólo editó un single de cuatro canciones en 1980, en la línea- incluso en apariencia- del pop más clásico tipo Beatles.

Pese a editar un solo single, este fue bastante escuchado en su época.

Esta canción, de R&B muy clásico y muy correcto, es una de mis debilidades personales desde que era un niño.

080. Los Rebeldes. Esto es Rock & Roll.

En este miniLP, su segundo disco, de 1984, y sin abandonar su base típicamente rockabilly, los Rebeldes empiezan a dar muestras de su facilidad para introducir elementos más pop, que al final les llevaría a saber hacer canciones que llegaron a un público masivo. Y a conocer mucho éxito a lo largo de su carrera, de forma especial en la segunda mitad de los 80, y principios de los 90.

081. Los Enemigos. John Wayne.

En el disco “Un Tío Cabal”, de 1988, incluyen los Enemigos este genial Rock and Roll.

082. Los Nikis. Salvaje Pasión.

Una nueva historia que nos cuentan los Nikis en esta canción, por supuesto sin un solo cabo suelto, como es habitual.

La canción aparece en el “Marines a Pleno Sol”.

083. Polanski y El Ardor. Ataque Preventivo de la URSS.

No se puede decir que este grupo no imitase a los Nikis, aunque con menos gracia.

Sin embargo, esta canción está bien, y ya es todo un clásico del pop de la época.

084. Telegrama. La Chica del Metro.

Estos mods de barcelona, en su época, solo llegaron a grabar un single, Chica del Metro, de 1980, que se convirtió en un auténtico himno para los mods de la época.

085. Los Cardiacos. La Costa Oeste.

La crítica puso por las nubes este disco de este grupo leonés, editado por Dro en 1985.

No sé si era para tanto, lo cierto es que tenía canciones como esta, la que le daba título, con influencias, como es obvio, del pop americano Costa Oeste, como las que tenía CRAG, pues lógicamente la canción tiene lo que tienen las canciones de dicho grupo, buen gusto, armonías vocales y melodías.

086. Bólidos. Ráfagas.

Uno de los primeros grupos de la nueva ola madrileña, que en un inicio se llamó Los Rebeldes, y al que se parecen mucho grupos como Fresones Rebeldes.

Esta simpática canción fue versionada más adelante por Los Secretos, lo que la dio a conocer al gran público. Hay quien dice que Secretos la mejoran, convirtiéndola en una canción lenta, yo opino lo contrario. En cualquier caso, aquí está el original.

087. Alaska + Los Nikis. Tokio.

Otra joya de las que se encuentran en las caras B de los singles. Esta colaboración de los Nikis con Alaska, en concreto, es la Cara B del single de “La Funcionaria Asesina”, de 1986.

088. Loquillo & Trogloditas. Cadillac Solitario.

¿Quién no conoce esta canción?

Una de las mejores canciones de Loquillo, que se escuchó hasta la saciedad como single del disco en directo “A Por Ellos, Que son Pocos y Cobardes”, el disco que cerraba la época más brillante de Loquillo & Trogloditas, la de las composiciones de Sabino Méndez.

Yo me refiero, sin embargo, a la original de estudio, recogida en “El Ritmo del Garage”.

089. Duncan Dhu. Revolución.

El primer disco LP de Duncan Dhu, "Canciones", se llegó a escuchar hasta en Radio Taxi. Las canciones, en principio buenas, se escucharon tanto como para terminar harto de ellas.

Sin embargo, el disco no estaba mal, y contaba con buenas canciones, como esta “Revolución”.

090. Los Limones. Hace Mucho Tiempo.

Pues sí, a mí también me gustan mucho Los Limones, ¿Qué pasa?. Letras muy dignas, una buena voz y una buena cultura musical, ya es más de lo que muchos grupos pueden decir.

Y en particular me gusta esta canción, que aparece en el segundo LP “Donde Acaba el Mar”, producido por Paul Collins, ya en 1990.

091. Golpes Bajos. No Mires a los Ojos de la Gente.

La canción más famosa de los vigueses. De su primer miniLP, de 1983.

092. PVP. El Coche de la Plas.

La mejor canción de este grupo madrileño, canción de pop con toques Punk y Ska. Un grupo que tampoco tuvo la suerte que se merecía.

093. Los Vegetales. Mi novia es una Zombie.

Posiblemente la canción más conocida de este grupo de Punk Pop ramoniano, aunque en realidad es conocida más por la versión que de ella realizaron Alaska y Dinarama en el Fan Fatal.

094. Comité Cisne. Ana Frank.

Antes de formar Revolver, Carlos Goñi iba con el pelo cardado y haciendo música pop entre tecno y nuevo romántico, junto a varios excomponentes del grupo valenciano “Glamour”.

En fin, hacían un poco la música ochentera que tenía mucho éxito en Valencia y Alicante. Una cosa tipo UV Pop, Bolshoi y compañía.

A pesar de sus pintas, el grupo fue capaz de grabar alguna canción destacable, como esta Ana Frank, aparecida en su miniLP “El final del Mar”, de 1986, y que es la canción del grupo que mejor ha envejecido.

095. Sergio Makaroff. Explorador Celeste.

Simpática canción de pop divertido, sin pretensiones publicada en 1979 por este argentino, afincado en Barcelona y compositor de algunas de las canciones de Tequila.

Un artista sin suerte hasta mediados de los 90, cuando obtuvo un cierto éxito con su disco “Un Hombre Feo”.

096. Mermelada. Sopla el viento.

Magnífica canción de R&B la que se marca el gran guitarrista Javier Teixidor y su grupo. Aparece en su disco “En el Calor”, de 1988.

097. La Dama Se Esconde. Amenazas.

En la misma línea que Comité Cisne, de pop ochentero, aunque algo más pop siniestro a lo Cure, iban los donostiarras Nacho Goberna e Ignacio Valencia, o lo que es lo mismo, La Dama se Esconde.

Esta canción, incluida en el disco “Armarios y Camas”, se llegaría a escuchar bastante.

098. Radio Futura. Semilla Negra.

En este disco La Ley del desierto/ La Ley del Mar, en 1984, Radio Futura empieza a introducir los elementos de pop latino a su música. Por entonces tenía el merito de la originalidad, casi nadie lo hacía, y daba como resultado algunas buenas canciones como esta “Semilla Negra”. Al tiempo, se iban haciendo cada vez más populares.

099. Un Pingüino en Mi Ascensor. Juegas con mi Corazón.

Y realmente original y simpático fue este primer disco del Pingüino, canciones sin ningún tipo de pretensiones, sencillas a más no poder y con unas letras muy ingeniosas.

100. Elegantes. Este es mi Tiempo.

Los Elegantes grababan esta gran canción en 1982, en un single editado por Record Runner.

Con ella terminamos este listado de 100 canciones en el que, ya digo, el orden es lo de menos, cada día haría uno distinto, y cada día, también pondría o quitaría alguna que otra canción.

Pero en fin, mis gustos de Pop español de los 80 van por aquí.

Esta ha sido la entrada que más trabajo me ha costado escribir. Espero comentarios y sugerencias, a ver si charlamos un rato sobre este pop español de la Edad Dorada.

Pioneros del Rock: Good Rockin’ Tonight. (3)

2007-04-10T19:17:00.000+02:00

Good Rockin’ Tonight, no podía ser otro, es el título que he utilizado para un recopilatorio de las que creo mejores (y/o más significativas) canciones de Rock and Roll y Rockabilly clásico. Tres volúmenes y hasta 102 canciones. Mi homenaje a la música rock and roll y rockabilly original, que de esta forma (Bueno, y de todas, ...) viene sonando en mi coche desde hace mucho tiempo.

De estos grandes hay que tener los discos: Espero que te gusten, empieces a investigar y a hacerte con los discos, o con un buen recopilatorio de la Sun Records, si vas a tirar por un estilo más sureño y más rockabilly.

No te arrepentirás.

Estas son, para mí, las mejores canciones de la época (alguna hay algo posterior, aunque no mucho, pero que también son clásicos del género). No necesariamente en este orden, claro.

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1. Elvis Presley. Good Rockin’ Tonight.

2. Big Joe Turner. Shake, Rattle & Roll.

3. Bill Haley & The Comets. (We´re Gonna) Rock Around The Clock.

4. Danny & The Juniors. Rock & Roll is Here To Stay.

5. Jackie Wilson. Reet Petite.

6. Little Richard. Tutti Frutti.

7. The Big Bopper. Chantilly Lace.

8. Jerry Lee Lewis. High School Confidential.

9. Chuck Berry. Roll Over Beethoven.

10. Fats Domino. Hello Josephine.

11. Esquerita. Rockin’ The Joint.

12. Bill Haley & The Comets. See You Later Alligator.

13. Elvis Presley. All Shook Up.

14. Eddie Cochran. Twenty Flight Rock.

15. Gene Vincent & The Blue Caps. Double Talkin’ Baby.

16. Carl Perkins. Your True Love.

17. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. Rockabilly Boogie.

18. Buddy Holly. Rave On.

19. Ritchie Valens. Come On, Let’s Go.

20. Bobby Fuller Four. I Fought The Law.

21. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. Rock Therapy.

22. Billy Lee Riley. Flying Saucers Rock & Roll.

23. Eddie Cochran. Something Else.

24. Joe Bennett & The Sparkletones. Black Slacks.

25. Buddy Holly. Ready Teddy.

26. Elvis Presley. That’s Alright.

27. Chuck Berry. Maybelline.

28. Gene Vincent & The Blue Caps. Race With The Devil.

29. Carl Perkins. Matchbox.

30. Johnny Kidd & The Pirates. Castin’ My Spell.

31. Dwight Pullen. Sunglasses After Dark.

32. Webb Pierce. Teenage Boogie.

33. Roy Orbison & The Teen Kings. Go!, Go!, Go!.

34. Wanda Jackson. Honey Don´t

35. John Ashley. Born To Rock.

36. Frankie Ford. Sea Cruise.

37. Eddie Cochran. C’mon Everybody.

38. Carl Perkins. Blue Suede Shoes.

39. Elvis Presley. Hound Dog.

40. Jerry Lee Lewis. Whole Lotta Shakin’ Goin’ On.

41. Freddy Cannon. Tallahasee Lassie.

42. Chuck Berry. You Never Can Tell.

43. Fats Domino. My Blue Heaven.

44. Little Richard. Good Golly Miss Molly.

45. Larry Williams. Bonnie Moronie.

46. Dion. The Wanderer.

47. Roy Orbison. Let The Good Times Roll.

48. Wanda Jackson. Let’s Have a Party.

49. Billy Riley. Red Hot.

50. Eddie Cochran. Nervous Breakdown.

51. Carl Perkins. Everybody’s Trying To Be My Baby.

52. Elvis Presley. Trying To Get To You.

53. Buddy Holly. (You’re So Sqare) Baby I Don’t Care.

54. Chuck Berry. No Particular Place To Go.

55. Johnny & The Hurricanes. Red River Rock.

56. Warren Smith. Uranium Rock.

57. Clint Miller. Bertha Lou.

58. Eddie Cochran. Skinny Jim.

59. Gene Vincent & The Blue Caps. Be-Bop-A. Lula.

60. Elvis Presley. Heartbreak Hotel.

61. Everly Brothers. Wake Up Little Susie.

62. Ricky Nelson. Hello Mary Lou.

63. Dorsey Burnette. Let’s Fall In Love.

64. Duanne Eddy. Rebel Rouser.

65. Johnny Cash & The Tennessee Two. Get Rhythm.

66. Chuck Berry. Beautiful Delilah.

67. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. The Train Kept a Rolling.

68. Gene Vincent & The Blue Caps. Blue Jean Bop.

69. Vince Taylor & The Playboys. Brand New Cadillac.

70. Eddie Cochran. Jeanie, Jeanie, Jeanie.

71. Elvis Presley. Jailhouse Rock.

72. Buddy Holly. Oh Boy.

73. Chuck Berry. Rock And Roll Music.

74. Warren Smith. Ubangui Stomp.

75. Frankie Lee Sims. Hey Little Girl.

76. Elvis Presley. Blue Moon of Kentucky.

77. Everly Brothers. Bye Bye Love.

78. Gene Vincent & The Blue Caps. Ain’t She Sweet.

79. Jack Earls. Slow Down.

80. Fats Domino. I’m Walking.

81. Jerry Lee Lewis. Great Balls Of Fire.

82. Little Richard. The Girl Can’t Help It.

83. Chuck Berry, Johnny B. Goode.

84. Johnny Burnette & The Rock & Roll Trio. Tear It Up.

85. Roy Orbison. Domino.

86. Eddie Cochran. Sumertime Blues.

87. Jack Scott . The Way I Walk.

88. Mel Robbins. Save It.

89. Johnny Kidd & The Pirates. Please Don’t Touch.

90. Wanda Jackson. Hard Headed Woman.

91. Little Richard. Long Tall Sally.

92. Jerry Lee Lewis. Breathless.

93. Elvis Presley. Don’t Be Cruel.

94. Johnny Burnette. You’re Sixteen, You’re Beautiful & You’re Mine.

95. Sonny Burgess. Red Headed Woman.

96. Larry Williams. Dizzy Miss Lizzy.

97. Johnny Carroll. Rock Baby, Rock It!.

98. Jimmy Lloyd. Rocket In My Pocket.

99. Little Richard. Lucille.

100. Lew Williams. Bop Bop Da Doo Bop.

101. Sonee West. Sweet Rocking Baby.

102. Jack Scott. Leroy.

Pioneros del Rock: Good Rockin’ Tonight. (2)

2007-04-10T17:25:00.000+02:00

En 1947 Wynonie Harris versiona el "Good Rocking Tonight", de Roy Brown, y entra en listas en 1948, desencadenando toda una revolución musical. Cambia el ritmo blues a un compás 4/4 de gospel, fusionando estos dos estilos.

Esto no era nuevo, Big Joe Turner, entre otros, lo había estado haciendo durante años, pero fue el disco de Harris el que comenzó la moda del "rocking" en el blues y el R&B de finales de los 40.

Ya tenemos la música, lo que necesitaba era un nombre. R&B era un término demasiado amplio, que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Cualquier otro estilo era considerado R&B, a pesar del estilo musical real.

Como vimos, Alan Freed comienza a llamarlo Rock and Roll, y el término se populariza a partir de 1951.

En 1954 empieza a grabar Elvis Presley, aunque no pasa de ser un ídolo local hasta su contrato con la RCA y sus impactantes apariciones televisivas. Por este mismo año aparece también Bill Halley y sus Comets.

Dentro del ritmo Rocking, en cada lugar se interpretaba a su manera, la gente les iba añadiendo sus influencias locales. En las ciudades del norte, las comunidades italiana y puertorriqueña tocaban "rock and roll" a su manera.

En la costa oeste, los chicanos lo tocaban en castellano. En el sur, los cantantes de country añadían "rock and roll" a su "hillbilly boogie" y nacía el "rockabilly".

Muchas personas sitúan el origen del R&R en Bill Halley y su Rock Around The Clock.

Bill Haley, nacido en Detroit, procedía del mundo del Country, y lo que es indiscutible es que fue la primera gran estrella de este movimiento musical, grabando esta canción en 1954, antes de la aparición de Elvis Presley.

El debut televisivo de Elvis el 28 de Enero de 1956 en la CBS, en el programa de los hermanos Dorsey, constituyó toda una conmoción nacional.

Su popularidad se disparó, catapultando su histórico primer LP al número 1 de las listas, siendo el primer LP de Rock and Roll que alcanzaba tal puesto, y se desencadenó toda una campaña en contra de su manera de moverse, y se dio la consigna de sacarlo exclusivamente de cintura para arriba.

Elvis, un “animal” mediático y televisivo de primer orden, demostró su carisma y su potencial, tanto como el de su música, y el Rock and Roll ya estaba en la cima de su popularidad como estilo.

http://www.youtube.com/watch?v=0IfAJco1h9k

Así, evolucionando constantemente, con épocas mejores y peores, el Rock and Roll ha llegado hasta nuestros días.

Seguramente nunca volverá a ser lo mismo, pero el Rock and Roll es y seguirá siendo mi estilo musical favorito. Muchos de los intérpretes tienen ya una entrada en este blog, y otros muchos, si Dios Quiere, la tendrán.

Para más información, esta serie de artículos está muy bien.

http://cuantoyporquetanto.com/htm/planetasonoro/rockandroll/quepasaconelrockandroll.htm

Pioneros del Rock: Good Rockin’ Tonight(1). Alan Freed.

2007-04-10T16:59:00.000+02:00

En un principio, el Rock and Roll resulta absolutamente revolucionario.

Así, el New York Times titula en 1956 “El Rock & Roll es una enfermedad contagiosa”.

Por su parte, el racista Consejo de Ciudadanos Blancos de Alabama declara ese mismo año que “El Rock es un medio para rebajar al hombre blanco al nivel del negro”.

En sus inicios, el Rock and Roll es una forma de encauzar la rebeldía juvenil y, a la vez, una mezcla de estilos multirracial (Country, Swing, Gospel, Blues, Jazz...) que resultó explosiva en una sociedad tan cerrada y segregada como la Americana de los 40/50.

El término "rock and roll" era en su origen un término náutico, que ha sido usado tradicionalmente por los marineros durante siglos. Se refiere al "rock" (movimiento hacia atrás y delante) y "roll" (movimiento hacia los laterales) de un barco.

El término adquirió, en sus inicios musicales, un significado religioso, utilizado en canciones espirituales negras, en grabaciones de Gospel.

En 1947 llega a la música el “doble significado”, con connotaciones sexuales, a partir de la canción "Good Rocking Tonight" del cantante de blues Roy Brown. Versionada de forma magistral por Elvis Presley en 1954, durante sus inicios en la Sun Records, sello de Tennessee, dirigido por Sam Phillips, y que resulta fundamental en la difusión y creación de la música Rock and Roll y, sobre todo, el Rockabilly.

Sam Phillips descubre nada menos que a Elvis Presley, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash y Carl Perkins, entre otros.

En la mencionada canción aparecía la palabra "rocking", aparentemente referida al baile, pero de hecho se trataba de una alusión velada al sexo.

En Cleveland, El DJ, Alan Freed, “Mr. Moondog”, vio el potencial de esta música para una audiencia blanca, a través de un amigo que tenía una tienda de discos, y que le cuenta del aumento espectacular de ventas de discos de Rhythm and Blues de artistas de raza negra.

Alan Freed, convencido de ese potencial, comienza a programar esta música, El 11 de Julio de 1951, haciéndose llamar Moondog, sale a antena el primer programa de Rhythn and Blues para una audiencia blanca en la emisora WJW, rompiendo las barreras raciales y popularizando el término “Rock and Roll” para la música que él programaba.

Lo hizo para evitar las críticas, Alan empezó a llamar Rock´n´Roll a los discos de Rhythm and Blues negros, e intentar camuflar un poco la música “negra” y hacerla parecer un poco más “blanca”.

Por lo tanto, es a Mr. Moondog al que se le atribuye la invención del término Rock and Roll para este tipo de música. Término tomado de la jerga “negra” de la época donde, como sabemos, tenía ya un significado sexual. Ya aludía al baile, al sexo y a la música, donde este término quedaría para siempre para dar nombre a mi música favorita.

También fue el primero en programar y producir conciertos de este estilo musical. En 1952. El “Freed's March 1952 Moondog Coronation Ball en Cleveland”. El concierto registró una audiencia de 10.000 personas, dos tercios de ellas de raza blanca.

En 1954 comienza su etapa en la emisora WINS en New York. Esto supone la emisión de su programa a nivel nacional, conciertos y hasta aparición en películas donde aparecían los grandes del R&R del momento interpretándose a si mismos, incluido el propio Alan Freed.

Posteriormente, ya a finales de los 50, se le acusa de recibir dinero a cambio de radiar una canción y colocarla alto en las listas (Maybelline, de Chuck Berry). Una práctica, por otro lado, bastante habitual y que sigue practicándose hoy día sin que nadie se lleve las manos a la cabeza, pero, una persona tan rompedora como Alan Freed, lógicamente, se había ganado enemigos muy influyentes. Fue la primera de una serie de acusaciones (evasión de impuestos, etc). Es expulsado de la emisora, cae en desgracia y muere muy joven, en enero de 1965, a los 43 años, y con el hígado destrozado.

Para más información, ver:

http://www.history-of-rock.com/freed.htm

http://www.nodo50.org/arevolucionaria/masarticulos/abril2003/alanfreed.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Alan_Freed

http://www.youtube.com/watch?v=X6Po_zTbgms

NAT KING COLE. "WHEN I FALL IN LOVE"

2007-04-03T10:22:00.000+02:00

Esta maravillosa canción, para mi gusto una de las canciones de amor más bonitas que se han escrito, también ha conocido muchísimas versiones.

Compuesta por Edward Heyman (un compositor muy famoso, que forma parte del “Songwriters Hall of Fame”, con canciones como Love Letters o A Wonder of You, entre otras) y Victor Young, un compositor fundamentalmente de Bandas Sonoras.

La Canción se compuso para la película “One Minute To Zero” de 1952 (En español “Corea Hora Zero”) con Robert Mitchum.

Pero quien la hizo famosa fue Doris Day, que la grabó en ese mismo año (1952).

Por supuesto, para mí, la versión definitiva es la del maravilloso cantante Nathaniel Adams Coles, más conocido como Nat King Cole. La grabó en 1956, aunque no la publicó como single, sino dentro del LP “Love is the Thing”.

Como curiosidad, a pesar de su impresionante y preciosa voz, Nat King Cole no empezó su carrera musical como cantante, sino que era un notable pianista de Jazz.

Formó varios grupos, fundamentalmente el “Nat King Cole Trio”. Un trío compuesto por piano, guitarra y contrabajo, una fórmula que, entonces, era muy original, que es su gran aportación al mundo del Jazz, y con el que se hizo muy famoso en la década de los 40.

El Nat King Cole trío acompañaba a su propia cantante (Bonnie Lake) ya que a Nat no le convencía demasiado su voz, y nunca se consideró un gran cantante.

No obstante, cantaba algunas de las canciones, y de hecho, alcanzó el número 1 en 1950 con la canción “Mona Lisa” y, a partir de ahí, dio un giro a su carrera, dedicándose a cantar. (Especialmente baladas). La crítica le acusó de “venderse” a la música comercial, aunque él nunca deja de ser un músico de raíces Jazz.

En todo caso, su aportación en cuanto a originalidad y estilo, ahí queda y se le reconoce por los aficionados al Jazz.

When I fall in love,

It will be forever

Or I'll never fall in love.

In a restless world like this is,

Love is ended before it's begun

And too many moonlight kisses

Seem to cool in the warmth of the sun.

When I give my heart,

It will be completely

Or I'll never give my heart.

And the moment I can feel that

You feel that way, too,

Is when I fall in love with you.

And the moment

I can feel that

You feel that way, too,

Is when I fall in love with you.

http://www.youtube.com/watch?v=F-DVRMM064k&mode=related&search=

BLUE MOON

2007-03-19T16:30:00.000+01:00

Se me ocurre hablar hoy, en vez de discos o intérpretes, de una canción, una muy especial porque es una de las canciones que más me gustan de todas las que se han compuesto, si no la que más.

Compuesta en 1934 por Richard Rodgers y Lorenz Hart, compositores de MGM, inicialmente para la película de Jean Harlow “Hollywood Party”.

Con la letra que conocemos, fue grabada por Connee Boswell en 1935 para columbia Records, y se mantuvo como balada para “Crooners” y , sobre todo, en el mundo del Jazz, donde fue versionada prácticamente por todos los grandes.

Ya en 1954 la graba y publica Elvis Presley, siendo la primera versión en el mundo del rock, aunque en forma de balada.

En 1961 se publica la maravillosa versión de los Marcels, grupo de Doo-Wop que la lleva a su estilo y le da un giro, abandonando el tiempo de balada.

Esta última es mi favorita de todas las que he escuchado, versión que vendió más de un millón de copias y convirtió la canción en una de las más populares y versionadas de todos los tiempos. Entrando a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame.

Blue Moon

You saw me standing alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own

Blue Moon

You know just what I was there for

You heard me saying a prayer for

Someone I really could care for

And then there suddenly appeared before me

The only one my arms will hold

I heard somebody whisper please adore me

And when I looked to the Moon it turned to gold

Blue Moon

Now I'm no longer alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own

And then there suddenly appeared before me

The only one my arms will ever hold

I heard somebody whisper please adore me

And when I looked the Moon had turned to gold

Blue moon

Now I'm no longer alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own

Blue moon

Now I'm no longer alone

Without a dream in my heart

Without a love of my own

Si alguien quiere más y mejor información, es muy recomendable este artículo de Wikipedia:
http://en.wikipedia.org/wiki/Blue_Moon_(song)

De la infinidad de versiones de esta maravillosa canción, he escogido unas cuantas, las que me parecen mejores o las más significativas o curiosas, intentando que estén representados todos o la mayoría de estilos, desde el Jazz y el Swing a la balada Crooner, el Doo-Wop, la balada rockera o sesentera, el country, el surf y hasta el fado o la Bossa Nova, hasta la curiosa versión Punk Pop de MXPX. Espero que lo disfrutéis.

http://rapidshare.com/files/21776255/Blue_Moon.rar.html

Connie Boswell.
Django Reinhardt.
Benny Goodman. (Vocals by Helen Ward).
Glenn Miller.
Ella Fitgerald.
Billie Holliday.
Frank Sinatra.
Dean Martin.
Tonny Bennett.
Elvis Presley.
The Marcels.
Bobby Vinton.
Nat King Cole.
Sam Cooke.
Santo & Johnny.
Pat Boone.
The Ventures.
Bob Dylan.
Amalia Rodrigues.
Rita Lee e Sergio Dias.
Showaddywaddy.
Tennessee.
Sha Na Na.
Cybil Shepherd.
Chris Isaak.
Swing Cats. (Vocals by Claudia Cummings).
The Mavericks.
Rod Stewart.
MXPX.

THE MOODY BLUES. ”Long Distance Voyager” (1981, Polydor)

2007-03-07T17:48:00.000+01:00

Grupo de Birmingham (Inglaterra) fundado en 1964 y que, en la década de los 60, era un buen grupo de R&B en la línea de lo que se hacía entonces en las islas británicas (con tan buenos resultados como Yardbirds, Them, Manfred Mann, Animals, o los mismísimos Rolling Stones, entre otros). De esta época, además, es muy recomendable hacerse con un grandes éxitos.

Con la entrada de Justin Hayward, los Moody Blues pasan a hacer una música “más compleja”, psicodelia y sonidos orquestales, entrando en un sonido que les convertiría en uno de los grupos de pop sinfónico más importantes de todos los tiempos, y que les proporcionó su mayor éxito, la canción “Nights in white satin”, que se incluía en el gran disco conceptual y orquestal “Days of future passed”.

Tras varios cambios de formación a lo largo del tiempo, y su separación en 1972, se volvieron a unir a finales de los años 70, volviendo a ocupar los primeros puestos de las listas con discos como este “Long Distance Voyager”.

A pesar de que está considerado por los fans del grupo como “una obra menor”, y seguramente lo sea en cuanto a complejidad musical, a mí es el disco que más me gusta de esta banda desde su primera época, incluso más que su tradicional sonido sinfónico. Para mi gusto, siempre han sido más importantes las canciones y las melodías que el sonido en sí o la calidad en las interpretaciones, que está muy bien pero como medio, que está al servicio de las canciones, y no como fin en sí mismo, que deja a la canción en segundo plano y acaba siendo hueco y muy aburrido. Yo, al menos, lo entiendo así.

Long Distance Voyager es un disco mucho más popero, muy comercial, introduciendo incluso sonidos AOR, obteniendo un gran éxito con el single “Gemini Dream” .

El sonido recuerda más a la ELO que a los tradicionales Moody Blues.

Es un disco muy bien interpretado, tanto en las voces como en los instrumentos, y muy bien producido dentro de los gustos de la época, los “temibles” 80, con arreglos orquestales, sintetizadores, o con la introducción de instrumentos no demasiado habituales en grupos de pop, como la flauta que, sin embargo, no parecen fuera de lugar.

Pero lo mejor, como siempre, es que contiene varias canciones muy buenas, desde baladas como “In my world” o la magnífica “Nervous”, hasta canciones de pop sinfónico como la preciosa “Talking Out Of Turn”, y canciones más cerca del AOR, como “The Voice”, “Gemini Dream” o “22.000 Days”.

Muy buen disco, que tuvo muy buenas ventas, aunque fue criticado por los fans más tradicionales del grupo, y cayó después en el olvido.

Yo aconsejo rescatarlo.

DION & THE BELMONTS. ”The Wanderer. The Best of 58-63” (1989, Laurie)

2007-02-19T13:03:00.000+01:00

A finales de los cincuenta, En el Bronx neoyorkino nace un nuevo sonido, el Doo-Wop.

Los italoamericanos lo crean a partir del Rock-a-billy y con unas grandes dosis de melodía que proviene de las canciones napolitanas de sus orígenes.

1958 es el año en que las formaciones vocales formadas exclusivamente por blancos (white groups) fueron apareciendo masivamente en el panorama musical americano después de obtener por vez primera uno de ellas un TOP 20 en las listas pop con un tema propio.

Dicho grupo no fue otro sino Dion & The Belmonts con la canción" I Wonder Why" entre mayo y septiembre de 1958.

Esto ocasionó que los grupos armónicos blancos llamaran la atención de las compañías discográficas y tuvieran su oportunidad a partir de ese año.

Dion & The Belmonts rompieron todos los moldes conocidos hasta ese momento dentro del estilo con su ritmo rock & roll/pop, con un toque de jazz, sabiendo aprovechar al máximo las voces de acompañamiento.

La excelente voz de Dion Dimucci, el rey indiscutible de este género musical, y sus letras callejeras proceden de las calles del Bronx, en las que convivían géneros como el Rock and Roll, el R&B y los grupos vocales, que se reunían a cantar en los llamados "Street Corners".

Dion reclutó a otros rockers vecinos suyos y formaron Dion & The Belmonts, con canciones tradicionales y composiciones propias de Dion y de otros genios como Pomus/Shuman o el gran Ernie Maresca, compositores claves en la historia del Rock and Roll.

Dion conocía a The Belmonts de toda la vida, vecinos de barrio, aunque no pertenecían a su mismo círculo.

De hecho, Fred Milano y Carlo Mastrangelo pertenecían a los Imperial Hoods, una banda rival (Dion pertenecía a los Fordham Daggers).

Angelo Dáleo era el único que había recibido clases de canto.

The Belmonts habían tomado su nombre de la Avenida Belmont donde solían cantar rhythm´n´blues, inspirado en los grupos vocales negros, así como Rock and Roll.

Dion solía pararse a escucharlos, y en ocasiones se unía a ellos, hasta que, por fin, en 1957 Dion graba con The Belmonts, para el recién creado sello Laurie, el mencionado single “I Wonder Why”, un tema considerado como una de las grandes joyas del “doo-wop”.

No vuelven a alcanzar un éxito notable hasta 1959, año en que sacan al mercado la magnífica “A Teenager in Love”, una preciosidad vocal llena de ritmo y armonía, con la que alcanzan el puesto 5 en las listas.

Esta recopilación recoge las grabaciones de la primera época del grupo, para Laurie Records, así como algunos de los clásicos de Dion en solitario. Aquí están las famosas I Wonder Why, o los grandes clásicos A Teenager In Love, Runaround Sue o The Wanderer.

En general abundan las baladas y los tiempos lentos pero también hay canciones más movidas, uptempos, como las citadas Runaround Sue, The Wanderer o Lovers Who Wander.

Un clásico que no se puede dejar escapar.

THE CURE.”Standing on a Beach. The Singles” (1986, Elektra)

2007-02-13T17:02:00.000+01:00

Hoy, otro de los grupos más grandes para mi gusto, con un gran recopilatorio que resume su primera época, recogiendo los singles publicados hasta 1986.

The Cure es uno de los mejores grupos surgidos en la Inglaterra de finales de los años 70, con una estética peculiar y un sonido que, en sus inicios, estaba entre la new wave y el post-punk británico, aunque fue tendiendo cada vez más hacia el movimiento “Gótico”, composiciones pop, de tono oscuro y atmósfera un tanto enfermiza.

Robert Smith el alma mater del grupo, formó el grupo Easy Cure en 1976, cuando se unió con el bajista Michael Dempsey, el guitarrista Porl Thompson y el batería Lol Tolhurst. La banda comenzó a actuar en locales y a componer sus primeros temas. Tras el abandono de Thompson, el terceto restante, que recortó su nombre a The Cure, llamó la atención de Chris Parry, quien trabajaba en Polydor Records, que les firma su primer contrato discográfico para grabar el sencillo “Killing An Arab”.

Posteriormente, y ya para la grabación de su segundo LP, se les unió el fantástico bajista Simon Gallup, responsable en buena parte del sonido del grupo.

Este recopilatorio, titulado en su reedición en CD “Staring at the Sea”, marcará el paso de grupo de culto a grupo “mainstream”, la primera llegada del grupo al gran público, catapultándolos a los primeros puestos en las listas de ventas y entrando por primera vez en el Top 50 en los USA, cerrando una primera etapa, la que más me gusta del grupo.
En la segunda etapa conseguirían todavía más éxito, pero ya hablaremos de ello en otra ocasión.

En "Standing on a Beach" se recogen los singles de los primeros años de la banda, desde el primero, "Killing an Arab" publicado en 1979 hasta “Close to Me”, de 1986.

El disco es bueno para repasar los inicios de la banda, más cercanos al pop nuevaolero que a los sonidos más oscuros por los que les conoce la mayoría del público, aunque de todo hay, y en el podemos encontrar magníficas canciones como "Boys Don't Cry", “Play for Today”, “A forest”, "Close to Me", “The Lovecats”, “In Between Days”, etc.

Un disco ideal para introducir a aquellos que no tengan ningún disco de esta primera época del grupo, para mi gusto, la más recomendable, aunque a mí, de The Cure, prácticamente me gustan todos los discos que han grabado.

THE HOUSEMARTINS. ”Now That´s What I Called Quite Good” (1988, Go!)

2007-02-01T13:40:00.000+01:00

Hay grupos que alargan su carrera años y años, aunque ya no tengan nada nuevo que decir, y otros que aparecen de repente, y desaparecen rápidamente por donde han venido, dejando unas cuantas canciones imprescindibles.

Ese último es el caso de The Housemartins.

Aparecieron a finales de los años 80 con un fantástico single:” Happy Hour”, que se incluía en el disco debut London 0, Hull 4, y buena parte de la crítica se deshizo en elogios hacia la nueva banda, saludándola como un soplo de aire fresco. Una gran canción, con una cara B en la que se incluía un instrumental, genial y divertido, "The Mighty Ship".

The Housemartins eran Paul Heaton (voz, guitarra), Norman Cook (bajo), Stan Cullimore (guitarra) y Hugh Whitaker (batería, más tarde reemplazado por Dave Hemmingway).

Con una instrumentación clásica del pop de guitarras, sencilla, sin demasiados alardes en arreglos y producción, voces estupendas (como se puede comprobar en los temas a capella Caravan of love o He ain't heavy), guitarras y voz que recordaban lejanamente a los Smiths, pero más accesibles, con melodías pegadizas, brillantes y muy divertidas, que contrastaban con unas letras ácidas y sarcásticas, muy comprometidas políticamente, consiguieron hacerse un hueco en el panorama musical, dominado entonces como ahora (y prácticamente siempre) en su inmensa mayoría por "artistas" prefabricados por las discográficas.

Pero ante joyas poperas del nivel de Happy hour, Think for a minute o We´re not Deep, entre otras, el público supo reconocer la valía del grupo, y disfrutaron de unas ventas más que aceptables.

El segundo disco se publicó al año siguiente, bajo el título The people who grinned themselves to death con los mismos ingredientes, destacando Me and the farmer y Five get over excited, las canciones más lentas Build y The light is always green, además de la preciosa obra de arte Bow Down. (Para mi gusto, su mejor canción y una de mis favoritas de siempre).

Y aquí termina la historia, las discusiones internas y cierta frustración por el estancamiento de las ventas y la notoriedad, lejos de la esperada, terminaron por convencer al grupo de que ya no había nada nuevo que aportar, así que se van "con la música a otra parte".

Ellos dicen que se habían comprometido a estar juntos sólo ese tiempo. El caso es que ya sólo publicaron este recopilatorio , con la inclusión de algunos temas aparecidos en singles, como el número 1 “Caravan of Love”, caras B y temas inéditos, y los Housemartins fueron historia.

El cantante Paul Heaton formó The Beautiful South (un grupo que a mí no me gusta tanto, ni de lejos) y el bajista Norman Cook, es ahora famoso con el alias de Fatboy Slim.

A nosotros siempre nos quedará el recuerdo de unas canciones excelentes y divertidas, y la duda de si habrían podido superarse de haber continuado más tiempo.

Las canciones, además, han envejecido muy bien y merece la pena recuperar y disfrutar los discos cada poco tiempo. Es muy saludable.

SANTANA. ”Abraxas” (1970, Columbia)

2007-01-18T22:52:00.000+01:00

Un año después de apacecer en el Festival de Woodstock de 1969, el guitarrista mexicano Carlos Santana y su banda, surgida en San Francisco en la segunda mitad de los ’60, sorprenden al mundo con un sensacional disco, el segundo de su carrera y su gran obra maestra, Abraxas, posiblemente el mejor disco de rock latino que jamás se haya grabado, que ha tenido una influencia enorme en la música posterior.

Santana experimenta e innova, introduciendo sonidos étnicos, Jazz e incluso música clásica, que el añade a la base de su música, mitad blues, rock y r&b, con sus dos mayores influencias, B.B. King y Jimi Hendrix, y mitad ritmos y música tradicional latina, que él prefiere llamar afrocubana.

A día de hoy su música no parece tan nueva, porque sus innovaciones han sido adoptadas por multitud de músicos de todos los estilos y porque hoy parece que la música latina está de moda, pero Carlos Santana, al frente de su banda, fue el primero en incorporar los difíciles ritmos de la música latina dentro del rock, creando una especie de world music treinta años antes de que se inventase esa etiqueta. Reconocen su influencia los músicos más diversos, desde el rock latino hasta el hip hop, pasando por los sonidos latinos del Jazz fusión, el reggae, el acid jazz y un largo etcétera, sin dejar de ser nunca un músico de Rock y de R & Blues.

Abraxas aparece en plena época "hippie", y se ve influido por la estética de la época ya desde su portada, así como el título esotérico, y su sonido, con alguna influencia de la psicodelia (vía Jimi Hendrix) .

La fusión de rock, blues y jazz, y los sonidos étnicos dan un toque especial y original al disco, con versiones excelentes como "Oye Como Va" (Tito Puente) y "Black Magic Woman" (compuesto por Peter Green de Fleetwood Mac).

Santana y su banda, no solo tocan de lujo, también participan en la composición: Santana hace el genial "Samba pa ti”, uno de los instrumentales más bonitos que he escuchado, interpretado, además, de una manera genial, espectacular y emocionante.

Abraxas, obtuvo el primer puesto en las listas americanas durante seis semanas y más de un millón de copias vendidas por aquel entonces, algo rarísimo y difícil para un grupo básicamente instrumental, como el de Carlos Santana.

Posteriormente tendría una carrera llena de altibajos, tanto artísticos como comerciales, alternando discos muy buenos, aunque, para mi gusto, nunca al nivel de Abraxas, con otros más que mediocres, y grandes superventas con periodos en los que casi ha desaparecido.

Pero ha podido llegar hasta el día de hoy, y ha podido ver como el estilo que prácticamente inventó está más de moda que nunca, lo que hace que pueda presumir de ser el artista que más grammys ha conseguido en un mismo año, un total de 8 para su disco “Supernatural”, de 1999.

BRIAN SETZER. ”The Knife Feels Like Justice” (1986, Razor & Tie)

2007-01-15T12:45:00.000+01:00

Tras la primera disolución de los Stray Cats, Brian Setzer grabó un par de discos que lo alejaban de su habitual sonido rockabilly.

Este es el primero de ellos, un disco muy bien producido, en el que prueba con un rock americano estilo Tom Petty o John Mellencamp, que tal vez despistó un poco a los fans más rockabillys.

Un disco prácticamente único en su discografía, ya que el siguiente (“Live Nude Guitars”) es diferente, más sencillo y muchísimo más guitarrero, y con un sonido mucho más sucio, este es un disco de rock americano clásico, de banda, con un acompañamiento de teclados en la línea de lo que se venía haciendo en la época, y un sonido muy cuidado.

Se le critica por ser un disco muy comercial, pero yo no lo creo, al menos no creo que esa fuera la razón del cambio de estilo, Brian Setzer ya tenía el suficiente éxito con los Stray Cats como para seguir vendiendo sin cambiar de estilo. Quería sonar diferente, hacer cosas nuevas, probar nuevos sonidos. Y, lo más importante de todo, las canciones son muy buenas.

La critica lo veía como un intento de convertir a Brian Setzer en un artista maduro, serio, incluso en la imagen, y tal vez sea así, pero eso no se traduce ni mucho menos en una música mediocre, sino al contrario, en un disco brillante, una gran demostración de que este talentazo podía hacer muchas más cosas que centrarse en el rockabilly, (género que a mí me encanta desde siempre, pero que tiene sus limitaciones) como demostró después recuperando y volviendo a poner de moda el Swing, con su BS Orchestra.

Simplemente le apetecía cambiar un poco, y realiza, acompañado, eso sí, de grandes músicos como Mike Campbell, un disco bastante brillante, con su habitual competencia como cantante y guitarrista, y añadiendo una banda de Rock en toda regla (teclados, batería, etc) que le da más posibilidades.

A estas alturas es evidente que Brian Setzer es un guitarrista de rockabilly (tal vez el mejor), y es lo que mejor hace, pero no estaría de más que hiciera más incursiones de este tipo, en el rock americano clásico, con grandes canciones tipo The Knife Feels Like Justice, Boulevard of Broken Dreams, Aztec, Bobby´s Back,...

Un gran músico, en un estilo y un sonido que no ha repetido. Un disco que merece la pena rescatar.

RORY GALLAGHER. ”Tattoo” (1973, Buddha)

2007-01-09T13:54:00.000+01:00

Rory Gallagher es un músico desconocido para muchos, a pesar de que se le cita entre los mejores guitarristas de la historia del rock y el blues.

Es uno de los dioses de la guitarra más subestimados, pero está a la altura e incluso por encima de muchos de mayor renombre.

Con todo, durante sus treinta años de carrera, vendió más de 30 millones de discos, y es uno de los más influyentes rockeros irlandeses y músicos de blues de todos los tiempos. También en España ha sido muy influyente, sus conciertos muy recordados y, por ejemplo, Rosendo ha declarado que le debe el haberse dedicado a la música, a raiz de asistir a uno de sus conciertos en los 70. (Y, de hecho, a Rory Gallagher está dedicada la canción “Agradecido”.

La mayor parte de su éxito comercial y fama la alcanzó a finales de los años 60 (con el grupo Taste, y sobre todo, en los 70. Inexplicablemente (al menos para mí, ya que los discos siguen siendo buenísimos), cayó en el olvido en los 80.

Su prestigio como músico de directo, uno de los mejores directos de la historia (dicho por todo aquellos que tuvieron la suerte de verlo actuar) y sus magníficos discos no le dieron la fama y memoria que mereció, a pesar de ser solicitado por grandes músicos de estilos tan diversos como Blues, Rock o incluso Folk (tocó en discos y actuaciones, por ejemplo, de The Dublinners, o de Davy Spillane), y se dice que le ofrecieron nada menos que sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones. A lo que renunció, porque quería hacer su propia música.

Influenciado por los sonidos “negros”, toca y canta como si de un negro se tratara, en un estilo muy parecido, por ejemplo, al de Albert King. Su música es blues-rock interpretado con emoción, casi con rabia, con una voz desgarrada, rabiosa pero a la vez dulce, y unos solos y riffs llenos de energía, intensidad y potencia.

A pesar de no abandonar el clásico Blues Rock, se las arregla para que sus canciones suenen personales, originales y, sobre todo, sinceras. Poco a poco fue, además, endureciendo su sonido, hasta acercarse al Hard Rock.

“Tatoo” es, para mí gusto, su mejor disco, aunque nos dejó varias joyas antes de fallecer, tras muchos problemas con el alcohol, el 14 de junio del año 1995, cuando su hígado dijo basta. Tenía 46 años.

En este disco se encuentra una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, la fabulosa “Tattoed Lady”, pero es que todas las canciones son buenas, “cradle rock”, “A million Miles Away”,...

Un músico y un disco imprescindibles en cualquier colección que se precie. Te gustará si te gusta el blues, te gustará si te gusta el Rock o el Hard Rock y hasta si te gustan los sonidos más folks, más irlandeses.